Garthofismos

Videojuegos y cultura

2011-01-07T12:18:00.011+01:00

Suele coincidir que durante estas fechas «tan señaladas» —chascarrillo casi inevitable— acostumbra a ver la luz algún informe sobre lo malo que son los videojuegos para los niños. En los últimos años la organización no gubernamental Amnistía Internacional, poco antes de que comenzase la campaña navideña de compras, tenía a bien hacer públicas una serie de preocupaciones al respecto, de las que Antena 3 se encargaba de hacer de portavoz, porque este tipo de cosas bien llena un telediario. Era ya casi una tradición navideña. Yo me enteraba no porque viese los telediarios de Antena 3, de verdad que no, sino porque, al rato, solía aparecer en uno de esos foros que con frecuencia frecuento un mensaje de algún forero airado al estilo de «ya estamos otra vez, Antena 3 critica los videojuegos». Y no tardaban en salir adalides del ocio electrónico de debajo de las piedras, dispuestos a dejar a la altura del betún a los informativos del canal tricolor y, por extensión, a la organización autora del informe de marras. Con razón, por supuesto, por meterse donde nadie les llama, por hablar de algo que no entienden ni quieren entender. Bravo, compañeros.

Estas Navidades no ha sido así. No he visto ningún mensaje de esos en el foro, así que presupongo que este año no ha habido informe (porque ya digo que no veo Antena 3). Pero, atención, cuando ya estábamos a punto de dar carpetazo a tanta celebración y empezar por fin las esperadísimas rebajas de enero, hete aquí que aparece Nada es Gratis. Nada es Gratis es «un blog de economía casi siempre en español» sostenido por la Fundación de Estudios de Economía Aplicada —siempre hay de por medio una asociación, ya es casualidad, oiga— y es quizás uno de los mejores blogs de economía de la blogosfera española. Desde luego, yo personalmente os recomiendo añadirlo a vuestros feeds, apuntarlo en vuestros marcadores o ponerlo de página de inicio, lo que quiera que sea necesario para que al menos le echéis un vistazo a los artículos que allí se publican diariamente. De un tiempo a esta parte, Nada es Gratis lleva dándole vueltas al informe PISA, que evalúa el rendimiento de los alumnos de secundaria en varios países del mundo, incluyendo el que me ha tocado vivir, a la sazón España. Se habló de ello hace tiempo en las noticias, y se comentó el preocupante nivel de los alumnos españoles, pero pronto se añadió como consuelo que, bueno, que tampoco estamos tan mal, y que, mira, que hay países que lo tienen todavía peor. Ante tales razonamientos, yo me quedé mucho más tranquilo, confiado en que la actual juventud española sabrá tirar de las riendas de este país cuando yo ya no pueda hacer más que sobrevivir de los réditos que pueda darme el dinero que he empezado a juntar en mi humilde plan de ahorro. Sí, señor, mucho más tranquilo… ¿Alguien sabe cómo llegar hasta las Islas Caimán?

El tema es que en una de esas vueltas al informe PISA y analizar los datos en él recogidos, Nada es Gratis encontró una correlación entre el nivel de lectura de nuestros muchachos y el hecho de tener consolas en casa. Pero a diferencia de los informes de Amnistía Internacional y el oportunismo inherente a los noticiarios de Antena 3, aquí sí encuentro motivos para preocuparme. Nada es Gratis demuestra, no con anécdotas y sabiduría popular, sino con datos contantes y sonantes, que, efectivamente, los niños que tienen consola dedican menos tiempo a la lectura. No creo que esto haya salido en los telediarios, a fin de cuentas el informe PISA, publicado hace varias semanas, es ya agua pasada, y ahora tenemos problemas mucho más acuciantes que lidiar que la educación de los jóvenes y el futuro del país. Problemas, como por ejemplo, qué sé yo, qué va a pasar con los fumadores que, con la nueva ley antitabaco, han visto coartado su derecho fundamental a fumar en bares y restaurantes. Tranquilos, porque afortunadamente La Gaceta de Intereconomía nos ha regalado una guía de cómo saltarse la ley por la torera. Próximamente, límites de velocidad en la carretera, ¿un atentado contra el espíritu libre del conductor?

Volvamos, pues, a PISA. Por si acaso no fuera bastante amargante comprobar que hacer regalos en Navidad sólo contribuye a minar nuestro estado de bienestar, Nada es Gratis nos descubre que las notas sacadas en lectura por nuestros estudiantes se ven terriblemente afectadas por la posesión de una consola de videojuegos en casa. Estos artilugios también afectan negativamente, aunque todo sea dicho, en menor medida, a los resultados en matemáticas y ciencias. Imagino lo que estará pensando el lector: ¿pero las matemáticas no son ciencias? Separaciones arbitrarias aparte, Nada es Gratis nos pone también en la pista de un estudio ajeno a PISA que viene a confirmar que la correlación consolas-malas notas es, efectivamente, una relación de causa-efecto, y no de un asunto espurio. La causa es evidente: los niños con consola tienden a dedicar menos tiempo a sus actividades de estudio. Nada es Gratis concluye con una advertencia a los padres, advertencia que yo comparto: vigilen el tiempo que sus niños dedican a la consola.

Con los datos sobre la mesa, poco o nada se puede discutir. Ahora se hace difícil lidiar con la idea de que los videojuegos son también cultura, status que alcanzaron oficialmente hace casi dos años. Los videojuegos son un producto nacido de la cultura pop, y como ha ocurrido con otros productos de origen reciente, les ha costado alcanzar el mismo reconocimiento que el otorgado a otras artes como el cómic o el cine. Si son arte o no, bueno, no deja de ser una milonga de la que ya he hablado anteriormente, pero en lo que por fin nos hemos puesto de acuerdo en que son cultura. Sin embargo, lo que PISA deja claro es que jugar al último Call of Duty no va a sustituir a leerse Guerra y Paz, y en ese sentido los videojuegos todavía están lejos de convertirse en válidos instrumentos educativos, de la misma forma que escuchar Caribe Mix no va a mejorar las notas de nuestros hijos (probablemente todo lo contrario).

Pero bueno, algo hay salvable en todo esto, que los videojuegos no vayan a entrar a formar parte (al menos por el momento) de la biblioteca del colegio no significa que tengamos que quemarlos todos en una pira. Así, afortunadamente en España no faltan esfuerzos por reivindicar el videojuego como una forma de cultura tan válida como el ballet clásico. Son algo difíciles de encontrar, así que no busquéis en Meristation o en VidaExtra, porque este tipo de cosas requiere abandonar los medios de masas y bucear un poco en los nichos más reducidos. Y eso que jugar a videojuegos sigue siendo una actividad no muy extendida —todo el mundo se ha leído un libro o ha visto una película, pero no puede decirse lo mismo de un videojuego—, así que os podéis imaginar que estoy hablando de un nicho dentro de un nicho. Sí, son esfuerzos de una poca gente que dedica su tiempo a escribir sobre una afición que le fascina, y en ello, termina por enriquecer a los videojuegos como cultura, y así, hace del mundo un lugar un poquito mejor. No digáis que no.

Por un lado, Mondo Píxel va ya por el tercer volumen recopilando ensayos periodísticos de la más variada naturaleza, todos ellos relacionados con los videojuegos de un modo u otro. El conocido periodista John Tones y compañía se colocan detrás de una máquina de escribir (bueno, probablemente se trate de un ordenador) y se ponen a darle vueltas a algún juego que hayan tenido el placer de jugar, o algún aspecto de la cultura del videojuego que les haya llamado la atención. El resultado suele ser iluminador a poco que a uno le guste el tema de los videojuegos más allá de cuándo va a salir el próximo Pro Evolution Soccer (respuesta: todos los años sale uno). Sin embargo, en este tercer volumen me ha parecido notar un bajón de calidad, y ha habido artículos que he encontrado especialmente infumables. Quizás haya influido el hecho de que suelo leerlo de noche, y a esas horas no tengo el cerebro para reflexiones excesivamente metafísicas. O quizás sea que sencillamente que el nivel es tan alto que me supera. Pero aún guardo un gran recuerdo del primer volumen de Mondo Píxel, que devoré mientras iba y venía en tren de casa al trabajo, y que conservo junto al segundo, de alegre portada dedicada a uno de los mejores juegos de la historia pasada, presente y futura, Katamari Damacy.

En una línea similar, el mes pasado nació la revista bimensual STAR-T Magazine. Osado proyecto, sobre todo cuando el recuerdo de la difunta edición española de la revista Edge sigue todavía fresco —sí, fue constante objeto de críticas, no exentas de razón, pero creo que era un proyecto necesario, y así este blog le hizo un particular seguimiento durante bastantes números—. Para su debut, la revista luce en portada la poligonal faz de Ulala, estrella protagonista de uno de los mejores juegos de la historia pasada, presente y futura, Space Channel 5. Con un toque minimalista de esos que a mí me gustan, STAR-T Magazine no es una revista de videojuegos al uso: sí, sus páginas están llenas de lo que podríamos llamar análisis y reportajes, pero lo que encontraréis en ella es una amalgama de artículos sobre videojuegos de salida reciente y no tan reciente, con Kirby's Adventure (1993) a pocas páginas de Mass Effect 2 (2010), y desde luego lo que no encontraréis son notas ni ninguna otra clase de valoración numérica, toda una declaración de intenciones dentro del periodismo de videojuegos. Por poner una crítica, a veces los autores se dejan liar por su pluma embrollándose con más palabras de la cuenta, y más de un párrafo queda convertido así en todo un galimatías gramático. Más o menos como lo último que acabo de escribir.

En fin, Mondo Píxel y STAR-T Magazine son dos pequeñas iniciativas que intentan poner un poco de orden en este loco mundo de cultura videojueguil. Es de esperar que si todo va bien con el tiempo la cosa siga creciendo, y en el futuro aparezcan más iniciativas de este tipo. Aún me cuesta creer que jugar al Civilization no sea, como mínimo, tan útil ni educativo como leerse un Harry Potter, pero vaya, los datos son los que son. Los videojuegos forman parte de nuestra cultura, y, por tanto, son una extensión de nosotros mismos. Resultan una gran herramienta para poder explicarnos y entendernos.

Bueno, bonito, pero quizás demasiado barato

2010-02-14T00:29:00.005+01:00

En noviembre de 2008 EA publica Mirror's Edge. Promete ser la revolución del género FPS, y se anuncia con toda la fanfarria y publicidad que corresponde a un título triple A. Aparece para las consolas de última generación, PS3, Xbox360 y... ah, sí, algo más tarde también para PCs. Recibe críticas decentes por parte de la prensa: no es la panacea, pero apunta buenas maneras y presenta algunas ideas muy interesantes. Se pasea por las tiendas, sin ser un éxito arrollador de ventas, y por supuesto, pese a los férreos DRMs no pasa mucho tiempo antes de que puedan descargarse copias piratas conectándose a los principales torrents de la red.

Con un precio de salida de 50 € (70€ en consolas, por tema de royalties y demás), algo más de un año más tarde puede encontrarse en Steam a un precio de 14,99 €. Y si fuiste lo suficientemente rápido, habrás podido aprovecharte de la super oferta navideña (sólo durante un día) a 3,74 €. Cierto, sin disco, sin caja y con todas las limitaciones que ValvE se permita imponente mientras permanezcas atado a su plataforma de distribución digital, pero pese a todo un 93% más barato que su precio de salida. Insisto, sólo 13 meses más tarde.

Mirror's Edge es un caso más, uno entre cientos. Los videojuegos pierden valor con el tiempo. En algunos casos, como el juego de DICE, pierden casi todo su valor. Se trata de uno de los casos más exagerados, pero lamentablemente o no, no es único. La gráfica del precio de un videojuego es una curva que apunta cada vez más hacia abajo según pasa el tiempo; una vez han salido en la tienda, tarde o temprano sus precios acaban siendo arrastrados por una suerte de ley de la gravedad sintomática de una industria que vive principalmente de la novedad.

El plan es más o menos así. Al principio se aplica una pequeña rebaja, para seguir tirando de la inercia de las ventas conseguidas durante las primeras semanas. Después aparece algún pack con suculento descuento (“llévate el juego que te interesa junto con uno que puede que te interese y paga menos que si hubieses comprado los dos por separado”). A los seis meses, igual te encuentras con que el juego ya vale la mitad. No pasa mucho tiempo antes de que el precio esté por los suelos, a un valor casi ridículo. A los dos años lo regalan a cambio de un envoltorio de chicle, acompaña a alguna revista especializada del sector o pasa a venderse junto con el periódico del lunes, cada cual destino más cruel. Al final será pasto de los coleccionables de otoño, útiles posavasos estacionales que cumplen la higiénica función de evitar que la estantería del rincón se llene de polvo.

Hay honrosas excepciones en todo este proceso. A riesgo de que vuelvan a llamarme nintendero, al menos los juegos publicados por Nintendo acostumbran a mantener su precio durante la mayor parte de su ciclo de vida (venta de segunda mano aparte, claro). Esta política suscita quejas de los usuarios en varios foros de la red, pero los nipones ya están acostumbrados a ese constante ruido de fondo. Saben que, aunque nadie les quiere y que no son pocos los que anuncian su pronta desaparición, de alguna manera siguen ganando dinero a espuertas. Sonríen, porque algo deben de estar haciendo bien.

En una economía sana, el dinero pierde valor. Se trata de un proceso natural. El precio de las cosas sube porque el valor del dinero baja. Por tanto, cuando un producto se mantiene al mismo precio durante un periodo prolongado de tiempo, pierde valor de forma implícita. Cada vez cuesta menos adquirirlo. Es por eso que casi todo sube de precio. Casi todo, digo, porque hay bastantes productos que, por razones de mercado, bajan de precio con el paso del tiempo. Es el caso de muchos productos tecnológicos y culturales, y también de los videojuegos. Se vuelven antiguos, viejos, obsoletos. Tampoco hay ninguna tragedia en ello.

Pero, en el caso particular de ciertos videojuegos, nos encontramos con caídas de precio fulminantes en periodos de tiempo muy pequeños. ¿Qué consecuencias puede tener bajar tan rápido y tan bruscamente el precio? Puedo intentar conjeturar algunas, aunque no soy ningún experto. Una devaluación tan fuerte podría hacer que un porcentaje significativo de posibles compradores se esperen a que el precio baje en lugar de comprarlo en la fecha de salida. Esto puede resultar en un nivel de ventas a la salida del producto inferior al esperado. Como las ventas no son suficientes durante esas primeras semanas en que el videojuego está en la calle, podría optarse por rebajar el precio prematuramente con el objetivo de darle una segunda juventud. Ahora pasarán por caja los compradores que estaban esperando esa rebaja, aunque habrá algunos que se quedarán esperando segundas rebajas, y terceras, y cuartas, etc. Es el comportamiento típico ante una deflacción.

No es que el dinero que puedan dejar de ganar las distribuidoras con esta política me preocupe demasiado. Es su negocio, y quiero pensar que saben mucho mejor que yo lo que se traen entre manos. Para mí, lo más triste de toda esta historia es ver a qué velocidad se devalúa todo el trabajo realizado por programadores, artistas, diseñadores y productores, en mucho menos tiempo que el transcurrido desde que se dibuja el primer boceto hasta que el juego puede conseguirse en las tiendas. Dicen que los videojuegos son un arte, pero nunca oyes hablar a nadie de su fecha de caducidad: el día que salen a la venta.

140 caracteres deberían ser suficientes para cualquier persona

2009-10-07T10:01:00.005+02:00

En los últimos comentarios se dejaba notar cierta ansia por nuevo contenido para este blog. Hoy van dos artículos por el precio de uno, así que al menos durante este día no hay motivo para quejarse ;)

Para aquellos que necesiten leer más de mí, mis cuitas personales, mis desviaciones cabalísticas, mis elucubraciones casuísticas... en fin, mis «pensamientos imperfectos de una mente imperfecta», para todos ellos está a su disposición mi twitter, que, bien es verdad, actualizo con más frecuencia que este blog.

Pues eso, disfruten :)

http://twitter.com/Garthof

Anuncios, ciencias y crisis

2009-10-07T09:45:00.004+02:00

Pues va anunciado con bastante retraso, debo reconocer, pero desde febrero de este año dedico mis horas de trabajo a la investigación y a sacarme el doctorado, lo que ha supuesto toda una mudanza desde el Instituto de Investigaciones Tecnológicas, donde trabajaba, al Departamento de Electrónica y Computación de la Universidad de Santiago de Compostela. Vamos, como se puede ver en la foto, tampoco me he ido muy lejos:

Así que me he convertido en investigador de tomo y lomo, científico que le llaman. Hasta tengo un certificado que así lo atestigua: becado en formación de personal investigador. Aunque no tengo bata ni probeta, tan solo un ordenador y una tarjeta gráfica último modelo a la que exprimirle el mayor jugo posible.

¿Quién sabe si he escogido el mejor momento para unirme al tren de la ciencia? En estos tiempos de crisis por aquí y crisis por allí, el Ministerio de Ciencia e Innovación va a sufrir un importante recorte en sus presupuestos (decían que aún podía ser peor). Ese cuerno de la abundancia del que beben multitud de proyectos de investigación, al son del cual bailan numerosos centros investigadores a lo largo y ancho de la península, el que quita y pone becas y contratos para que los científicos puedan comer lentejas todos los días (¡y cómo comen!), empieza a menguar peligrosamente.

Son los riesgos que conlleva tener un país como éste, donde para muchas empresas las siglas I+D+i equivalen a una ecuación matemática de inescrutable significado (es un decir). El tema es mucho más complejo como para empezar a levantar dedos acusadores tan a la ligera, y en esto es importante tener en cuenta los factores coyunturales que se vienen dando en este país desde aquel «¡que inventen ellos!», e incluso antes.

Una de las coletillas más repetidas en los últimos meses es aquello del «cambio de modelo productivo». Parece obvio que necesitamos dicho cambio, pero no hay ningún político que se haya atrevido hasta ahora a virar el timón en redondo, a abandonar el ladrillo y el turismo como motores de una España, que de no ser por lo que tira Europa, quedaría condenada al ostracismo. Esta crisis representa una oportunidad de cambio, y cuando una inversión amplia y creciente en ciencia, una apuesta segura de futuro, es quizás más necesaria que nunca, nos dicen que debemos apretarnos el cinturón.

Por eso, en solidaridad con mis compañeros investigadores y científicos, doctorandos y doctorados, me sumo a la campaña «La ciencia en España no necesita tijeras», iniciativa a la que se han unido más de 700 blogs en tan solo cuatro días. Dedico así este humilde rincón de internet a concienciar a los lectores que se pasen por aquí del tijeretazo científico que vamos a sufrir todos. También estoy en ello, hay que reconocerlo, por la cuenta que me trae.

Y, convertido en precario gallego, unido a la causa, resulta difícil imaginar un buen futuro para la ciencia en Galicia tras la lamentable reducción de becas y contratos para tecnólogos y científicos anunciadas por el gobierno regional para este año. La tendencia en brutal descenso ya iniciada el año pasado no promete nada bueno para aquellos que ahora se encuentren a mitad de su carrera científica.

Para terminar, como cada vez que se habla de crisis y ciencia parece obligado citar a Einstein, cierro el artículo con dos conocidos párrafos suyos que los gobiernos del mundo deberían tomar, al menos, un poquito en serio.

«No pretendamos que las cosas cambien, si siempre hacemos lo mismo. La crisis es la mejor bendición que puede sucederle a personas y países, porque la crisis trae progresos. La creatividad nace de la angustia como el día nace de la noche oscura. Es en la crisis que nace la inventiva, los descubrimientos y las grandes estrategias. Quien supera la crisis se supera a sí mismo sin quedar 'superado'.

Quien atribuye a la crisis sus fracasos y penurias, violenta su propio talento y respeta más a los problemas que a las soluciones. La verdadera crisis, es la crisis de la incompetencia. El inconveniente de las personas y los países es la pereza para encontrar las salidas y soluciones. Sin crisis no hay desafíos, sin desafíos la vida es una rutina, una lenta agonía. Sin crisis no hay méritos. Es en la crisis donde aflora lo mejor de cada uno, porque sin crisis todo viento es caricia. Hablar de crisis es promoverla, y callar en la crisis es exaltar el conformismo. En vez de esto, trabajemos duro. Acabemos de una vez con la única crisis amenazadora, que es la tragedia de no querer luchar por superarla.»

Cuentos de un futuro pasado

2009-07-12T10:25:00.011+02:00

El próximo 15 de julio saldrá a la venta para descarga digital The Secret of Monkey Island: Special Edition, remake de The Secret of Monkey Island. Contará con un rediseño gráfico de la cabeza a los pies, una interfaz mejorada y voces en inglés. Por lo demás, el juego será exactamente igual al original, y para dar fe de ello los desarrolladores han habilitado la posibilidad de cambiar al modo gráfico original en cualquier momento. Como muestra, os dejo las capturas que acompañan a este artículo y os remito a un vídeo con nueve minutos de juego, donde se puede observar la elegante transición entre modos gráficos.

Personalmente me llama mucho esta reedición, y es posible que la compre si no el día de salida, quizás algo más tarde —lo bueno de las descargas digitales es que no desaparecen de las estanterías tan rápidamente—. Tras ver numerosas capturas y varios vídeos, ha terminado por agradarme el nuevo estilo gráfico, heredero, al igual que los últimos capítulos de la saga, del genial Monkey Island 3, así como la simplificación de la interfaz al abandonar —u ocultar— los verbos de acción en la parte inferior de la pantalla que, en mi opinión, deberían quedarse como un vestigio histórico abominable que espero que nadie vuelva a retomar jamás —salvo idea brillante—, frente a la sencillez de acciones sensibles al contexto, un botón del ratón para interactuar y otro para observar .

Por supuesto, no han tardado en salir las críticas, justificadas o no, sobre este remake. La mayor parte de ellas las he oído de puristas de la saga, de aquellos que han elevado la obra de Ron Gilbert a un altar —merecido o no, quede a juicio de cada uno—. En parte, era esperable una reacción adversa a tanto cambio. Me ha llamado la atención que muchas críticas se han centrado en el rediseño del protagonista, Guybrush Threepwood, comprensible por cuanto representa una parte de nosotros mismos en el propio juego. Puede que alguno se sienta como si le hubiesen redibujado su conciencia, y le resulte difícil empatizar con este nuevo Guybrush.

No les falta algo de razón: el nuevo rediseño gráfico rellena demasiados detalles que la pobre resolución del pixelado original dejaban a la imaginación. Alguno puede sentir que han violado su propia interpretación —vivencia, si se quiere— del juego, y como si de un plumazo la hubieran borrado de su memoria. Casi todo el espacio que había para soñar qué había detrás de los pocos píxeles que representaban al "inocente" Guybrush es el precio a pagar en la nueva edición. Por fortuna, no todo está perdido, pues el aspecto caricaturesco del juego aún deja un pequeño hueco que rellenar con nuestro propio yo.

Me pasa un poco lo mismo con Trine, un plataformero de reciente lanzamiento con ciertas dosis de resolución de puzles y gráficos de última generación. Es un juego que me resulta incómodo, confuso, sobre todo teniendo en cuenta que, aunque la cámara y la tecnología es 3D, su desarrollo es completamente bidimensional, y no es posible ordenar a los personajes explorar la profundidad de los escenarios tan ricamente detallados. Algunos han comparado la mecánica de este juego con la del clásico The Lost Vikings, y razón no les falta.

La sensación producida por Trine es de realidad encorsetada, de algo que «no es real pero casi». Quién sabe si en esto anda metido ese valle tan inquietante por el que los videojuegos de hoy en día empiezan a pasearse. En todo caso, los pequeños glitches del juego acaban por despistarme, y cuando el juego contiene un sistema de iluminación dinámica, una representación de materiales y una física tan realista, ya no soy tan permisivo como podría serlo cuando el forzudo Baleog apoya su pierna en el aire como si fuera tierra firme en el "primitivo" The Lost Vikings (véase captura superior).

A lo mejor es cuestión de acostumbrarse, o quizás sea que me estoy haciendo demasiado mayor para los videojuegos de hoy en día. Las nuevas generaciones están acostumbradas a representaciones más realistas, a una simbología alejada del pixelado que poblaba los ordenadores y consolas de los 80 y 90, la época en la que crecí como jugador. Por eso The Secret of Monkey Island: Special Edition es una gran oportunidad para que estas generaciones puedan disfrutar de la considerada de forma casi unánime como una de las mejores aventuras gráficas de todos los tiempos. A diferencia de los gráficos y de la tecnología, las historias de piratas envejecen mucho mejor.

Despotricando contra Broken Sword 2.5

2009-04-01T23:21:00.001+02:00

Acabo de pasarme el Broken Sword 2.5, juego que esperaba con bastante ilusión y que, al final, ha supuesto para mí un jarro de agua gélida. Se trata de un proyecto hecho por aficionados de la saga Broken Sword de todo el mundo. Originalmente pretendía revivir la experiencia de los dos primeros capítulos, reconocibles por su estética de dibujos animados, seria y cargada de detalles, y el clásico control apunta y haz clic de las aventuras gráficas (point-and-click le dicen allende estos mares).

Broken Sword 2.5 intenta ser un tributo a Revolution Software y a su buen hacer en el desarrollo de una de las sagas que, a su manera, tienen su puesto asegurado en el Olimpo de las aventuras gráficas. Se presenta como el capítulo perdido antes de que Charles Cecil y su equipo se adentrasen en las pantanosas tierras de las aventuras 3D —cuando, según vox populi, nada volvió a ser lo mismo.

Pero todas estas buenas intenciones han quedado empañadas por una lamentable ejecución, que hace de Broken Sword 2.5 un pobre homenaje. Aunque es loable todo el esfuerzo puesto en coordinar a aficionados a lo ancho del globo para sacar adelante un juego, es una pena que el producto final no sólo no esté a la altura del clásico de las conspiraciones templarias, sino que además resulte del todo mediocre.

Sospecho que, al igual que en muchos proyectos iniciados por aficionados (y es la razón por la que la gran mayoría nunca llega a materializarse), se les fue de las manos. Intentaron hacer algo demasiado grande de acuerdo a sus posibilidades, y al final no quedó más remedio que hacer recortes. Estoy especulando, así que no me hagáis mucho caso, pero eso explicaría por qué el juego es una rápida sucesión de escenarios, personajes y situaciones, poco aprovechados para el trabajo que conlleva diseñar y construir cada uno de ellos. Broken Sword 2.5 se parece a una demo técnica demasiado larga, llena de posibilidades que no terminan de cuajar.

Lo más sangrante es el diseño de los puzles, el pilar básico de toda aventura gráfica. Los hay más o menos ingeniosos, ninguno especialmente sorprendente. Sin embargo, los que acaban dejando huella son los verdaderamente absurdos. Los peores momentos del juego ocurren cuando el jugador se queda sin objetivos, por lo que sólo queda probar cosas hasta dar con el disparador que activa la siguiente secuencia de la aventura (por ejemplo, sentarse en una silla).

En ocasiones el juego planta obstáculos delante del jugador casi a mala idea; muchos de ellos serían fácilmente salvables en la vida real, pero el juego requiere aplicar la solución ingeniosa que tuvo el diseñador. El ensayo y error es casi una constante en el juego, que se salva de convertirse en frustración absoluta gracias al truco de pulsar la barra espaciadora, que muestra los puntos calientes del escenario —no es un «pixel hunt», al menos.

Para rematar la faena, el guión no es especialmente bueno, aunque debo reconocer que los diálogos son en general bastante correctos y más de uno ha conseguido recordarme, con cierta nostalgia, la sutil ironía con la que el protagonista de los capítulos originales hilvanaba sus meditaciones. Se ha realizado también un importante esfuerzo de doblaje, que, aunque en alemán —al fin y al cabo el proyecto se ha desarrollado en su mayor parte en tierras del kaiser—, creo que no desmerece dentro del panorama de doblajes para los juegos publicados en nuestro país.

Por último, de los vídeos 3D que se intercalan de vez en cuando no voy a contar mucho. En el mejor de los casos sobraban, y en el peor terminan por empobrecer el producto y hubiera sido mejor directamente prescindir de ellos.

En fin, salvo que os dé un ataque exagerado de nostalgia o que os pique demasiado la curiosidad, no os aconsejo haceros con este título. En tal caso, parece mejor alternativa el remake (o «montaje del director») del primer capítulo en Nintendo DS y Wii que acaba de salir hace poco. Apunta buenas maneras, añade nuevas escenas al original —aunque han hecho una extraña amalgama al superponer sobre el estilo gráfico original del juego los diseños de Dave Gibbons— y puede ser una buena oportunidad de revisitar o conocer por primera vez este clásico. Lástima del problema con las voces, pero a pesar de eso igual hasta le doy un tiento.

Wiimmick

2009-02-08T11:21:00.003+01:00

En el lenguaje mercadotécnico, un gimmick es una característica única o especial que hace que algo destaque entre sus competidores. Normalmente esa característica tiene poco valor o no suele servir para nada. Por tanto, un gimmick está presente en un producto sólo por el hecho de ser especial, pero no particularmente útil.

No se me ocurre ninguna palabra equivalente en español, pero creo que con la definición que he sacado de la Wikipedia es posible hacerse a una idea de qué estoy hablando. Los gimmicks suelen venderse como características novedosas, pero realmente apenas aportan valor al producto. En la vida real hay ejemplos de gimmicks a patadas, aunque su consideración como tal depende muchas veces del valor subjetivo que cada usuario conceda a la característica particular.

Lamentablemente, los poseedores de Wii no tenemos que irnos muy lejos para encontrarnos con gimmicks. Es cierto que la peculiaridad de su mando, capaz de capturar los movimientos del usuario, propone un sistema de control radicalmente diferente a prácticamente cuanto se había hecho hasta ahora en entretenimiento electrodoméstico. Quizás sea la novedad del control la que está provocando que muchos desarrolladores implementen esta tecnología como a regañadientes, como si todo juego de Wii tuviese que usar por fuerza la captura de movimientos, aunque no se tenga muy claro cómo aprovecharla.

El resultado es la aparición de juegos donde el esquema clásico de control botón-acción (pulsas un botón y ocurre algo) se traduce directamente a movimiento-acción (mueves el mando y ocurre algo). Entiendo que existe cierta presión a la hora de sacar un juego en Wii para que utilice de alguna manera las posibilidades del mando, porque, bueno, para eso están. Pero cuando la excusa de «producir más inmersión» se utiliza para justificar que el jugador agite el mando, al final el control acaba transformándose en un obstáculo —más aún cuando la precisión del mando está lejos de ser la ideal.

Últimamente estoy jugando a Disaster: Day of Crisis. Básicamente se trata de un juego de acción ambientado en una ciudad asolada por una cadena de catástrofes naturales. Disaster se vende como uno de los juegos que mejor aprovechan la captura de movimientos que ofrece el mando de Wii. Así, multitud de acciones se activan moviendo el mando de cierta manera en determinados momentos. Por ejemplo, curar heridas, romper objetos, ... y abrir puertas.

Para abrir una puerta, colocamos a nuestro personaje delante de la puerta. Entonces, en pantalla se nos indica que debemos girar el mando para abrirla, como si sujetásemos el pomo de la puerta. Giramos y ¡clic!, nuestro héroe abre la puerta y entra en la habitación.

¿Qué diferencia habría si en vez de girar el mando, el juego nos pidiese pulsar un botón? Ninguna, la puerta se abriría de la misma manera. ¿Qué aporta girar el mando? Nada. Estamos ante un gimmick.

No quiero decir que Disaster esté plagado de gimmicks, pero abrir la puerta girando el mando es un ejemplo evidente. El control por movimiento no aporta ningún significado a la acción de abrir una puerta, e imagino que sencillamente está ahí porque (a) se puede hacer así en Wii y (b) es más «inmersivo» o natural. A la larga, verse obligado a abrir todas las puertas girando el mando, cuando era perfectamente posible implementar esta acción pulsando un botón, se transforma en algo tedioso, en un obstáculo dentro del ritmo de juego. Afortunadamente para los jugadores, Monolith tuvo a bien no convertir Disaster: Day of Crisis en una sucesión de puertas cerradas.

Recientemente, me he enterado a través de IGN de Winter, un proyecto del estudio desarrollador n-Space, una suerte de juego de terror cuyo futuro está en el aire a falta de encontrar un distribuidor que lo apoye en firme. Las razones están explicadas en la extensa entrevista, acompañada de capturas e incluso un vídeo del juego en fase de producción. Pocas veces este tipo de cosas salen a la luz pública, así que, por favor, sed clementes antes de juzgar la calidad del título.

Personalmente, lo que más me ha llamado la atención de la entrevista es la voluntad de los desarrolladores por aprovechar las posibilidades del mando de Wii dotándolas de verdadero significado dentro del juego. Se nota cierta madurez a la hora de aproximarse al sistema de control de la consola de Nintendo que echo en falta en otros títulos —ojo, no creo que se pueda culpar a Monolith por haber sido una de las pioneras en intentar sacar partido al mando de Wii.

Como muestra de lo que digo sirva el siguiente comentario de Ted Newman, director creativo de n-Space:

Para todas las interacciones, el mando de Wii y el nunchuck se convierten en extensiones de las manos de los jugadores. Para abrir una puerta, el jugador apunta a la manilla con el mando, presiona los botones A y B [NdT: delante y detrás del mando, respectivamente] y tira de ella. Si me preocupa lo que puede haber detrás de la puerta, puedo tirar lentamente para echar antes un vistazo.

De nuevo, de forma similar a Disaster: Day of Crisis, se utiliza el esquema movimiento-acción para abrir una puerta. Sin embargo, este esquema en Winter contiene más significado: plantea al jugador una decisión significativa, esto es, abrir la puerta más rápido o más despacio. Enriquece de forma sencilla y natural la experiencia de juego al tiempo que sirve para generar la tensión necesaria que el jugador busca en este tipo de juegos. ¡Es brillante!

Creo que éste es el camino que se debe tomar cuando se trata de dar sentido al control de Wii. Resulta notable que sea un estudio ajeno a Nintendo quien venga a dar ejemplo de cómo aprovechar el mando para crear nuevas e interesantes mecánicas de juego. Desde el año pasado muchos estudios de desarrollo se están volcando a Wii, y sería buena idea que tomasen nota del buen hacer de n-Space en este sentido.

Planetes

2008-12-30T15:22:00.008+01:00

«A raíz del accidente sufrido por la nave de transporte de pasajeros ALNAIR 8, en el año 2068, el problema de la basura espacial cobró gran importancia y protagonismo. Satélites artificiales de usar y tirar, tanques abandonados por las lanzaderas, residuos derivados de la construcción de estaciones espaciales, todos estos desechos orbitan alrededor de la Tierra a velocidades que rondan los 8 km/s. El impacto de uno de estos objetos con una nave espacial podría provocar un grave accidente, y para evitar que una nueva tragedia se repitiera, se estimó necesario para el avance de la carrera espacial mantener bajo control su recogida. Nuestra historia empieza en el 2075.»

Así comienza Planetes (プラネテス o ΠΛΑΝΗΤΕΣ), un anime de ciencia ficción dura ambientado en un futuro no muy lejano, donde el desarrollo espacial ha tomado un impulso definitivo y los viajes espaciales son algo rutinario, varias estaciones espaciales orbitan alrededor de la Tierra y los humanos han instalado bases en la Luna, algunas del tamaño de una gran ciudad.

Planetes está basado en el manga homónimo de Makoto Yukimura. Curiosamente, mientras Yukimura tomó la decisión de no realizar ninguna investigación sobre tecnología espacial antes de dibujar el manga por temor a comprometer su libertad creativa, tanto el director Gorō Taniguchi como el guionista Ichirō Ōkouchi y el equipo de producción de Sunrise optaron por una aproximación diametralmente opuesta. El resultado es la mejor y más realista serie de ciencia ficción que he visto hasta la fecha, y en este sentido la sitúo al nivel de la obra maestra 2001: Odisea en el espacio.

Planetes nos cuenta la vida de los trabajadores de la sección de recogida de desechos de la corporación Technora, que mantiene una enorme estación espacial en órbita alrededor de la Tierra. Como podéis imaginar la recogida de basura espacial no resulta una actividad especialmente lucrativa, y la sección sobrevive recluida en un rincón de la estación, con poco presupuesto y aún menos personal, menospreciada por el resto de los trabajadores, aun cuando las tareas que realiza revisten un gran peligro. A pesar de ello, los componentes de esta sección consideran que su labor es muy importante para el desarrollo espacial de la humanidad.

— ¿La "semi"? ¡Es verdad! En control han dicho eso...
— Se ve que desechos no acaba de cumplir sus cupos y no tienen más que la mitad del personal que debería.
— Como sólo tienen la mitad la llaman la "semi". Es decir, semi-completa, semi-imprescindible, semi-útil, semi-activa...

Con este panorama comienza Ai Tanabe su primer día de trabajo en la sección de desechos. Atraída por el ideal romántico de los astronautas y los paseos en el espacio, no tarda en darse cuenta de que el espacio no es precisamente una «tierra de libertad», y los intereses corporativos y políticos están a la orden del día. Sin embargo, Ai Tanabe no se amilana por eso, y pretende descubrir hasta dónde es capaz de llegar.

Su carácter abierto, honesto, idealista y apasionado choca de frente con el de Hashirota Hoshino, alias Hachimaki (cinta de pelo), un joven de carácter arisco que parece resignado a quedarse a trabajar en la sección de desechos para siempre. Con cierta desgana, Hachimaki servirá de maestro a la novata Tanabe, a quien enseñará a dar sus primeros pasos en el espacio. Hachimaki tiene un sentido bastante práctico de la vida, incluso cínico, y no termina de entender la forma que tiene Tanabe de ver el mundo, a la que considera demasiado ingenua.

El resto de personajes que forman parte de la sección de desechos merecerían también una mención aparte, pero sería alargarme demasiado y vale la pena que los descubráis por vosotros mismos.

No quiero que penséis que Planetes es una serie que se limita a narrarnos las aventuras de unos basureros espaciales. La recogida de desechos sirve de excusa para contarnos cómo se relacionan y crecen los diversos personajes que aparecen en la serie y cómo es la vida en el espacio. El anime toca además diversos temas políticos y filosóficos, que cobran relevancia conforme avanza la serie.

— Capitán, permítame contemplar la Tierra durante un minuto nada más...
— Bien, adelante.
— Gracias. Es preciosa. ¡Ojalá los demás también pudiesen verlo! ... ¿Eh? ¡Es El Tanika! ¡Se ve el lago Guaguchi! ¡Qué pequeño se ve desde aquí arriba!
» ...
» ¿¡Por qué!? No puedo dejar de preguntármelo... ¡Si desde aquí arriba no se ve ninguna frontera! Si sólo está el planeta Tierra... Sin más...

Cada capítulo nos coloca varios arcos argumentales que acaban entrelazándose de forma sublime. Reconozco que se podría tachar al guión de abusar del recurso de las «felices coincidencias»; sin embargo, en los últimos capítulos queda bastante justificado para intentar explicarnos la idea principal de la serie (que no voy a desvelar aquí).

Planetes es, para mi gusto, una serie excepcional. Tiene, además, la virtud de alejarse de las paranoias pseudofilosóficas y demás fantasmadas que suelen llegar desde Japón en forma de anime. Francamente, estoy agradecido a Sunrise por haber creado esta pequeña maravilla, y si tenéis la oportunidad de echarle al menos un pequeño vistazo, espero que os guste tanto como a mí.

Sin más, aprovecho la ocasión para desearos un feliz y próspero 2009. Hasta el año que viene ;)

EDITO: Corrijo algunos errores a lo largo del texto.

Carta abierta a un pirata

2008-10-14T16:19:00.000+02:00

Querido pirata:

En primer lugar quiero disculparme por el cruel apodo que la industria ha elegido para tildarte. Ya sé que nunca has asaltado un barco y que jamás se te ocurriría ir por ahí vistiendo llamativos ropajes, con un loro en el hombro, un parche en el ojo y una pata de palo, si no fuera para una fiesta de disfraces. Te escribo para comunicarte un par de ideas que me rondan sobre la piratería, no la de alta mar, sino la de software.

La verdad es que frente a ti no puedo evitar sentirme como un tonto cada vez que veo la pasmosa facilidad con la que consigues cualquier juego, ya sea de consola o de ordenador, por unos pocos céntimos; mientras yo, quizás por decencia o por estupidez, me veo obligado a pasar por caja. Apenas sirve de consuelo tener la ley de mi lado, y únicamente pensar que estoy haciendo lo correcto me ayuda a seguir actuando como lo hago.

Debo reconocer que yo mismo tengo varios juegos piratas, pero son los menos. A diferencia de ti no acumulo una inmensa colección de tarrinas de DVDs Princo. Coincidirás conmigo en que no hay tiempo humano para disfrutar de tanto juego, y que muchos de ellos apenas los has puesto más de cinco minutos para luego devolverlos a la caja de donde nunca volverán a salir mientras pensabas, con una mueca de sonrisa pícara, «uno más».

Ya sé que a fin de cuentas la industria del videojuego sigue creciendo y que unos pocos euros más o menos no significan mucho. Tienes razón, esta industria es cada vez más fuerte y ha sobrevivido a cuantas crisis se le han presentado hasta el momento, ya fueran globales o dentro de su propio seno.

Pero no es sólo un problema con la industria, tus acciones acaban perjudicando a gente como yo, a los legítimos compradores. Como guardianes de la propiedad intelectual, los celosos dueños de este negocio se sienten asustados por la facilidad con que su producto puede llegar a millones de manos en un día gracias a las redes P2P. Resulta comprensible que quieran sacar algo de rédito, y creo que yo también me sentiría molesto si algo en lo que he puesto tanto esfuerzo acaba saliendo gratis, así por la cara. Sobre todo, si además de la mía tuviera más bocas que alimentar y mi futuro dependiera expresamente de lo que venda mi producto.

Y digo que esta situación me perjudica porque los desarrolladores y distribuidores, en un intento desesperado e inútil por salvar los muebles, añaden a los juegos comprados en tienda diversas restricciones, DRMs y protecciones anticopia que acaban resultando un engorro (en muchos casos, directamente un obstáculo) para disfrutarlos plenamente.

Difícilmente puedo considerarte aficionado a los videojuegos, porque para ti realmente no son más que un divertimento, un pasatiempo sin la menor importancia. Si algún día la industria tuviese que cerrar por una improbable razón y sencillamente, ¡pum!, se dejasen de hacer videojuegos, a ti te daría igual. Ya buscarías alguna otra cosa para llenar tus momentos de ocio. Yo probablemente me sentaría en un rincón y lloraría.

Viñetas desde o Atlántico 2008

2008-08-13T21:55:00.000+02:00

La última edición de la feria internacional del cómic celebrada en Coruña ha empezado esta semana y ayer tuve la oportunidad de pasarme, como casi todos los años, por las casetas de venta y visitar una de las múltiples exposiciones.

Si el año pasado hablaba de crecimiento, de la posibilidad de convertir a la feria en un evento de renombre, ahora toca hablar de estancamiento, o peor aún, caída. Por lo menos en el número de casetas de venta, que han quedado relegadas a una estrecha calle del parque de los Cantones, casi como ocultas. No obstante, siguen adornando la arquitectura de la ciudad figuras emblemáticas del cómic, convertidas en tosco cartón piedra, uno de los pocos indicios de que estamos en verano (no, el tiempo no acompaña).

En cuanto a las exposiciones, me ha encantado especialmente la de Arrugas, con comentarios del autor (en curioso formato post-it), sobre los bocetos, apuntes y fragmentos de guión expuestos. Es una pena que Paco Roca no haya podido asistir en persona, me hubiera gustado conseguir una firma suya para lo que es uno de los mejores cómics que he leído nunca. Totalmente recomendado.

Por último, me he hecho con un ejemplar de El Eternauta (libro estrella de esta edición de Viñetas desde o Atlántico), aprovechando el jugoso descuento que ofrecen las casetas durante la feria. Llamadme ignorante pero no conocía esta obra maestra de la ciencia-ficción argentina de los años 50, y por lo poco que he leído, está resultando de lo más interesante.

Programando a bajo nivel

2008-07-11T17:22:00.003+02:00

Con motivo del seminario de sistemas empotrados que recibí como parte de mi preparación de doctorado he tenido la oportunidad de iniciarme en la programación de la Game Boy Advance. Y creo que por primera vez he empezado a entender por qué hay gente a la que le encanta trabajar a tan bajo nivel.

En general, me gusta programar en alto nivel, centrarme en el problema que quiero resolver sin preocuparme por los entresijos de la máquina, delegar en el compilador o en el intérprete todos esos pequeños y complicados detalles de implementación asociados al hardware. A fin de cuentas, en eso consiste la abstracción, uno de los pilares básicos del diseño de software.

El lado negativo de esta filosofía es que, como programador, pierdo el control sobre cómo funcionan aspectos de tu programa. Yo decido el flujo general de la aplicación, pero debo confiar parte de su funcionamiento básico a la implementación que han realizado otras personas de librerías, APIs y funciones del sistema operativo. Y mientras esa llamada al sistema, esa función, esa librería, etc funciona como yo espero que funcione, las cosas van bien; cuando no lo hacen, es cuando tengo que romperme la cabeza para saber qué está pasando.

No ocurre lo mismo al programar en bajo nivel, es decir, programar cerca del lenguaje que hablan las máquinas. Aquí tengo prácticamente control total sobre el comportamiento del hardware, y mi único límite es el propio hardware en sí. Le digo a la GBA que quiero un píxel de color rosa en la esquina superior izquierda de la pantalla, y la GBA obedece. Es una sensación de poder que no había experimentado hasta ahora con ninguna máquina.

Trabajar a este nivel no es en absoluto sencillo. Primero, exige conocer con bastante minuciosidad cómo es la máquina para la que vas a programar; esto supone leer y entender bastante documentación. Por último, resulta a veces un engorro, porque tienes que saber muy bien qué es lo que estás haciendo, porque las cosas más sencillas cuestan más de lo esperado, porque al problema que quieres resolver se le suman los pequeños problemas y limitaciones del hardware.

Pero todas estas dificultades tienen su recompensa. Al final, te sientes casi como un ser todopoderoso que se pasea tranquilamente por la circuitería activando un registro aquí o allá, moviendo bits de un lado para otro, exprimiendo el potencial puro que te ofrece la máquina. Está a tu total disposición, y el resultado final sólo depende de tu habilidad.

En Tron los programadores eran considerados dioses dentro del mundo binario en el que se desarrolla la película. Hacia el final, el propio Tron, el programa que da nombre al filme, recibe un mensaje directo del programador, que en el mundo real no hace más que teclear órdenes en la línea de comandos de un ordenador. Mientras en el mundo binario, un fuerte haz de luz rodea a Tron, que recibe las órdenes de una voz como divina, y recoge un disco de datos que desciende lentamente desde el cielo. Mira tú por dónde no es una metáfora tan descabellada.

EDITO: Cambio la foto de Tron, que la han borrado.
EDITO: Elimino definitivamente la foto. Se ve que con el estreno próximo del nuevo Tron, andan pesaditos... :P

Zelda y los cambios de estética

2008-07-09T20:23:00.001+02:00

En Revogamers se ha montado un curioso debate en torno a una noticia que tiene toda la pinta de ser completamente falsa, pero que es bastante sintomática de cómo están las cosas en torno a la joya de la corona de Nintendo, The Legend of Zelda. Cuando faltan apenas unos días para el E3, sale a la palestra esta supuesta entrevista a Aonuma, actual director de la saga, en la que se nos anuncia un cambio radical en el devenir de la serie.

Como poco, este hipotético Zelda apostaría por una estética steampunk, retrofuturista, un ambiente oscuro en el que transcurriría la historia de un héroe atormentado por su propia psique. Atrás queda el Hyrule de verdes praderas y blancos castillos; la tierra marrón y yerma y el humo de las máquinas de vapor serían las constantes de este Hyrule atrapado por la revolución industrial.

No he leído toda la entrevista porque prefiero que, de ser verdad, sea Nintendo quien me sorprenda en el E3 (sí, me gusta sonreír como un tonto bobalicón mientras los estudios de desarrollo descargan toda su fuerza mercadotécnica en esa feria venida a menos —llamadme iluso). Pero he estado ojeando los comentarios tanto a favor como en contra de este, mientras no se diga lo contrario, controvertido what-if.

¿Qué queréis que os diga? A mí me gusta. Sí, me parece, que la saga necesita un cambio de rumbo. Y os lo dice alguien que a jugado a tres o cuatro títulos con el membrete The Legend of Zelda. Me parecería bien que Aonuma pusiese toda la carne en el asador: hasta aquí todo el pescado vendido, chicos, se acabaron los tiempos felices de las maripositas, y los trajes verdes, y las flores que bailan, etc etc; os traigo la desolación, la caída de un reino ahogado por su tecnología, os traigo un héroe ambiguo, una historia sin buenos ni malos... Algo verdaderamente profundo, digno de contar. Algo... vale, vale, de momento no son más que sueños.

No sería Zelda la única saga que en un momento dado ha decidido dar el paso y cambiar de estilo, ambientación o de protagonistas. Hay un precedente bastante reciente con Jak & Daxter, que pasó de un estilo amable, preciosista y familiar (infantil si queréis) a una estética radicalmente diferente en Jak II, similar a la que plantea este nuevo supuesto Zelda: un entorno yermo y corrupto, una ciudad oscura e inhóspita gobernada por un tirano con mano (y cabeza) de hierro, y un Jak, el protagonista, más violento gracias a sus adquiridos poderes de eco oscuro —y mucho más hablador, aunque tuviera pocas cosas interesantes que contar—. Esta renovación propició un cambio más profundo en la jugabilidad: bebiendo de las fuentes de GTA III, implementó con mayor o menor acierto un entorno sandbox por el que hacer pulular al jugador, cumpliendo misiones aquí y allá.

Cabe decir que todos esos cambios no fueron en absoluto de mi agrado, y tuvo que ser Jak III el que hiciera que recuperara mi esperanza en esta saga (aunque enviaran la historia de los precursores a hacer gárgaras —al menos sabemos el porqué de la transformación de Daxter). Da igual, el juego fue un éxito, y alimentó la tendencia por aquella época de que los juegos para adultos tenían que poner a tipos duros a los mandos del jugador. En realidad, los más creciditos no necesitamos ninguna de estas parafernalias para sentirnos mayores, pero a los adolescentes les chiflan. Ainsss....

En fin, creo que los cambios, pese a que revienten a más de un fan, son necesarios para mantener la buena salud de una saga, siempre que sean llevados con inteligencia. Para jugar a más de lo mismo, ya tenemos los emuladores, la consola virtual, el XBLA y el Megaman 3, quiero decir, 9.

In English, please

2008-05-14T15:09:00.005+02:00

Vaya por delante que aplaudo los esfuerzos de traducción que realizan algunas empresas y la comunidad de software libre cuando publican software en varios idiomas y, especialmente, en castellano. Pero creo que traducir algunos programas específicos no merece la pena; es más, puede ser contraproducente.

No me refiero a programas de uso común, sino a software especializado. Por ejemplo, como programador utilizo IDEs tanto en casa como en el trabajo, esto es, programas que me facilitan el desarrollo de software. Ya sea Eclipse o Visual Studio, ambos los tengo instalados en inglés. Cuando me apetece dar rienda suelta a mi humilde vena artística y creo un modelo en 3D o una textura, utilizo programas como 3d Studio Max o Photoshop, también en inglés.

No se trata de que tenga especial querencia por el inglés, pero la realidad es que la mayor parte de la documentación en Internet está en inglés: tutoriales, artículos, foros, etc. Si tengo que buscar información sobre determinada funcionalidad de una de las herramientas que utilizo, lo más probable es que la encuentre (cuando la encuentro, claro) referida a la herramienta en inglés. Por otra parte, si quiero escribir un tutorial y quiero obtener la máxima repercusión posible (es decir, que sea útil para el mayor número de gente) lo recomendable sería hacerlo en inglés refiriéndome a la herramienta en inglés.

Entiendo el punto de vista de las empresas y personas que trabajan desarrollando este tipo de herramientas. Su intención, al traducir o apoyar traducciones de su software, es hacer llegar su producto al mayor número de personas; pero el resultado final puede ser contraproducente, dando lugar generando comunidades de usuarios disgregadas en distintos idiomas. Por ejemplo, el esfuerzo que pone Microsoft en traducir la documentación de .NET es, a mi parecer, perjudicial y excesivamente tentador para todo aquel que quiera entrar en el desarrollo bajo esta plataforma. Es aún peor cuando la traducción es incompleta o incorrecta, o cambia el software por alguna suerte de adaptación difícil de entender —especialmente sangrante es el caso de Photoshop, cuya versión en español contiene el menú de filtros en distinto orden que la versión original.

El inglés es el vehículo de comunicación entre los desarrolladores y usuarios de herramientas (artistas, diseñadores, programadores, etc). Es, hoy en día, el lenguaje común con el que podemos entendernos todos. Saber inglés es muy importante, pero este artículo no es una llamada para que os apuntéis a cursos de inglés ni nada por el estilo, es tan solo una sugerencia para aquellos de vosotros que usáis a menudo herramientas de desarrollo o diseño para que hagáis el esfuerzo de utilizarlas en la lengua en la que han sido concebidas y para la que más documentación podéis encontrar ahí fuera.

¿Qué imagen damos los jugadores de nuestra afición?

2008-03-27T15:29:00.007+01:00

Muchas veces cuando llamaba a mi hijo, podía oír de fondo el ruido de un [video]juego, lo que implicaba poca concentración en nuestra conversación, pues la mayor parte iba dirigida hacia la partida, que según parece no podía ser interrumpida. Me respondía con frases cortas y evasivas.

Este pequeño extracto es una declaración recogida en el genial artículo The Myth of the Media Myth, de la revista The Escapist, pero creo que representa de forma genérica la sensación que experimentan muchos padres cuando tienen que tratar con sus hijos sentados frente al televisor jugando a un videojuego. Tampoco es muy diferente de la respuesta que daría una novia, un amigo o un pariente si tuvieran que hablar de un novio, amigo o conocido aficionado a los videojuegos.

El artículo de Brenda Brathwaite toca este tema de forma un poco lateral, quizás porque se centra principalmente en intentar explicar por qué hay gente que odia los videojuegos, y es un asunto que tiene tela ya de por sí. Yo, por mi parte, me pregunto: «¿Qué imagen damos los jugadores de nuestra afición?»

Precisamente, al leer la declaración de esa madre desencantada de los videojuegos, recordé que justo ayer, antes de cenar, estaba jugando un rato al Mario Galaxy cuando llegó mi padre del trabajo, se acercó adonde estaba y me saludó, pero yo ni siquiera lo miré. No paré la partida para devolverle el saludo, tan solo dije un «hola» de compromiso mientras seguía enfrascado (casi abducido) por los alegres saltos de Mario. Ahora me pongo a pensar sobre ello y no puedo evitar cierto sentimiento de culpabilidad.

Además, ¿con qué idea se queda mi padre de los videojuegos? El cliché del jugador encerrado en una habitación oscura babeando ante una pantalla parpadeante de un televisor de tubo, aunque evoca una imagen jocosa, podría estar más cerca de nosotros de lo que pensamos. Si la gente que nos quiere nos ve realmente así, y así se lo hacemos ver nosotros a ellos (conscientemente o no), no es de extrañar que intenten protegernos de los videojuegos.

Si los aficionados, al hablar de videojuegos, dicen que es un vicio, que si un juego es muy bueno entonces es viciante, y cuando están jugando hablan de viciarse, aunque todo ello no sea más que una jerga, en parte están alimentando los oscuros prejuicios que mucha gente guarda sobre el entretenimiento digital. Por otra parte, jugar es algo que todavía no está bien visto fuera del ámbito infantil, aunque parece que las cosas poco a poco van cambiando.

Somos todos culpables de que jugar sea una actividad considerada infantil, alienante o incluso peligrosa. Pero no debemos esperar a que los demás hagan algo para intentar cambiar la situación, o que toda la gente recelosa de los videojuegos termine muriéndose. Cada uno de nosotros, si aprecia su afición, debería esforzarse por valorizarla. Parar la partida para hablar con tu padre ya sería algo.

Ni tiempo para perder el tiempo

2008-03-19T22:54:00.006+01:00

A veces tengo la impresión de que el tiempo se me escurre de entre los dedos. Últimamente, esa sensación se ha repetido más de un día. Entre compromisos aquí y allá, he acabado ocupando mi tiempo libre de tal manera que llamarlo «libre» sería sólo por así decirlo.

Curiosamente, reflexionaba sobre esto cuando me topé con un artículo que hablaba precisamente de cómo aprovechamos hoy en día nuestro tiempo de ocio. De nuevo, decir que me topé con él es otra forma de hablar, en realidad formaba parte de uno de los ejercicios del examen FCE, otro de esos tantos compromisos.

Aún así el texto estaba bastante bien. No recuerdo su autor, pero dado que se trataba de un ejercicio de examen bien podría ser ficticio. El artículo comenzaba hablando del poco tiempo libre que dispone la gente en el mundo occidental, abrumada por sus numerosos compromisos.

A continuación, el autor se remontaba a diez o veinte años atrás, cuando se preveía que la automatización nos conduciría en la época que ahora vivimos a la era del ocio, donde pasaríamos la mayor parte del tiempo sin trabajar (las máquinas se encargarían de las tareas más duras). Como bien apuntaba el autor aquí, lo que nadie pudo prever es que el propio mercado se encargaría de buscar la forma de rellenar ese tiempo, manteniendo así la coyuntura consumista que nos rodea.

En la sociedad actual se considera el no hacer nada como una pérdida de tiempo. Por eso, buscamos constantemente formas de rellenar nuestro tiempo de ocio. Aprovechamos casi cualquier momento en que no tenemos nada que hacer para hacer algo, lo que sea: escuchar un podcast mientras se da un paseo, ver una serie en el mp4 mientras se espera en una consulta, escribir para el blog mientras se viaja en tren, etc.

Huimos del hastío y el aburrimiento como si fueran la peste. Cargamos nuestra agenda con actividades que apenas llegamos a cumplir. Intentamos ser productivos en todo momento. No hay tiempo para pensar, es hora de actuar. Tenemos tantas cosas por hacer que, al final, terminamos por no hacer nada. Miramos el reloj con temor, nunca nos llega el tiempo a nada.

Metidos en esta locura, arañamos minutos de descanso de donde podemos e inevitablemente acabamos cayendo en la procrastinación. Cuando queremos darnos cuenta, hemos perdido tanto tiempo haciendo lo que no teníamos que hacer que apenas podemos terminar lo que sí teníamos que haber hecho. Lo peor es que nos sentimos culpables por ser incapaces de dar la talla.

Arrastramos nuestros cansados cuerpos tras un largo día de trabajo a nuestros hogares, buscando el alivio del sofá o de la cama. Pero cuando llegamos a casa, nuestras tareas no han terminado: debería aprovechar y leer el correo, tengo que preparar la cena, aún me queda dos capítulos de la última temporada de Lost por ver, a ver qué dicen en el foro, tengo que planchar la ropa, ... Al final, robamos horas a nuestro sueño para intentar cumplir con todos nuestros quehaceres, y ni así.

El autor del artículo terminaba hablando de cómo este way of life moderno puede acabar perjudicando las relaciones interpersonales. La amistad es una relación que hay que cuidar, y si no tenemos tiempo para nosotros mismos, tampoco lo tendremos para nuestros amigos. Debemos ser conscientes de esto y aprender a disfrutar mejor de nuestro tiempo de ocio, porque no tenemos otro.

EDITO: Corregido error ortográfico. ¡Gracias, Phyambre!

Galopando por praderas virtuales

2008-02-13T16:15:00.001+01:00

¡Ah, los caballos! ¿Quién no ha montado nunca a caballo? Bueno, supongo que la mayoría de nosotros. Pero ahí están los videojuegos para darnos la oportunidad de galopar y galopar. Aunque sea sólo en praderas virtuales, al menos estos cuadrúpedos no huelen mal ni corres el riesgo de romperte la cadera si te caes de su grupa.

En general, los caballos suelen compartir la misma utilidad en todos los videojuegos: ir de A hasta B, pero más rápido. Nos liberan del tedio que suele suponer correr de un lado para otro y proporcionan algo de aire fresco a la mecánica del juego. Algunos videojuegos van más allá y convierten al caballo en algo más que un medio de transporte: en ciertos MMORPG la montura de un jugador es representativa de su status elevado sobre el resto de jugadores, en otros juegos los caballos (o chocobos) permiten llegar a sitios inaccesibles de otra manera.

En el mejor de los casos los juegos cultivan una relación de amistad entre el jugador y su caballo. Es el caso de Zelda: Ocarina of Time, donde Epona sirve de compañía a nuestro héroe Link a lo largo de los solitarios valles de Hyrule. Sin embargo, si nos centramos en el control, Epona no es más que una extensión de Link. En efecto, al subirse a Epona, pasamos de controlar a Link a controlar directamente a su yegua. Allá donde apuntemos, Epona dirigirá sus pasos, de manera un tanto ortopédica, comparado con las animaciones de Link —no olvidemos que estamos hablando de 1998.

Quizás este control me desconcierta un poco porque estoy más acostumbrado a manejar a Agro, el corcel de Shadow of the Colossus. Creo que este es el ejemplo al que deben apuntar los juegos que incluyan monturas en su mecánica. El control de Agro es mucho más natural. Cuando Wanda sube al caballo, el control sigue sobre Wanda, no sobre Agro. Si apuntamos a la derecha, el caballo no se mueve a la derecha, es Wanda quien tira de las riendas para que el caballo gire. Y sólo cuando pulsamos un botón Wanda espolea a Agro para que empiece a cabalgar.

Puede que al principio no resulte intuitivo, pero conforme te vas haciendo al control, te das cuenta que de verdad vas sobre un caballo, sobre un «ser vivo». Un animal obediente, bravo pero también tozudo en ocasiones, que se detendrá antes de que lo lleves al galope hacia el borde de un precipicio. Y es esto lo que consigue crear ese lazo de unión entre el jugador y Agro, mucho más fuerte que el presente en Zelda.

La relación jugador-montura puede dar mucho juego ahora que la tecnología actual es capaz de mover en escenarios inmensos. Es hora ya de que los caballos dejen de estar relegados en los videojuegos a su habitual papel de vehículo animado y se conviertan en algo mucho más vivo.

¿Quieres saber quién te tiene no admitido/eliminado en el MSN? Pues no des tu contraseña a desconocidos

2008-02-08T23:24:00.000+01:00

En realidad, aquí debería ir otro artículo, pero creo que por la ocasión merece hablar de esto:

¿Quieres saber quién te tiene no admitido/eliminado en el MSN? Pues no des tu contraseña a desconocidos

Parece mentira que después de tanto tiempo (¡años ya!) del invento de este fraude todavía haya gente que siga cayendo en él. Es muy simple, y seguro que muchos lo conocéis, simplemente se trata de páginas que ofrecen el servicio de mostrarte quién te tiene como no admitido o te ha eliminado del mésenyer a cambio de que les des tu datos de conexión, es decir, tu usuario y contraseña. Creía que este negocio ya estaba más que muerto, pero hoy mismo un par de contactos míos me han saltado con la típica ventanita que me acceda a una de esas páginas para que me lea el futuro.

Como norma general, dar la contraseña de tu correo a alguien que no pertenezca a tu familia ya es un suicidio tecnológico, y en este caso sería como darle la contraseña de tu tarjeta de crédito a una persona desconocida para que te muestre el dinero que tienes. ¿Quieres saber qué es lo que hacen? La mayoría de páginas, después de mostrarte esa información, se conectan a tu cuenta varias veces al día para molestar a todos tus contactos con spam descarado. Lo que es peor, esto puede colapsar tu cuenta y no sería raro que la perdieras para siempre, o al menos que la conexión sea pésima. Así que ya sabes, no des tu contraseña a ningún sitio web, o atente a las consecuencias.

Pero claro, ¡tú quieres saber quién te tiene como no admitido! Sorpresa: esos sitios, además de ser peligrosos, no funcionan. Microsoft cambió hace tiempo el protocolo para que los servidores de msn no difundieran esta información. Antes sí podías, pero ahora mismo ni siquiera puedes saber el estado de otra persona sin que ella te invite/admite o sin saber la contraseña de la cuenta (sin cambiar la configuración de la cuenta). Sin rebuscar demasiado, algunos sitios fraudulentos que siguen esta práctica serían: blockoo.com, scanmessenger.com, detectando.com, quienteadmite.info, checkmessenger.net, blockstatus, etc… Todos ellos son potenciales phishing, y ninguno funciona más allá de recolectar cuentas de correo.

Disculpad los lectores avanzados que ya habéis dejado atrás este tipo de engaños facilones hace mucho tiempo, pero es que hoy me he vuelto a conectar al messenger por obligación y me he dado cuenta de que las cosas han cambiado muy poquito.

En realidad, este artículo pertenece a Genbeta.com, que actualmente sufre un ataque por denegación de servicio supuestamente llevado a cabo por las empresas denunciadas en dicho artículo. Desconozco si las acusaciones realizadas en el artículo son acertadas o no —y en ningún momento las hago mías— pero me ha llamado la atención cómo la blogosfera ha acudido rápidamente a defender a Genbeta, en una iniciativa que se ha difundido como un auténtico meme.

Y yo también me solidarizo con Genbeta, pues este ataque, lejos de quitarles la razón, ha dado más fuerza que nunca a sus argumentos. No entreguéis vuestras contraseñas de correo o mensajería instantánea a ninguna página web, porque ya veis qué clase de gente se puede esconder detrás de esos «negocios».

Información en más detalle en Simfoony.

70 entradas

2008-01-14T15:30:00.001+01:00

Dos años cumple hoy este blog, y es hora de mirarse un poco el ombligo. Curiosamente, el año pasado escribí 34 artículos, el mismo número que en 2006. De verdad, no ha sido para nada intencionado. De hecho, mi objetivo era aumentar el número de entradas, pero al final, me he quedado a las puertas.

En este segundo año tampoco se ha batido el récord de comentarios en un artículo, que ahora mismo ostenta el artículo de ¿Y por qué no juegos de mesa?. Esto, señoras y señores, es principalmente culpa de ustedes, así que les exhorto a poner remedio a esta indignante situación de manera fulgurante :D. Fuera bromas, me gustaría que la gente que lee el blog participase más, pero en fin, qué se le va a hacer.

En cuanto a los artículos que más me han gustado, me quedo con «Los manuales deberían desaparecer», aunque no debo olvidar Reflexiones sobre ser un DJ, que me deparó una sorpresilla totalmente inesperada. 23 de abril es, creo yo, el peor artículo del año pasado; es lo que ocurre con los blogs, al igual que sus autores a veces sufren "desviaciones" (llamémoslas así). Por fortuna, estas "desviaciones" no son frecuentes ni permanentes... ¿o sí?

Para terminar, hablaré de «Diseccionando...». «Diseccionando...» pretendía ser una serie de artículos en los que analizaba un videojuego un poco desde el punto de vista del diseño. Pero resulta difícil hablar de una "serie de artículos" cuando sólo hay un artículo en dicha serie. Tengo pensado solucionar esto a corto o medio plazo, pero estoy considerando algunas posibilidades fuera incluso de este blog. Permanezcan sintonizados.

Despidamos esta entrada con un sonoro

¡Feliz cumpleaños, Garthofismos!

EDITO: Ni en el cumpleaños del blog me libro de cometer errores. Corregido uno de los enlaces, gracias por el aviso.

¿Nintendo casual?

2008-01-09T15:02:00.000+01:00

2007 ha sido el año de los juegos casual. De repente, la industria ha encontrado un filón y quien más y quien menos se ha apresurado a explotarlo. Por casual, se entiende a ese jugador ocasional, que juega de vez en cuando a juegos sencillos y sin más pretensiones que pasar el rato.

Los juegos casual llevan, en realidad, mucho tiempo con nosotros, pero el año pasado ha habido como una explosión, como si de repente la industria se despertase después de que todo un océano azul le pasase, cual tsunami, totalmente por encima. La cosa había empezado hace dos años, cuando los sismógrafos ya registraban los primeros temblores, aunque sólo unos pocos supieron interpretar sus lecturas. Cuando la enorme onda, con una inquietante forma de W mayúscula, se empezó a avistar en el horizonte, ya era demasiado tarde para recoger los bártulos y correr.

Por supuesto, hablo de Wii, que desde las pasadas navidades habita en el salón de mi casa, proporcionando esparcimiento a los que nos atrevemos a agitar el mando con gesto victorioso (aunque la victoria en realidad no es mía, sino de Nintendo; yo sigo siendo seguero :P).

Si Nintendo tiene colgado el sambenito de infantil, la Wii ha sido tildada de consola casual. No es ningún secreto que la estrategia de Nintendo ha consistido en ir directamente a por el mercado de los jugadores ocasionales, o de los nuevos jugadores que huían asustados de los mandos con más de tres botones. Los principales estudios de desarrollo se encuentran ahora en una difícil tesitura, después de ser arrollados por la gran ola viajan un poco a la deriva: por un lado, sorprendidos por el éxito de Wii, se han lanzado a producir juegos-juguete para alimentar ese mercado potencial; por otro lado, molestos porque los desarrollos para PS3 o Xbox360 difícilmente pueden ser portados a la consola de Nintendo (muy inferior en potencia y completamente diferente en su filosofía). Wii requiere equipos de desarrollo propios y especializados —por cierto, esto en un principio se aleja de la idea de desarrollo barato que vendía Nintendo cuando presentó su consola.

¿Se ha convertido Nintendo en una desarrolladora casual? Bueno, a primera vista, sí. Pero no debemos dejarnos engañar por las apariencias. Wii se vende en Europa y EEUU junto con el Wii Sports, que sirve de carta de presentación de la consola. Wii Sports está considerado como juego casual, pero hay más chicha en él de la que muchos se han parado a mirar.

Porque Wii Sports no es casual. En primer lugar, es un videojuego, no un juguete, aunque carezca prácticamente de un fondo narrativo o no esté a la última en gráficos. Por favor, no intentemos rebajarnos de categoría, o acabaremos pensando que los V-I-D-E-O-J-U-E-G-O-S (con todas sus letras) no pueden llegar a ser un mercado masivo. Y en segundo lugar, yo no lo considero un juego casual, si no accesible.

¿Qué entiendo yo por juego accesible? Pues un juego al que puede jugar todo el mundo. Prácticamente cualquiera puede coger un mando de la Wii y ponerse a dar bandazos con él simulando que golpeas una pelota de tenis. No importa si se ha jugado antes o no, bastan un par de minutos y uno ya se defiende. Y lo mejor, se lo pasa bien.

Pero Wii Sports es algo más que eso. A poco que rascas en su superficie, empiezas a descubrir un juego muy interesante. Me centraré en el tenis (uno de los cinco deportes incluidos en el juego), ya que es el que más me gusta y al que, por ende, más he jugado.

¿Sabíais que se puede dirigir la pelota? Sí, se puede. Un jugador novato será incapaz de hacerlo (salvo que haya nacido con algún don especial): intentará cerrar más el golpe con el objetivo de cruzar la bola y observará cómo ésta traza inevitablemente una trayectoria paralela. Algunas veces le dará tarde a la bola, y como consecuencia está se saldrá fuera. Otras, golpeará demasiado pronto, y entonces sí, un cruzado como la copa de un pino que caerá invariablemente detrás de la línea.

Cuando se juega por primera vez, no se tiene ningún dominio sobre la dirección de la bola. A veces sale hacia un lado, a veces hacia el otro. Por tanto, podría afirmarse que no importa cómo lo haga el jugador, la bola saldrá hacia un lado o hacia el otro de forma aleatoria. Aparentemente Wii Sports rompe de manera flagrante una de las principales normas de diseño de juegos: cada acción tiene un resultado perceptible y esperable.

Pero para un jugador primerizo sin más ambición que pasar un buen rato Wii Sports no consiste en dirigir la pelota hacia algún lado, consiste sencilla en golpearla y esperar que caiga en el otro campo. Y esto ocurrirá prácticamente siempre que el jugador golpee la pelota. A este nivel de juego nuestra norma sigue en pie: la acción es golpear la pelota (sin preocuparse de más detalles) y el resultado perceptible y esperable es que la pelota pase por encima de la red y bote en el otro campo.

Si el jugador sigue practicando, poco a poco se dará cuenta de que no influye tanto el gesto que realice con mando (como ocurre en el tenis de verdad) sino lo que tarda en realizarlo. Entramos aquí en un nuevo nivel de juego, ya no tenemos una única acción (golpear la pelota) sino tres: golpear la pelota antes de que nos sobrepase, cuando esté a nuestra altura o después de que nos sobrepase. Y para cada acción, su correspondiente reacción: enviar la pelota en la misma dirección que nos ha llegado, trazar una paralela o cambiar la dirección de la bola. De hecho, he simplificado el problema, porque desde que la pelota está lo suficientemente cerca para que la podamos golpear hasta que se vuelve inalcanzable existe un amplio rango de posiciones que determinarán diferentes ángulos de salida de la bola, más cerrados o más abiertos.

Dominar la técnica para mandar la pelota adonde uno quiere forma parte de la gracia de este juego y marca la diferencia entre la gente que se lo ha tomado en serio de la que no. Pero la profundidad de Wii Sports no se detiene aquí. El juego avanzado de tenis exige aprender a sacar rápido, dar efectos a la bola y controlar el juego en la red. Sí, Wii Sports es lo suficientemente rico para que hasta los más avezados jugadores puedan exprimirle jugo (si la pintoresca estética de los Miis no les echa para atrás). Digámoslo así, con Wii Sports también puedes ser hardcore.

Realmente, he quedado sorprendido por la profundidad de este juego. Y sólo he hablado de la parte de tenis, uno de los cinco deportes incluidos (el golf promete mucho, también). Por todo ello, me resulta difícil encuadrar Wii Sports dentro del género casual, si entendemos como tal a juegos sencillos y sin demasiadas pretensiones.

No se puede decir que Nintendo se dedique ahora exclusivamente a hacer juegos casual, cuando hace poco que Super Mario Galaxy forma parte del catálogo de Wii y Zelda Twilight Princess fue uno de los títulos estrella a la salida de la consola. Si tomamos Wii Sports como una declaración de las intenciones de Nintendo con Wii, entonces el camino tomado me parece bastante acertado: juegos accesibles y a la vez profundos en su jugabilidad.

EDITO: Agrego un enlace que explica en qué consiste la estrategia de océano azul, para quien no coja todo el sentido del segundo párrafo.

Mi reencuentro con el cómic

2007-12-15T23:30:00.000+01:00

No es que lo tuviese abandonado completamente, de hecho, solía ir a las ferias que se celebraban en Coruña siempre que podía; es más bien que quizás no le estaba haciendo todo el caso que se merecía.

Una de mis principales razones para denostar un poco al cómic era que es muy caro para después acabar leyéndolo en pocos minutos. Lo que olvidaba es que no importa tanto el tiempo que lleve leer un cómic como lo profundo que pueda llegar a ser.

Ese buen sabor de boca que te queda cuando has leído una buena novela, esa sensación de haber aprendido durante el camino y de ser ahora mejor persona, todo eso, también es posible leyendo un cómic. Y tengo que agradecer aquí al podcast del Amuleto de Yendor, sin los cuyos autores dudo que jamás me hubiese animado a leer Watchmen.

Watchmen está considerada como la obra cumbre del cómic. Aunque prefiero dejar esta apreciación al arbitrio de los expertos, lo que sí es casi indiscutible es que, estés o no de acuerdo con las ideas que transmite el libro, Watchmen es sencillamente grande.

Recomiendo escuchar el capítulo del podcast de Yendor en el que comentan el libro, pues si han sabido transmitirme tan bien las bondades de la obra de Alan Moore, de tal manera que al terminar el capítulo ya estaba planificando dónde podía hacerme con un ejemplar de Watchmen, es probable que a vosotros también os guste y os anime a leerla (quién sabe).

Mi renovado interés por el cómic me ha conducido finalmente a investigar un poco los secretos de esta forma de arte. Y hete aquí que buscando libros sobre el tema, me recomendaron la lectura de Entender el cómic: el arte invisible —«te abre los ojos», me dijeron—. Y bueno, ciertamente, el libro es todo un viaje de descubrimiento.

Quedará para la posteridad el mérito de Scott McCloud de crear un completo ensayo sobre el cómic utilizando para ello el propio medio, el cómic. Todo un acto de dignificación del n-ésimo arte. Y aunque Scott parece perdido en algunos capítulos a la hora de dar sentido a algunos aspectos de la historieta (como el uso del tiempo como herramienta narrativa), otros son verdaderamente reveladores.

Pues quedan ahí dos libros recomendados para todos aquellos que quieran darle una nueva oportunidad al tebeo. Ahora que las Navidades están casi encima, podéis aprovechar y pedirlos a los Reyes :P

Edge nº17, nº18 y NGamer

2007-11-17T10:51:00.000+01:00

Sí, lo sé, me he retrasado y mucho. En fin, a continuación algunos breves comentarios sobre los números de agosto y septiembre de la edición española de Edge. Como extra, le echo un vistazo al primer número de NGamer, que salió en España el mes pasado.

De nuevo, un shooter vuelve a ser protagonista de una portada de Edge. Todo un síntoma de un género en alza desde que empezó la actual generación de consolas. Pero no es Halo todo lo que reluce, y la revista dedica sus primeras páginas al último E3, la antaño feria por excelencia del videojuego, hoy venida a menos.

Si tenemos en cuenta que las novedades más importantes en cuanto a hardware fueron el Scene-it de Microsoft —aunque el calificativo de novedad a unos mandos que son una copia evidente de los de Buzz! le queda demasiado grande— y la báscula Wii Balance Board, lo último de Nintendo para ponernos en forma, podemos entender que ante tal panorama más de un hardcore estuviera tirándose de los pelos.

En cuanto a títulos futuribles, Little Big Planet sigue llamando la atención allá donde va, Pixeljunk Racers muestra un aspecto más que prometedor, Echochrome rompe cualquier norma preconcebida sobre el espacio 3D, habrá un Civilization en cada consola y Wii contará con su correspondiente Mario Kart (con su propio volante-accesorio incluído).

Sobre los reportajes de este número, sé que el de Halo adquiere especial relevancia debido a la salida cercana (por aquel entonces) tercera entrega de la saga, pero yo me he fijado más en el reportaje dedicado al machimina. Como parte de la cultura de los videojuegos, el machimina es en sí una forma de arte accesible a cualquiera con un poco de inspiración y mucha paciencia (a diferencia de la animación tradicional, que exige un mayor grado de trabajo y conocimientos).

Pasemos rápidamente al número 18, con una portada fantástica dedicada a Super Mario Galaxy. Fantástica, como casi siempre, la de la edición inglesa, porque la publicada en España está excesivamente sobrecargada, con letras arriba, abajo y a ambos lados del bigotudo saltarín.

Por lo demás, el número de septiembre no ha sido especialmente salientable, a excepción de los reportajes de las páginas interiores. El dedicado a la última aventura de Mario no lo he leído; ya sé lo suficiente para tenerlo en el punto de mira —¿cuándo podré tener una Wii?— y no necesito saber más.

A toda pastilla hace un repaso de las speedruns, es decir, vídeos en los que se termina un juego en el menor tiempo posible. La página web Speed Demos Archive reúne las mejores, y es un sitio que recomiendo visitar al que tenga algo de tiempo. Personalmente, soy partidario de las speedruns que no utilizan ninguna herramienta externa para acceder a bugs o realizar acciones que serían imposibles de otra manera. Por otra parte, me resulta curioso que la mayor parte de speedruns pertenezcan a juegos bastante antiguos.

Para terminar de hablar de Edge, David Doak ha pasado ha formar parte de la plantilla de columnistas de la revista, en sustitución de Tim Guest. No me ha gustado nada su artículo, pero le daré una nueva oportunidad este mes. Jeff Minter sigue aprovechando su espacio para hablar (una vez más) de su juego. Menos mal que aún nos queda Mr Biffo.

Ahora voy a hablar un poco de NGamer, la nueva revista «independiente» centrada en Nintendo. El panorama kiosquero de revistas de videojuegos necesitaba desesperadamente una revista que satisficiera a los nintenderos más convencidos, algo que estuviese por encima de la infantil Nintendo Acción (¿o Pokémon Acción?). Para ellos, NGamer está hecha a la medida, lo más nintendero que te puedas echar a la cabeza sin perder la dignidad.

La revista plantea un diseño juvenil, salpicado de fotos de gran tamaño y muy poco texto. Está claro que no está orientada al mismo público objetivo que Edge, a pesar de ser las dos de la misma editorial. Los análisis están firmados y las notas van de 0 a 100, con apartados específicos para gráficos, sonido, jugabilidad e innovación.

A destacar el artículo Nintendo te saca los colores, que realiza una pequeña crítica al estado actual de la industria del videojuego. Me gustó tanto uno de los comentarios que lo colgaré aquí, aunque tenga que abusar un poco de mi derecho a cita (espero que no me demanden):

«[...] el juego tipo en el año 2007 es tan simplón, marrón y aburrido a la vista porque la industria, no lo olvidemos, se encuentra todavía en su infancia. Como un adolescente protestón, es muy presumida y arruga la nariz ante cualquier cosa que se parezca de lejos a "cosas de niños" porque está preocupada por cómo la verán los niños mayores.»

NGamer tiene la virtud de dedicar al menos un par de páginas en exclusiva al resto de la industria (a aquello que no es Nintendo). No es mucho, pero es un detalle que se agradece. Con todo, el análisis en este número me ha parecido lo más acertado y objetivo de toda la revista, lejos del espíritu «guay» presente en el resto de sus páginas —afortunadamente para los sufridos aficionados a la gran N, no es el espíritu «chuli» de Nintendo Acción.

Y bueno, poco más que contar de NGamer. Dudo que vuelva a comprar otro número (salvo en algún caso puntual) pero creo que esta revista podría tener éxito entre todos los jóvenes nintenderos desencantados con las publicaciones dedicadas a la compañía japonesa que salían hasta la fecha en nuestro país, y triunfar allí donde Edge ha fracasado.

Por último, no debo olvidar el detalle de que Globus va a sacar un especial llamado Los 100 mejores videojuegos. A la espera quedo de más noticias sobre este especial de casi 9 €, que imagino que estará aquí para Navidad.

~ Addendum ~

Para los que me leéis por el feed, he cambiado el diseño del blog. He escogido una plantilla sencilla y limpia que se adapta al tamaño de la pantalla, con todo lo bueno y malo que eso implica. No es verde (mi color favorito), pero no está mal. Si tenéis algún comentario al respecto, no dudéis en ponerlo :)

Tres batallas por la libertad

2007-10-26T14:40:00.001+02:00

Richard Stallman, controvertido padre del proyecto GNU, dijo una vez en una charla a la que tuve el placer de asistir en Coruña hace unos años que la libertad era algo por lo que había que luchar todos los días. Si dejamos de luchar por ella, si no nos mantenemos despiertos ante cualquier ataque, acabaremos perdiéndola.

Hemos conseguido mucho en los últimos años. Para empezar, tenemos una carta de Derechos Humanos, lo que quizás sea uno de los pasos más grandes que haya dado nuestra civilización desde la invención de la imprenta. Ahora sólo falta que todos los países del mundo la reconozcan y la hagan suya también; pero ya en cuanto a derechos y libertades se refiere, el mundo vive uno de los momentos más brillantes de su historia. Eso sí, han hecho falta años de esclavitud, dos guerras mundiales y mucha sangre derramada para estar donde estamos ahora.

Comparado con las grandes batallas del pasado, las luchas que a continuación voy a enumerar parecen asuntos baladíes. Pero como he dicho antes, debemos seguir vigilantes ante cualquier ataque que pueda menoscabar nuestra libertad, y en la era digital, donde Internet se está convirtiendo en una pieza clave del mundo que conocemos, todavía más. Estos son, a mi juicio, los tres frentes de batalla:

Privacidad. La privacidad es un tesoro cada día más difícil de guardar. Mantener la privacidad en la red es casi imposible, lo cual no sería un problema si Internet no fuese ya una parte muy importante de nuestras vidas. Si paso casi la mitad del día conectado a Internet, si lo que hago, digo, pienso o visito está a disposición de cualquier empresa con intereses oscuros, qué quedará entonces de mí al final. Necesito tener un terreno privado en el que refugiarme de vez en cuando de todo el ruido que hay ahí fuera, algo íntimo y personal. Si eres de esos a los que no les importa vivir en público, de los que dicen «a mí me da igual porque yo nunca hago nada malo», párate a pensar por un momento: ¿quién decide lo que está bien y lo que está mal?

Neutralidad de la red. O lo que es lo mismo, una Internet de todos y para todos. Los ataques hacia la neutralidad de la red han estado muy en boga estas últimas semanas. Debemos que impedir que Internet se convierta en la señal de televisión del siglo XXI, donde la única oferta que tienes es la que te proporcionan los proveedores de servicios. El fotomontaje aparecido en Boing Boing (vía Microsiervos) es revelador. Hoy en día puedes montar un servidor en Internet y colgar el contenido que quieras (respetando las ley, claro), y ganarte un grupo de usuarios que te visiten, pero, ¿qué pasaría si los proveedores de acceso decidieran a qué contenido deben tener acceso sus clientes?

Software libre. «El sofware libre es mejor porque es libre», y ya está, no hay más que discutir. El software cerrado impone un control oscuro sobre el ordenador: no sabes lo que hace, ni cómo lo hace, ni por qué lo hace. No tiene mucho sentido que las administraciones públicas, que manejan miles de datos privados y sensibles, utilicen software privativo para su gestión. ¿Están tus datos, almacenados en ordenadores Windows, en buenas manos?

Hay muchas más batallas por la libertad a lo largo y ancho del mundo. Sólo de nosotros depende seguir siendo libres. La lucha continúa.

EDITO: Se me olvidó poner un enlace.
EDITO: Limpieza del blog. Eliminada foto inexistente.

Reflexiones sobre ser un DJ

2007-10-22T22:27:00.000+02:00

Desde su posición privilegiada, el DJ contempla, absorto, lo estúpidos que pueden llegar a ser sus jugadores. «Pero es que es tan obvio lo que hay que hacer... ¡Mis jugadores son tontos! Siempre se atascan en chorradas...», piensa con desesperación. Por fuera, el DJ mantiene un semblante tranquilo y sereno. Sabe que no puede mostrar ningún signo de debilidad, porque de hacerlo, los jugadores se lo comerían vivo.

A fin de cuentas, él es el DJ, la persona más poderosa de la partida. En él comienza y acaba todo, es él quien maneja los hilos de un complejo mundo que ha creado durante largas horas de trabajo. Ha construido una epopeya sin parangón para goce y disfrute de sus jugadores. No se trata sólo de pasarlo bien, es su mundo, es su historia, y ¡caray!, merece un respeto. Sin embargo, parece que los taimados jugadores sólo conspiran contra él. En su interior, el DJ, lejos de regocijarse, se llena de ira: «¡Mentecatos!», nunca había utilizado esa palabra, pero su condición de DJ obliga, «¡lleváis media hora en la misma habitación! ¡Empujad la estúpida piedra de una vez!»

Crear un mundo de fantasía es una tarea que tiene mucho mérito. Pero desgraciadamente para un DJ, es sólo la mitad del trabajo. Lo que cuenta al final, es la partida. La hora de la verdad para un DJ llega cuando los jugadores se sientan alrededor de la mesa dispuestos a interpretar su papel en dicho mundo. Es entonces cuando el mundo comienza a existir de verdad, en la mente de todos los jugadores, dentro del maravilloso círculo mágico del juego de rol. Todos los jugadores, y el DJ en parte es un jugador más, recogen el fruto de muchas horas de preparación. Como en todos los juegos, un trabajo bien hecho proporcionará alegría y regocijo a todos los participantes. Por otra parte, un juego mal planteado será aburrido, o peor, frustrante.

No, no soy un DJ experimentado ni he jugado mucho a juegos de rol. Pero desde mi interés hacia el diseño de juegos me apetecía dar una serie de consejos tanto a DJs como a jugadores. Si son acertados o no, mejor que los juzguéis vosotros mismos. Si algún DJ de verdad quiere discutirlos, estaré encantado de escucharlo y aprender. Los comentarios están a disposición de todo aquel que quiera enriquecer este artículo. En fin, tras este pequeño disclaimer, empecemos.

¿Hay alguna regla de oro que dé lugar a una buena partida de rol? Pues no lo sé, pero yo creo que ésta podría ser una buena candidata: El DJ juega con los jugadores. Los jugadores no juegan contra el DJ. Es responsabilidad del DJ crear una experiencia divertida. Jugar al rol va de eso, de jugar. Y jugar consiste en pasarlo bien, a fin de cuentas. El DJ tiene la misión más importante de todas (y la más difícil), que los jugadores se lo pasen bien. Por eso, el DJ se sirve de muchas herramientas: las reglas, los mapas, las figuras, los dados, la historia y el mundo que ha creado. El DJ dirige el juego, no dirige a los jugadores. Los jugadores caminan por un mundo desconocido esperando lo mejor del DJ. Éste crea obstáculos difíciles pero no insalvables, que sean a la vez desafiantes y divertidos.

Creo que, para un DJ, es un mal planteamiento partir de una historia. Cuando eres DJ y creas un mundo o una campaña, es tentador imaginarse una epopeya que los jugadores deberán seguir. Pero a la larga, el resultado es una experiencia de juego excesivamente dirigida, en la que los jugadores no tienen más opciones que seguir la ruta del DJ. Por el contrario, la labor del DJ es crear un mundo abierto y lleno de posibilidades, con un rico trasfondo. El DJ puede permitirse esbozar ligeramente una historia que pudiera hacer de hilo conductor, pero antes debe esperar a ver cómo se comportan los jugadores. Si estos no tiran del hilo, el DJ deberá reinventarse a sí mismo e imaginar nuevos retos y desafíos distintos a los que había planificado. En fin, ¡espera lo inesperado!

Cuando la partida está en marcha, los jugadores viajan por un mundo imaginario que está vivo y funcionando. Los jugadores son el elemento disruptor de dicho mundo, esperan serlo. Quizás, la mejor manera de verlo es la siguiente: los jugadores se mueven activando diferentes eventos que el DJ tiene preparado en su mundo. Tras cada evento, los jugadores habrán cambiado el mundo de una manera perceptible. No se trata sólo de ganar puntos de experiencia, se trata de mostrar a los jugadores que sus acciones tienen una consecuencia visible acorde a lo que han hecho. Esto es, si han salvado a un pueblo de un malvado troll, cuando vuelvan serán recibidos como héroes. En cambio, si han robado en casa de un importante noble, entonces habrá carteles de «se busca» con sus caras a lo largo de todo el condado.

Al acabar la partida, los jugadores se van a sus casas, y el DJ se queda solo. Su trabajo aún no ha terminado, repasará sus notas, estudiará qué es lo que han hecho los jugadores y preparará nuevos eventos para la partida siguiente, siguiendo el camino que han seguido los jugadores por su mundo. Es aquí, y no antes, donde se forjan las grandes historias de una campaña de rol. Puede que el troll que hicieron huir vuelva unos días más tarde con sus compañeros a cobrarse su venganza. O puede que la joya robada esconda una poderosa magia primigenia que había permanecido dormida durante eones...

Tenemos un buen mundo, tenemos un buen DJ. ¿Qué puede fallar? Los jugadores. Una buena partida de rol es también responsabilidad de los jugadores. Éstos deben reconocer el mérito del DJ al construir una fantasía épica para ellos, integrando sus personajes como buenamente puedan dentro del mundo. Rol es interpretación, así que los jugadores deben saber interpretar a sus personajes. No se trata de ser teatrales, se trata de actuar tal como lo harían sus personajes, con la información que deberían conocer sus personajes. De esta forma, los jugadores podrán jugar sin tener que dejar la mesa de juego cada vez que sus personajes se separen, y la experiencia de juego se vuelve más completa.

Por último, jugar a rol es llegar a un acuerdo tácito entre todos los jugadores, incluyendo el DJ. Por tanto, deben respetarse las reglas y la ética de juego debe regir el comportamiento de los jugadores, tanto dentro como fuera del círculo mágico. La relación DJ-jugadores es especial. No se trata de una relación de vasallaje, si no de una relación de respeto. El DJ actúa como director y árbitro, y sus decisiones deben ser respetadas. Esto tiene sus contrapartidas: el poder del DJ es grande, y con ello, su responsabilidad todavía lo es más.

Se pueden dar más consejos, pero creo que la base anda más o menos por aquí. Ser DJ no es una tarea fácil, exige mucho esfuerzo, paciencia y una gran capacidad de improvisación. Pero cuando has sido DJ y ves a tus jugadores recordando con cariño una partida de rol que les preparaste hace años, es entonces cuando sientes que todo el trabajo ha valido la pena. Y eso es bonito :)

EDITO: Cambios menores.
EDITO: Faltaba un artículo en el séptimo párrafo.

«Los manuales deberían desaparecer»

2007-09-21T14:17:00.000+02:00

No lo digo yo, lo dice DonDepre, a quien he pillado en el foro de AnaitGames con este discurso:

Los manuales deberían desaparecer. Es algo obsoleto que heredamos de cuando los juegos no tenían cosas como tutoriales o controles y ayudas contextuales. Desde la época de la PSX, si necesitas mirar un trozo de papel para saber como funciona algo, es que tienes un problema de diseño.

Me encanta leer manuales. Ya desde muy pequeño disfrutaba ojeando cada página de casi todo manual que se me ponía por delante. Mis padres, conocedores de mi talento, supieron pronto sacar partido: cada vez que llegaba un nuevo electrodoméstico a mi casa, yo era el encargado de leer el manual y después explicarles el funcionamiento del aparato. Aunque al principio estaba entusiasmado, crecí y acabé dándome cuenta de este pequeño abuso.

Vaya todo esto por delante. Adoro los manuales de videojuegos. No me refiero a los panfletos o trípticos que de vez en cuando que nos cuelan en algunos juegos de PS2. En mi opinión, cuanto más gordo sea un manual, mejor. Y si viene en un solo idioma, mejor que mejor. Disfruto de los manuales que contienen capturas de pantalla a color, mapas, artworks, explicaciones largas y detalladas e historias que no se cuentan durante el juego. A veces miro hasta el capítulo dedicado a cómo se enciende y apaga la consola y, si me sobra tiempo, leo incluso el aviso para epilépticos.

Por eso, la afirmación de DonDepre, en parte, me dolió. Así que me dispuse a rebatirla con todo el ahínco que me fuese posible. Jamás DonDepre volvería a osar pronunciar algo similar después de escuchar mis razonados y bien argumentados argumentos. Pero, a pesar de lo banal que pueda parecer la apreciación y el criterio del miembro de Anait, no tiene fallo.

Si nos referimos únicamente al juego en sí, a los unos y ceros que circulan por los circuitos de silicio de un ordenador, DonDepre tiene razón: un juego debe ser autoexplicativo. Los videojuegos disponen de muchas herramientas para crear una experiencia de entretenimiento sólida y autocontenida —muchas más, desde luego, de las que dispone una tostadora.

Ahí están los tutoriales como primera tentativa, aunque con bastante polémica entre jugadores y diseñadores. También tenemos los tooltips o ayudas en pantalla, mensajes sobreimpresionados que te dicen que debes pulsar arriba para caminar. Y si aún así permaneces demasiado tiempo parado, entonces serán los propios personajes del juego quienes te indicarán que para moverte debes empujar el stick analógico hacia arriba (a esto le llaman romper la cuarta pared, por cierto).

Pero los mejores diseños son los que se abren en abanico: empiezan por darte unas pocas opciones que gradualmente van aumentando conforme se desarrolla la partida. Como glorioso ejemplo (del que ya había hablado anteriormente), Civilization IV, aunque hacia mitad de la partida la cantidad de opciones es tan brutal que los diseñadores han dispuesto convenientemente mecanismos de automatización (para solaz de los "sufridos" jugadores).

DonDepre, pues, está en lo correcto, pero quizás olvida que el videojuego es un producto. Como tal, gran parte de la experiencia que proporciona está en el propio juego (en los unos y los ceros), pero no se limita sólo a eso; también se encuentra en el manual, en el estuche e incluso en la serigrafía del disco.

Y vuelvo a recurrir a Civilization IV, pues pese a ser un juego tan bien pensado a la hora de definir su curva de aprendizaje e, incluso, a pesar de contener en sí mismo la Civilizopedia —un completísimo manual de referencia al que se puede acceder en cualquier momento del juego—; como digo, a pesar de todo eso, la caja contiene un manual generoso y bastante detallado en español, cuyo único defecto (aunque perdonable) es que está en blanco y negro. Este manual merece además una mención especial, pues contiene al final una suerte de postmortem resumido, cortesía de Soren Johnson. Una perla que no todos saben apreciar, pero ojalá todos los manuales tuviesen algo parecido.

En conclusión, si para disfrutar de una característica del juego necesitas el manual, es señal de que el diseño del juego no se ha hecho todo lo bien que se debería. Como experiencia de producto completo, los manuales son una parte importante. Y hay más gente que, como yo, valora muy positivamente esa parte. Probablemente, DonDepre esté en su fuero interno de acuerdo conmigo, y por eso termina su discurso con altas dosis de ironía:

Además... ¿nadie piensa en los piratas?

Conferencia: Radeon HD 2900 y generación de geometría

2007-09-15T23:29:00.000+02:00

Esta semana tuve la oportunidad de asistir a una pequeña charla impartida por Michael Dogget, ingeniero de ATi, acerca del diseño de la tarjeta gráfica Radeon HD 2900 y la generación de geometría 3D, cortesía del Departamento de Electrónica y Computación de la Universidad de Santiago de Compostela.

Michael inició su charla con una breve introducción al mundo 3D, tan breve que como no tuvieses algún conocimiento previo quedabas como estabas. Nos explicó que las tarjetas gráficas estaban centradas en renderizar triángulos. Que cada triángulo está definido por tres vértices y en cada vértice, aparte de sus coordenadas, se almacenan datos como el color de vértice, las coordenadas de textura, el vector normal y otros atributos personalizables.

Definió términos como rasterization (operación de dibujo de cada polígono-triángulo en pantalla) y pixel processing (o procesado de píxeles, que incluyen operaciones de iluminación, texturización y añadir detalles más complejos). Finalmente, terminó la introducción insistiendo en que la texturización es la manera más sencilla de añadir detalles a una escena 3D.

A continuación, venía el tema principal de la charla, la Radeon 2900, que si no entendí mal es la última generación de tarjetas gráficas de ATi. Básicamente, el objetivo de los ingenieros era combinar lo mejor de las GPUs existentes:

De la serie R5xx, es decir, la línea de procesadores gráficos para ordenadores, se tomaron las siguientes características:

Soporte para cientos de hilos.
Vec4+1 vertex y Vec3+1 pixel shaders.
Bus de memoria en anillo (ringbus memory).

De la GPU de la Xbox 360:

Shaders unificados: es decir, un mismo hardware preparado para hacer operaciones de vértices y de píxeles indistintamente.
Caché de nivel 1 unificada.
1 tesellator: creo que esta unidad trabaja con las texturas, pero no sé exactamente qué hace.

Uno de los requisitos que se imponen los ingenieros de ATi es crear chips que sean lo más escalables posibles. De esta manera, pueden crear una amplia familia de procesadores gráficos basados en el mismo diseño y establecer gamas alta, media y baja (cada una con su nicho de mercado). Porque a pesar del exorbitante precio de las tarjetas de gama alta, donde de verdad hace dinero ATi es con la gama media y baja, que compra casi todo el mundo.

A continuación, Michael nos mostró un diseño esquemático del chip de la Radeon 2900, y lo primero que llama la atención (aparte de su extrema complejidad) es la multitud de memorias caché que hay en su interior, cada una especializada en una etapa específica del procesado de imagen 3D.

En la primera etapa de procesado, una serie de procesadores establece la carga de trabajo entre los shaders, decidiendo qué operaciones se van a ejecutar en los hilos de la GPU. La política por defecto favorece en caso de duda las operaciones de píxeles, pero si no entendí mal esto puede cambiarse.

El corazón del procesador contiene 4 unidades SIMD, donde cada una ejecuta una instrucción de tipo VLIW (instrucción de gran tamaño) en paralelo con las demás. Cada unidad descompone la instrucción en instrucciones más pequeñas. A destacar que el hardware está especialmente orientado a operaciones enteras y de tipo MAD (multiplicación y suma). En cuanto a números en coma flotante, me sorprendió saber que no cumplen con la totalidad del estándar IEEE 32.

Las últimas etapas de procesador se encargan de la texturización y filtrado de texturas, aplicación de transparencias y recorte de la escena 3D (es decir, decidir qué triángulos de la escena serán renderizados). Todo el esquema está rodeado por un bus de memoria de doble anillo, con 512 bits de anchura para lectura/escritura. Y en relación a esto, me pareció entender que el encapsulado del chip llevaba dos capas de pines (!!).

La última parte de la charla estaba dedicada a Direct3D 10, la última API de Microsoft para acceder a las funcionalidades 3D. Nos hizo un resumen rápido, del que quizás lo más destacable era el nuevo modelo de memoria unificada así como el soporte a geometry shaders (que aún no termino de entender para qué sirven exactamente, pero parece que permiten cosas tan interesantes como el per-pixel displacement mapping).

Por último, Michael Dogget terminó hablando del futuro de los desarrollos de ATi. Entre las motivaciones de ATi están mejorar la programabilidad y reducir el tamaño mientras se mantiene el rendimiento. También pretenden aumentar la precisión del chip para cálculos en coma flotante (acercándose en lo posible al IEEE) para la computación científica. Este tema interesa a ATi en tanto que la física se está convirtiendo en uno de los caballos de batalla dentro de los videojuegos.

Para terminar, Michael accedió a contestar a unas preguntas. Cómo no, se le preguntó sobre la reciente adquisición de ATi por parte de AMD. La pretensión de ambas compañías es construir una CPU y una GPU en un único chip, lo cual podría suponer un nuevo boom en el mundo de los portátiles.

En un entorno universitario, tampoco podía faltar la pregunta sobre la apertura de los drivers. Aunque ATi es reacia a abrir su hardware para protegerse de problemas con patentes, Michael Dogget cree que de todas maneras es el camino correcto.

NOTA: Corregido error semántico.

No hay twinkie para ti

2007-09-13T23:20:00.000+02:00

El diseño de videojuegos ha avanzado en los últimos años. Siendo una disciplina joven, afortunadamente son cada vez más los estudios y libros que aparecen respecto a este tema. Con todo, aprender diseño de videojuegos es una experiencia bastante autodidacta, en el sentido de que son pocos los cursos que se dedican completamente a su enseñanza (cuando al menos, se dedican en parte).

Para comprobar los avances en diseño, basta con comparar un juego de hace un par de décadas con uno que haya salido hace poco. No se trata sólo de las mejoras sustanciales en cuanto a gráficos y sonido, coherentes con el aumento de velocidad de procesamiento del hardware que irremediablemente va asociado al ocio electrónico-interactivo. Se trata de una evolución en el propio núcleo de la jugabilidad, de las reglas y mecánicas a lo largo del tiempo, que convierten la experiencia de jugar a un videojuego en algo divertido e interesante, lejos de frustante y aborrecible. Los videojuegos de hoy en día son mejores que los de ayer (¿o no?).

Todavía queda mucho camino por recorrer. A pesar de tantos y tantos juegos pensados por tantos y tantos diseñadores, aún persisten algunas malas prácticas, algunos fallos de diseño que, a pesar de su gravedad, son más comunes de lo que deberían. Son como tics nerviosos de diseño, que de vez en cuando aparecen incluso en tu juego favorito. Ernest Addams lleva 8 años recopilándolos en su columna Bad Game Designer, No Twinkie!, ayudado por sus fieles lectores.

Esa columna es una cita anual con los errores más flagrantes que se pueden encontrar incluso en los mejores videojuegos de la actualidad. Algunas de las reseñas que realiza Ernest son bastante acertadas, como las referentes a los puzles excesivamente complejos o absurdos que aparecen en algunas aventuras gráficas o la imposibilidad de poder pausar los juegos en cualquier momento.

Otros artículos hacen referencia a los juegos de aventura/exploración donde los protagonistas son capaces de arrastrar contra toda lógica enormes bloques de piedra a través del escenario, o a los juegos de rol donde los enemigos que el jugador combate en abusivos encuentros aleatorios llevan encima objetos de lo más extravagante en su inventario que ni siquiera usan o cuando los usan, luego no se pueden recoger.

Ernest Addams no se centra sólo en errores de mecánica y también dedica unas palabras a los malos manuales/tutoriales y a los fallos de localización o traducción, que muchas veces no son responsabilidad del diseñador, si no que más bien se suelen deber a dejadez o falta de tiempo. No por ello dejan de ser errores que deberían ser evitados.

Por último, algunos muestran un punto de vista más que discutible. Que no se pueda guardar en cualquier momento es una característica que, diseñada convenientemente en un juego, consigue crear una tensión difícil de reproducir de otro modo. Las explosiones limpias, sin apenas escombros, no son sólo una limitación técnica, es que no merece la pena tampoco programar una explosión realista.

En resumen, una serie de artículos que merecen la pena ser leídos y valorados, aunque sólo sea para pasar un buen rato. Para los que quieran llegar más allá, esta recopilación de antipatrones debería ser útil para aquellos que no quieran tropezar dos veces en la misma piedra. Quedo a la espera de una nueva edición de Bad Game Designer, No Twinkie!

Edge nº 16

2007-09-03T22:55:00.000+02:00

Faith, la heroína de Mirror's Edge protagoniza la portada del número 16 de la revista Edge, correspondiente al pasado mes de agosto. El paralelismo entre este juego y Fracture va más allá de ser el centro de atención de la revista inglesa en estos últimos meses, ambos juegos pretenden llevar el género de los shooters en primera persona más allá. Buenas noticias, pues, para los amantes de los FPS, que ven cómo su género favorito sigue en alza.

¿Y qué tiene Mirror's Edge (título provisional) de innovador? Pues algo que no tienen muchos otros FPS: tiene cuerpo. Concretamente, tiene tu cuerpo. Bueno, el de tu avatar. Si el invento de DICE funciona, podría marcar el fin de la interfaz cámara-con-brazos con la que se han identificado muchos shooters desde los tiempos de Wolfestein. Mirror's Edge utiliza el parkour como centro de su mecánica, y el cuerpo de tu avatar sirve de guía (o interfaz, si quieres) para realizar ágiles acrobacias por las azoteas de una ciudad utópica y, por ello, decadente.

Queda aún mucho camino por recorrer en DICE para que los jugadores puedan experimentar la sensación de llevar a Faith, de ser Faith. Aún así, los miembros del estudio de desarrollo sueco se muestran muy ilusionados en sus declaraciones a lo largo del artículo que Edge les dedica, y espero que esa ilusión se traduzca en algo de verdad revolucionario.

Pasemos ahora a la otra gran baza de este número de Edge: un reportaje sobre Final Fantasy, con entrevista de regalo a Tetsuya Nomura, diseñador de los personajes de varios juegos de Square-Enix desde 1990 (reconoceréis sus diseños por sus extravagantes e imposibles ropajes, sobrecargados de cremalleras y demás abalorios).

Quizás seis páginas sean insuficientes para resumir la historia de toda una saga que empezó su andadura hace 20 años. Buen reportaje, de todas maneras, que no oculta la preocupación de los que crecimos bajo la apagada luz de los reactores de Mako para luego vivir la lucha de un héroe y sus amigos contra una entidad cósmica cuya maldad hacía palidecer a los directivos más rastreros de Shinra Corp. La preocupación, digo, con la que Square-Enix está explotando su franquicia con la próxima llegada de una vorágine de títulos con el sobrenombre Final Fantasy pegado sin ton ni son. Final Fantasy, que otrora era sinónimo de calidad, prestigio, cuidado, mimo y savoir faire, ha perdido, al menos para mí, ese halo de pureza y grandeza que me estremecía cada vez que se anunciaba un título de esta saga ahora denostada.

Afortunadamente, no todo es oscuridad en la compañía nipona. Subarashiki Kono Sekai, o It's a Wonderful World, es un nuevo action RPG para Nintendo DS del que Edge da cuenta en una pequeña preview. Aunque la estética "hip-hopera" y la temática algo macabra no son de mi agrado, este juego ha llamado la atención por sus combates, que se despliegan en las dos pantallas de la portátil mimada de Nintendo, ofreciendo simultáneamente una doble perspectiva que sería casi imposible en otras consolas.

La zona retro de la revista está dedicada a la segunda parte de Space Channel 5, un juego que, por su particular estilo y rareza, parece hecho para mí :D. Sin embargo, siempre me he quedado con las ganas de probar este juego, pero por lo que se comenta en el artículo su distribución en Europa (al menos, la versión para PS2) ha sido algo escasa. ¿Encontraré alguna copia en ebay a un precio razonable?

Para terminar de comentar la revista, y finiquitar esta entrada que ya me queda larga, hago mención especial del artículo dedicado al Sonic perdido: Sonic X-treme. Este fallido proyecto, nacido bajo las discrepancias de Sega América y Sega Japón, es aún objeto de interés para algunos fans del erizo azul (entre ellos, yo mismo :D). Podéis encontrar algunos vídeos del juego en YouTube; si experimentáis durante su visualización algún mareo, no os preocupéis, es completamente normal :P

EDITO: Cambio parcour por parkour, que parece ser la denominación correcta, y enlazo a la Wikipedia.
EDITO: La segunda foto ha recibido un cambio por parte de su dueño/a. Vuelvo a enlazarla.

Viñetas desde o Atlántico 2007

2007-08-20T15:46:00.000+02:00

Un año más he tenido la oportunidad de pasearme por la feria del cómic de La Coruña, que este año ha celebrado su décima edición. De nuevo, parte de los Cantones se han llenado con casetas de diversas y variopintas tiendas de cómics y otros artículos de la esfera más friki.

Una de las novedades de este año es que los organizadores abrieron un blog dedicado a la feria, de manera que podéis encontrar en él información relativa a los autores que visitaron La Coruña y que expusieron sus obras en los diferentes recintos preparados para ello: el kiosko Alfonso, Palexco, etc.

Como curiosidad es la primera vez que veo algo de cosplay en la feria, no fue gran cosa si la comparamos con el Saló del Cómic de Barcelona, pero es señal de que Viñetas desde o Atlántico crece con buen ritmo y es de esperar que en el futuro se convierta un evento de referencia. En comparación con otras ferias del cómic, la coruñesa tiene la virtud de no limitarse a un único recinto cerrado, sino que consigue acercar el cómic a la calle, sobre todo gracias a las estatuas de personajes del cómic colocadas en puntos estratégicos de la ciudad.

En esta ocasión me he hecho con los tres primeros números de Bone, de Jeff Smith, que han sido toda una agradable sorpresa. No me gusta recurrir al tópico de siempre, pero creo que no hay mejor forma de describirlo: Bone es ciertamente un soplo de aire fresco, una aventura entrañable, fantástica y llena de muy buen humor. Además, me encanta la edición que se ha marcado Astiberri, muy cuidada y bellamente coloreada. Lo mejor comprobarlo por vosotros mismos, ya que podéis leer el primer capítulo haciendo clic aquí.

En fin, espero que Astiberri publique pronto el cuarto capítulo de esta saga (en principio, el mes que viene) para poder seguir disfrutando como un niño de la magnífica epopeya de Fone Bone y compañía.

Mundos Digitales 2007 (VI): Desafíos técnicos en Los Increíbles y Ratatouille en Pixar

2007-08-14T10:36:00.000+02:00

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Termino por fin la serie de artículos relacionados con Mundos Digitales 2007, quizás para alivio de mis lectores. Lucas Ives, hasta hace poco director técnico e ingeniero de software de I+D en Pixar, convertido ahora en Global Technology Lead para la próxima producción del famoso estudio de animación, dirigió la última charla del día, centrada en los desafíos técnicos que tuvo que afrontar el equipo de Pixar en Ratatouille (debido a que su estreno se encontraba cerca, no se habló apenas de Los Increíbles, pese al título de la conferencia).

Así, Lucas Ives comenzó a enumerar los diferentes problemas de caracterizar a los protagonistas de Ratatouille: las ratas. En principio, se había optado por utilizar la tecnología Goo, desarrollada por Pixar para Los Increíbles y que permite modelar el comportamiento de volúmenes asociados a un esqueleto, pero debido a su complejidad acabó descartándose a cambio de usar una estrategia de animación similar a la empleada en Cars.

Para la simulación de multitudes, Pixar esta vez optó por recurrir a la tecnología Massive, en lugar de desarrollar una tecnología propia. Massive, que se utilizó con bastante éxito en el Señor de los Anillos, es capaz de simular el comportamiento de miles de agentes autónomos que son capaces de ver y sentir su entorno y otros agentes que les rodean.

Otro de los grandes retos de Ratatouille fue el desarrollo de una cocina creíble. Se trataba de modelar fluídos y semisólidos que no sólo se comportasen realísticamente, sino que también fueran dirigibles (que se comportaran como los animadores decidiesen). El resultado ha sido, en mi opinión, bastante bueno.

Podría seguir hablando de los retos para animar el pelo o algún detalle de iluminación, pero creo que todos estos problemas palidecen con el que fue el mayor de todos los retos: un cambio de director a mitad de desarrollo de la película, que supuso un cambio de orientación casi completo sobre todo el proyecto. Que Ratatouille haya salido al final adelante es una buena muestra de la determinación que pone la gente de Pixar en cada uno de sus proyectos, algo digno de elogio.

Mundos Digitales 2007 (V): Creación de un corto con un pequeño equipo

2007-08-07T11:36:00.000+02:00

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La siguiente conferencia a la de Omar Khudari vino a cargo de Jaime Maestro, director creativo de Keytoon Animation Studio, empresa valenciana de animación digital. Jaime se centró en el proceso de creación del corto musical y humorístico The Grandfather of Soul, que podéis ver aquí.

Jaime Maestro no tuvo reparos en explicarnos cada una de las fases del proceso de producción, con la idea de demostrar que es posible conseguir resultados de calidad más que aceptable en poco tiempo (2 meses) y con un equipo reducido, siempre que se lleve a cabo una buena planificación.

Lo sorprendente es que ya prácticamente desde el principio consiguieron definir la forma final del corto, de manera que el proceso de producción consistió en ir poco a poco completando cada escena hasta alcanzar el resultado final. Como la edición del corto prácticamente se realizaba durante todo el proceso de desarrollo, era fácil visualizar qué parte del proyecto estaba ya terminada. A modo ilustrativo, Jaime nos mostró un vídeo editado a mitad del proyecto en el que se veía como cada escena del corto estaba en una fase diferente de producción: había escenas que aún eran storyboard, otras estaban animadas y algunas estaban ya iluminadas y casi terminadas.

En cuanto a la parte técnica del proyecto, Jaime Maestro comentó algunos aspectos que fueron claves en la producción del corto. Por ejemplo, el rigging (es decir, la asignación de vértices del modelo a huesos) del protagonista se llevó a cabo en dos partes: una para la cabeza y otra para el resto del cuerpo. Además, Keytoon desarrolló nuevas herramientas que permitían ahorrar trabajo a los animadores.

El modelado de los personajes se comenzó primero en baja resolución y tomando siempre el escenario del corto como una referencia externa. La iluminación y el render fue un proceso que se llevó a cabo tras muchos tests de colorimetría, que se realizaban mediante minúsculos renders desenfocados para estudiar la predominancia de los colores en escena. El render final se realizó en diversas capas, de manera que era posible asignar un motor distinto adecuado a cada capa.

Jaime Maestro dio bastantes consejos durante la charla para todos aquellos que se animasen a realizar su propio corto. En general, una charla bastante interesante en la que tuve la oportunidad de aprender algunos conceptos sobre la animación digital: el layout o storyboard en 3D que sirve de partida a los animadores, el point caché o versión del modelo sin huesos para el iluminador, etc.

EDITO: Corrijo el título de la entrada.

Mundos Digitales 2007 (IV): The Act

2007-08-06T10:26:00.000+02:00

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Omar Khudari, CEO y fundador de Cecropia, dio la que sin duda fue la charla más divertida de todo el día, centrada en The Act, del que hablaré a continuación.

La conferencia arrancó, tras unos pequeños problemas técnicos, con una pregunta: «¿Pueden los videojuegos hacerte llorar?» Lo sorprendente no es el cariz de la pregunta, sino que Omar ya se la había planteado en 1993, cuando el negocio de los videojuegos era algo mucho más pequeño de lo que es hoy en día.

Omar distingue dos tipos de videojuegos: juegos casual, sencillos y que son jugados ampliamente, y juegos content-rich, con un mercado mucho más pequeño. Son dos los problemas que este último tipo de juegos tiene para lograr una aceptación más amplia:

La complejidad de sus controles. Para ilustrar esto, Omar mostraba en pantalla un mando de Xbox 360.
Historias no llaman la atención de la masa de gente. Carecen, parafraseando a Omar, de «a broadly appealing theme». Omar ponía como ejemplo la temática de los juegos de rol, ambientadas en mundos de fantasía repletos de orcos, elfos y caballeros armados que luchan sin cuartel; temas que sólo suelen interesar a un círculo reducido de gente.

Sin embargo, Omar está convencido de que es en los juegos content-rich donde se puede hacer un gran negocio, y se ha propuesto superar los dos problemas mencionados. Ésta es la principal motivación de The Act, que sale a la luz con las siguientes características:

Un control extremadamente sencillo, inspirado en el control del mítico Pong. Un sólo pulsador, con un botón que se puede girar a la derecha o a la izquierda. Como control, parece en principio bastante limitado, pero veremos que puede dar mucho juego.
Basar la jugabilidad y la historia en la gente, de manera que el juego sea interesante para la gente.

Para ilustrar estas ideas, Omar Khudari nos hizo una demostración de The Act prácticamente de principio a fin. En el juego interpretamos el papel de un ingenuo limpiacristales que está perdidamente enamorado de una enfermera. Nuestro objetivo será infiltrarnos en el hospital para ligar con la mujer de nuestros sueños mientras intentamos salvar a nuestro hermano de un terrible error médico. Os recomiendo echarle un vistazo al trailer para que veáis con vuestros propios ojos el aire cómico y tronchante que se respira en The Act.

La mecánica de The Act es la siguiente: el juego nos sitúa en diversas escenas de la historia; cada escena es como un minijuego donde debemos manejar el control giratorio. Los minijuegos están centrados en los personajes, girar el control en un sentido o en otro se traduce en una acción física o emocional particular (parte de la mecánica consiste en adivinar cuál es la acción en concreto a realizar). La velocidad que imprimamos al control a la hora de girarlo determinará el éxito o el fracaso para completar la escena.

Por ejemplo, en una de las escenas, nuestro protagonista limpiacristales se imagina como dueño de un club nocturno al estilo de Casablanca. De pronto, ve a lo lejos a su amada enfermera sentada en la barra, vestida de traje de noche, sola y algo retraída. Como buenos caballeros que somos, nos acercamos poco a poco a ella para llamar su atención. Al principio, nos apoyamos masculinamente sobre la barra y con aire confiado damos unos ligeros toques a los gemelos de nuestra chaqueta. Nuestra bella damisela se fija en nosotros y empieza a sonreír, así que empezamos a ejecutar un pequeño pase de baile, sin excesiva vehemencia para no asustarla. Pronto, si somos suficientemente hábiles, ella se unirá a nosotros y podremos darle un beso que... oh, nuestro jefe nos despierta con sonoros gruñidos, está muy enfadado porque aún no hemos terminado nuestro trabajo... La historia sigue, con el humor como constante a lo largo del juego.

Prácticamente todo el conjunto de acciones que he comentado de la escena anterior se maneja girando la rueda. Así, si la giramos demasiado rápido nos lanzaremos contra la enfermera y acabará huyendo despavorida, con lo que tendremos que repetir la escena. Si somos demasiado lentos, acabaremos aburriéndola.

Así el juego se desarrolla en una sucesión bastante lineal de cinemáticas y minijuegos en la que se va recorriendo el esquema clásico y que tan buenos resultados ha dado desde tiempos inmemoriales: el viaje del héroe. Para internacionalizar aún más el juego, los personajes no tienen voces pero tampoco las necesitan dado que por el contexto y por sus gestos casi entiendes perfectamente lo que se dicen en cada momento.

Para la realización de The Act, Omar Khudari y su equipo tuvo la suerte de contar con muchos de los animadores que se quedaron sin trabajo cuando Walt Disney cerró sus estudios en Orlando. El resultado son animaciones de una calidad asombrosa, y un regustillo a los buenos y viejos dibujos animados de antaño.

La linealidad de The Act es quizás su aspecto más criticable, pero Omar está convencido de que no se pueden aplicar los principios que dan lugar a una buena historia si es el jugador el que la construye. En todo caso, The Act, que está montado actualmente como una máquina arcade en tres o cuatro sitios escogidos, está teniendo bastante éxito de crítica y lo que es mejor: se está convirtiendo en un juego social que los jugadores tienden a jugarlo en parejas. Este comportamiento ha sido algo totalmente inesperado para el equipo de Cecropia, pero Omar no tiene ningún problema en jactarse de ello: «dos personas pagan más que una».

EDITO: Corrijo un error semántico.

Edge nº 14 y nº 15

2007-07-31T23:16:00.000+02:00

Hago un pequeño descanso de mis artículos sobre Mundos Digitales para hablar brevemente de los dos números atrasados que llevo de Edge.

El número 14, correspondiente al mes de mayo, sigue en la misma línea del 13 de respetar la portada original inglesa sin añadir ningún titular. El juego protagonista de este número ha sido Fracture, el juego de LucasArts que pretende aportar un innovador diseño al terreno de los FPS de la nueva generación.

Empiezo a pensar que el mercado de videojuegos se mueve por ciclos: últimamente andamos algo saturados de juegos de acción y disparos, vamos, los shooters: Gears of War, Haze, Halo 3, Crysis y alguno que me dejo. Pero bueno, es lo que toca ahora. Atrás quedaron aquellos tiempos donde otros géneros estaban en alza: los juegos de plataformas, las aventuras gráficas, los juegos de estrategia, etc, también tuvieron su época dorada.

Y ahora Fracture nos propone un FPS con armas capaces de alterar el escenario como si fuera plastilina. El que llegue o no a triunfar quizás no dependa tanto de las nuevas ideas que pueda aportar Fracture al género de los juegos de acción, sino de la prisa que se dé Lucas Arts para publicarlo antes de que este ciclo del mercado termine.

Nintendo, hacia la victoria. Así reza el titular del número 15, mes de junio, de Edge, con impresionante portada con el mando de la Wii como protagonista. «Quien arriesga, gana» es la forma que tiene Edge de resumir los últimos 25 años de la historia de Nintendo. Y aunque puede que algún nintendero sienta la tentación de enmarcar la revista, no puedo dejar pasar por alto que en este número la editorial española haya perdido dos buenas costumbres: mantener la portada inglesa intacta y vender la revista envuelta en un plástico protector. Lástima.

El reportaje sobre Nintendo, interesante y curioso, no hace sombra al que viene un poco más adelante: «Tienes 60 segundos». De poco más tiempo disponen los diseñadores para causar una impresión favorable a los jugadores que anime a seguir jugando, para explicar la mecánica básica de juego. El artículo hace un repaso de los primeros minutos de juego de varios títulos muy conocidos, analizando cómo resuelven este problema.

La mayor parte de los juegos suele tener unos primeros niveles de tutorial que funcionan como si un «jugador avanzado» diera consejos a los jugadores novatos del tipo «para mover la cámara, mueve el stick analógico derecho» o «para hablar con un personaje, pulsa X cuando estés a su lado». Algunos suspirarían por tutoriales inteligentes, que sólo ayudasen allí donde el jugador realmente lo necesita. Yo me quedo con diseños de juego más inteligentes, como el de Civilization, donde la propia estructura del juego se va desarrollando progresivamente y el aprendizaje resulta más natural.

Como bien señala el artículo, no sólo Civilization se va abriendo poco a poco al jugador para que el proceso de aprendizaje se convierta en una curva suave que crece a lo largo de todo el juego y en sucesivas partidas. Juegos como Super Mario 64 o Ecco The Dolphin incluyeron en su época una zona de libre entrenamiento, donde el jugador podía experimentar y mejorar sus habilidades.

La sección Va de Retro está dedicada a Nights into Dreams. Ahora que va a salir una continuación en Wii, me ha parecido interesante descubrir este juego tan alabado por los pocos que tuvieron la oportunidad de disfrutar de él en la época de Saturn. De todas formas, lo poco que he visto del nuevo Nights me ha decepcionado sumamente: ¿se convertirá el sueño de Nights en una pesadilla?

Para terminar, la sección A fondo comenta un par de dispositivos que permitirían controlar en el futuro los juegos con la mente. A pesar de los beneficios (no sólo a nivel de ocio) que podrían tener estos dispositivos, soy algo escéptico en cuanto a la viabilidad de un aparato que tienes que ponerte encima para poder usarlo. El tiempo dirá...

¡Mi blog no es spam!

2007-07-28T12:31:00.000+02:00

Hoy Blogger me ha dado una desagradable sorpresa. Resulta que los robots de Blogger han detectado mi blog como un blog de spam y lo han bloqueado: no me deja publicar artículos, sólo almacenarlos como borrador.

Si podéis leer esta entrada, querrá decir que las cosas han ido bien, que un «empleado de Blogger» ha revisado mi blog y le ha dado el visto bueno. Mientras espero a que eso ocurra, pienso en lo irónico que puede llegar a ser el futuro de la robótica:

Hemos recibido tu solicitud de desbloqueo el 28 de julio de 2007. En nombre de los robots, te pedimos disculpas por haber bloqueado tu blog, ya que no se trata de spam. Ten un poco de paciencia mientras estudiamos tu blog y verificamos que no es spam.

En nombre de los robots...

Mundos Digitales 2007 (III): Exposición de trabajos

2007-07-15T21:39:00.000+02:00

Este artículo es una continuación de:

Terminada la charla sobre convergencia entre videojuegos y cine, cada grupo de ponentes realizó una presentación de sus "productos":

Gamelab

El primero en hablar fue Iván Lobo, que habló de Gamelab, una serie de conferencias à la Game Developers Conference que han tenido lugar del 9 al 13 de este mes en la Universidad de Oviedo, y que por fortuna uno de los chicos de Anaitgames ha tenido a bien cubrir, a pesar de coincidir prácticamente en fechas con todo un renovado E3. Poco que añadir aquí, recomiendo visitar la página oficial de Gamelab y sobre todo los artículos de Anait si queréis más información.

Cálico Electrónico

Lo siento, pero no soporto Cálico Electrónico. Su zafio sentido del humor llega a provocarme desagrado; pero la realidad es que han montado un gran negocio alrededor de un producto inicialmente gratuito: las aventuras de Cálico Electrónico se pueden ver en cualquier navegador web sin mayor coste que la factura de vuestro operador telefónico a final de mes. En fin, los de Nikodemo pretenden lanzar también un videojuego a través de Internet y algo comentaron de una película.

Arvirago

Turno de Gonzo. Mientras un técnico intentaba infructuosamente conectar el portátil al proyector, Gonzo nos explicó un poco en qué consistiría Lord of Creatures, su próxima creación para PC y Xbox 360. Con un presupuesto de entre 8 y 9 millones de euros y hasta 80 personas en plantilla, Lord of Creatures permitirá a los jugadores combatir con su personaje y varias criaturas con distintas habilidades en un mundo online (la primera parte del juego, eso sí, será offline).

Gonzo no supo encuadrar bien Lord of Creatures dentro de un género concreto. Es una especie de juego de rol (por las habilidades del personaje y sus criaturas), Magic (por la selección de criaturas para el combate: sólo puedes llevar un número limitado de ellas) y Pokémon (por aquello de coleccionar tus criaturas). Aunque Gonzo insistió en que el concepto de juego era totalmente original —y probablemente lo fuera hace 4 años, cuando empezó a desarrollarse el juego si mal no recuerdo—, la sombra de Spectrobes es alargada.

Finalmente, el técnico fue incapaz de conectar el portátil, así nos quedamos sin ver vídeos de Lord of Creatures (de momento).

Filmax y Revistronic

Hervé Pillot hizo un buen resumen del postmortem de los videojuegos basados en Donkey Xote, película de Filmax que se estrenará a finales de este año si no me equivoco. Aunque el diseño de los juegos se llevó en paralelo junto con la creación de la película, Revistronic tuvo tan sólo 12 meses para producir 3 juegos de la franquicia Donkey Xote (afortunadamente, con el apoyo de Pixel Graphics): un juego de plataformas para PC/PS2, otro de carreras para PSP y una colección de minijuegos para Nintendo DS.

Aparte de las ventajas y desventajas que puede tener trabajar con una franquicia, me quedo sin duda con este dato que desconocía: antes de empezar a desarrollar un juego para una consola, el fabricante de dicha consola debe revisar el diseño, pues es él quien decide qué tipo de juegos y géneros son los más adecuados para su hardware.

Alia3D y Continental

Continental es una empresa cinematográfica gallega que ha decidido entrar en el negocio de los videojuegos apostando por un producto en el que no han querido pecar de excesivamente ambiciosos, buscando rentabilidad desde el primer día.

ELE (Evento Ligado a la Extinción), desarrollado por el ¿joven? estudio ¿gallego? Alia3D (no he encontrado una página web a la que hacer referencia), es un FPS casual basado en los siguientes puntos:

Diseño llamativo y abordable desde un presupuesto reducido. Que yo conozca, es el primer FPS de personajes cartoon y cabezones en escenarios con texturas e iluminación realista. Desde mi punto de vista éste es un punto crítico, pues los jugadores de FPS suelen buscar gráficos los más elaborados posibles (aunque luego venga Duke Nukem a llevarme la contraria).
Gran trabajo de guión, que se desarrolla a lo largo del juego, en la escuela iniciada por Half Life —no, no se me ha pasado la referencia a Gordon Freeman que aparece en la interfaz del casco del protagonista.
Desarrollo rápido. Como prueba de ello, su pipeline les permitió llegar a un ritmo de producción de 3 personajes completos por semana.

ELE saldrá a un precio aproximado de 15-20 € y puede que se distribuya en kioskos, aunque la realidad es que aún están buscando un distribuidor.

Arvirago (de nuevo)

Arañando más tiempo del que en principio estaba planeado, Gonzo consiguió mostrarnos al fin (creo que por mediación de otro portátil y un lápiz USB) varios vídeos, personajes y concept art de Lord of Creatures. El juego tiene muy buena pinta y visualmente está actualizado a lo que se espera ahora de la next-gen (los mapas de normales y el Zbrush obran maravillas).

Dado que los ataques de los monstruos se pueden mezclar de varios miles de formas, existe el peligro de que aparezcan combinaciones que sean casi invencibles (sobre todo, en un entorno online donde se anima el jugador contra jugador). Aunque Gonzo confesaba que daba gusto ver a los jugadores crear combinaciones que ni ellos habían imaginado, ¿estará Arvirago preparada para enfrentarse al reto de no sólo terminar, sino también mantener un juego tan emergente e impredecible como puede ser Lord of Creatures?

Mundos Digitales 2007 (II): La convergencia entre videojuegos y cine

2007-07-09T23:14:00.000+02:00

Bajo el epígrafe de Foro Internacional de Videoxogos y al auspicio del Cluster Audiovisual Galego y la Fundación Caixa Galicia, Mundos Digitales contó con una serie de conferencias relacionadas con videojuegos. Tuve la oportunidad de asistir al coloquio sobre la convergencia entre los videojuegos y el cine, en la que participaron los siguientes ponentes:

Iván Lobo, del Laboratorio Gamelab (Universidad de Oviedo).
Gonzalo Suárez (alias Gonzo), de Arvirago Gamecraft.
Niko y Raúl Escolano, de Nikodemo.
Pancho Casal y Carlos Fernández, de Continental Games y Alia 3D.
Hervé Pillot, Daniel Parente y Begoña Alonso, de Revistronic y Filmax Entertainment.

Estaba previsto que, previamente, Sony Suzuki, ejecutivo de IBM Global Engineering Services, diese una conferencia sobre El cambio de paradigma en la industria del videojuego interactivo, pero finalmente no pudo asistir debido a «un problema personal».

De todos los ponentes, Gonzo sin duda era el más carismático de todos. El creador de Commandos se mostró muy ufano durante toda la charla, lo que ayudó a crear un ambiente distendido y, a veces, de cachondeo.

El primer tema que se trató fue si las productoras convencionales estaban preparadas para desarrollar contenido interactivo basado en sus propias marcas. La opinión general de la mesa, salvo una voz discordante, fue de que actualmente se encuentran totalmente discapacitadas. Esto es en parte porque la estructura de las productoras de cine es completamente diferente a los estudios de desarrollo de videojuegos.

Los videojuegos derivados de marcas son, generalmente, productos poco innovadores. Hay que tener en cuenta que su tiempo de desarrollo es muy limitado (el juego debe estar listo para el estreno de la película). Estos videojuegos no son más que productos de merchandising, subrogados a una franquicia nacida en otra industria diferente.

Gonzo aprovechó la ocasión para lanzar una de sus frases lapidarias: «El videojuego no existe». Con esto quería decir que el videojuego es una industria relativamente joven, sin precedentes, y que además ha mutado mucho con el tiempo. No existe ninguna guía que sirva de fórmula de producción. Gonzo ve al videojuego como un producto industrial, y considera perverso cualquier otro planteamiento. Queda sitio para la creatividad, sí, pero lidiando siempre con los intereses empresariales de los productores y distribuidores.

Fagocitación. Así es como ve Gonzo la relación entre las industrias del videojuego y del cine. El videojuego ha aprovechado técnicas del mundo del cine, pero en el futuro, el videojuego dominará por completo el mercado audiovisual. Las industrias convencionales están obsoletas, sus productos son anticuados, porque lo que el usuario demanda hoy en día es interactividad.

En mi opinión, quizás sea demasiado premeditado condenar a la industria audiovisual actual al ostracismo como ya hecho Gonzo. Quizás sea cierto que no están viviendo sus mejores tiempos —medidas como el famoso canon parecen acentuar este hecho, los últimos coletazos de una industria musical que se muere—, pero la realidad, recalcitrante y terca en ocasiones, es que aún estamos lejos de hablar de una industria del videojuego masificada. Casi todo el mundo ve la tele, ¿cuántos juegan habitualmente a algún videojuego?

Volviendo a los videojuegos derivados de otros productos audiovisuales, la estrategia más óptima debe pasar por la integración, es decir, el desarrollo conjunto del producto audiovisual (la película) y del producto interactivo (el videojuego). Una campaña de marketing construida de esta forma serviría para arrastrar flujos de usuarios desde el medio interactivo al no-interactivo, y viceversa, enriqueciendo ambos mercados. Como ejemplo, se mencionó la película Matrix Reloaded, que salió acompañada del videojuego Enter The Matrix, que complementaba parte de la historia de la saga.

Los videojuegos pueden adaptarse rápidamente a la sintaxis de Internet porque, en cierto sentido, ambos medios comparten una misma naturaleza: jugadores y cibernautas que se mueven en mundos virtuales. Un videojuego, como ya lo hace Internet, podría vender productos dentro de sí mismo. Durante el visionado de una película, por contra, no es posible comprar ningún producto.

De esta forma, para Gonzo los medios audiovisuales tradicionales (en especial, cine y música) quedarán embebidos por el videojuego. Esta visión, tan apocalíptica para las grandes productoras, no era compartida por todos los miembros de la mesa. Se arguyó que, aún en el hipotético caso de que Internet se convierta en el futuro en un gran videojuego, siempre quedará un nicho de mercado para los medios más clásicos. Como ejemplos, la pintura o el teatro, cuya desaparición se había augurado hacía tiempo, aún existen a día de hoy.

La réplica de Gonzo no se hizo esperar. Insistió en que la pintura sobrevive únicamente gracias a la especulación, y que de todas maneras ya hay una forma de arte que ha muerto por culpa del videojuego: el cómic, que apenas malvive en EEUU y Francia. Gonzo está plenamente convencido de que el usuario que demanda productos de ocio de rápido consumo pedirá para satisfacer sus necesidades de entretenimiento productos interactivos.

Como podéis observar, aunque la charla trataba sobre videojuegos y cine, ésta acabó derivando hacia otros temas, cosa que no me molestó en absoluto. Termino con unas breves anotaciones que se apuntaron durante la conferencia:

Nintendo ha conseguido atraer a las mujeres a los videojuegos, pero Gonzo cree que el mercado femenino puede seguir creciendo gracias a los chats con contexto (chats con avatares virtuales en entornos interactivos). Al igual que los videojuegos, los chats crean un círculo mágico de impunidad que es atractivo para sus usuarios.
El retorno de inversión de los medios audiovisuales tradicionales está principalmente en el merchandising y en la venta de otros productos que no se pueden digitalizar. Los que sí se pueden digitalizar, la gente los consigue gratis gracias al Emule o similares.
Los videojuegos pueden funcionar como canal de fidelización. La acumulación de bienes virtuales, los pagos mensuales, los micropagos, etc, son estrategias que ya han demostrado su validez.
Publicidad en los videojuegos. Gonzo no le ve mucho futuro, pero no deja de ser a día de hoy un negocio disruptor.

La charla se alargó tanto que al final sólo hubo tiempo para un par preguntas. En conjunto estuvo bastante entretenida. Gonzo ha acaparado bastante protagonismo en mis comentarios, obviamente por dos razones: era el único ponente que conocía de antes y, como ya dije antes, era sin duda el más carismático de todos.

A continuación del coloquio, cada ponente hizo una presentación de sus productos, pero eso será el tema de mi siguiente entrada acerca de Mundos Digitales.

Mundos Digitales 2007 (I)

2007-07-05T23:07:00.000+02:00

Mundos Digitales es un ciclo de conferencias y talleres relacionadas con las llamadas artes digitales, esto es, con el diseño y la animación digital junto con los videojuegos que tiene lugar cada año en La Coruña. He tenido la oportunidad de asistir a las conferencias del día 4 de este mes, centradas en su mayor parte en videojuegos, que era la parte que más me interesaba.

La sede de Mundos Digitales este año era el edificio de la Fundación Caixa Galicia, donde, por cierto, hay estas semanas una exposición de la película del Señor de los Anillos. Junto con la acreditación, a los asistentes nos regalaron una mochila-bandolera bastante grande junto con el programa de actividades. La mochila contenía un libro explicativo de las distintas conferencias y los conferenciantes, un cuaderno de notas del Señor de los Anillos y un bolígrafo. Ciertamente, me hacía falta una bandolera nueva y más grande, porque siempro llevo un montón de cosas y la que estaba usando hasta ahora me quedaba bastante justa.

Las conferencias a las que he asistido en concreto han sido:

Convergencia entre los videojuegos y el cine.
The Act.
Creación de un corto con un equipo pequeño: The Grandfather of Soul.
Desafíos técnicos en Los Increíbles y Ratatouille.

En los siguientes artículos hablaré de los temas que se han tratado en las distintas charlas.

EDITO: Corrijo un error de ortografía.

Nunca volverá a ser como antes

2007-06-16T00:30:00.000+02:00

O puede que sí; que el peligro de lanzar frases tan categóricas es que después alguien puede echártelas en cara (olvidando que lo que se cuenta en un blog es opinión personal). Yo creo que desde luego como antes no volverá a ser, y mejor, lo dudo mucho.

Hablo de Final Fantasy VII. Recientemente han vuelto a salir rumores de un posible remake de Final Fantasy VII. Y una vez más, Square ha vuelto a negarlos. Llevamos tanto tiempo oyendo rumores de lo mismo, y lleva tanto tiempo Square negándolos con tanta insistencia, que cabe pensar que las sospechas de que en las oficinas de la productora japonesa Sephirot vuelve a afilar su larga katana no son del todo infundadas.

Muchos fans de Final Fantasy VII claman por un remake de su juego favorito. Desean volver a sentir lo mismo que sintieron cuando Cloud salta de aquel tren con un teatral brinco y aparece por primera vez en pantalla —dando la espalda al jugador, por cierto, toda una declaración de intenciones— mientras Barret insiste con un airado gesto en que deben darse prisa. Quieren sonreír ante los divertidos exabruptos de Don Corneo, enfadarse por la absoluta malicia del profesor Hojo, llorar por...

Volver a tomar el sol del mediodía en la playa de la Costa del Sol, sorprenderse ante las mil luces de colores que iluminan Gold Saucer, relajar su espíritu al escuchar la hipnótica melodía del Cañón Cosmo durante aquel eterno atardecer (oh, cómo me gusta esa melodía), ... Son experiencias que estuvieron bien en su tiempo, cuando éramos unos jovenzuelos imberbes con mucho tiempo libre y no salíamos de nuestro asombro al contar los tres discos que contenía la caja del juego.

Pero nos hemos curtido y aquel tiempo ahora endulzado por la nostalgia no volverá. Siempre nos quedará su recuerdo. Confiar en que un remake de Final Fantasy VII nos devuelva a nuestra infancia videojueguil es sólo engañarnos a nosotros mismos. Pensar que cualquier tiempo pasado fue mejor sólo sirve para que no podamos disfrutar del presente.

No imagino a un Cloud de un millón de polígonos metido en una bañera junto con una decena de fornidos hombretones, ni rascándose la nuca cuando nos daba a entender que estaba contento, ni saltando con ese particular estilo (brazos arriba y piernas estiradas) con la misma gracia e inocencia que tenía el Cloud original y superdeformed de apenas cien polígonos.

Gran parte de Final Fantasy VII estuvo y está en nuestra imaginación. Personalmente, prefiero que siga ahí.

Joost y otras cosas del software privativo

2007-06-13T15:50:00.000+02:00

Pues no, al final no me he apuntado a lo de Joost. Y eso que tampoco lo tenía tan difícil; me bastaba con ir a esta página, poner mi dirección de correo y a los pocos minutos recibía una invitación. Sí, lo hice, les di mi dirección de correo; la invitación tardó un poco más de la cuenta en llegar, pero al final me llegó. Sin embargo, en el último momento, decidí que no valía la pena.

De acuerdo, Joost es televisión a la carta (pero a la carta de verdad de la buena, no como en las cadenas de cable o satélite) y en alta definición, puede que la televisión del futuro incluso. Porque la televisión que tenemos ahora, ¡ay amigos!, está claro que se ha quedado arcaica, desfasada, un trasto viejo que ahora mismo sólo sirve para enchufarle la consola o nuestro centro multimedia favorito (llámanle media center allende estos mares) —bueno, los martes dan House por cuatro (todo-en-minúsculas), y aún se deja ver.

¿Pero por qué caray tengo que instalarme un programa en el ordenador para acceder a Joost? Mal, muy mal. No me apetece llenar el disco duro con más programas. A ver, señores de Joost, prácticamente todo usuario que accede a Internet tiene ya instalado en su ordenador un poderoso software que a poco que se esfuercen es capaz de hacer maravillas. Hay varias versiones, la que yo uso en concreto se llama Firefox.

Tengo cierta aversión a todo software gratuito que no ha sido debidamente forjado con una licencia del gremio de herreros FSF. ¿Quién sabe lo que trae bajo sus entrañas el programa ese de Joost? ¿Un keylogger? ¿Alguna especie de troyano, espía o malware? Quizás no tenga nada de eso, pero como no me fío, pues nanay.

¿Qué harás, Joost, cuando YouTube empiece a ofrecer desde su página vídeos de alta calidad (tanto en contenido como en resolución)? No te veo futuro, sencillamente. Y si algún día tengo que comerme mis palabras, si algún día Joost se convierte en el estándar de facto para la nueva televisión, vamos, que si algún día todo el mundo ve House a través de Joost, pues me como mis palabras sin problema, que «el que tiene vodka, se equivodka».

Y vosotros, que os bajáis programas de Softonic como si de un maravilloso cuerno de la abundancia se tratara, sabed que en realidad no sabéis lo que os estáis bajando. Porque me cuesta creer que alguien ofrezca algo gratis a cambio de nada; y si lo hace por una causa altruista, pues no entiendo qué problema tiene en liberar su código. ¿O es que tiene algo que ocultar?

EDITO: Corrijo un fallo en la primera línea :S.
EDITO: El contenido del enlace a Softonic corregido.

Edge nº 13

2007-05-24T21:07:00.000+02:00

Pues esta es la quincuagésima entrada del blog. ¿Qué os parece el blog? Podéis usar los comentarios para dar vuestra opinión. Mientras tanto, hablaré del décimo tercer número de Edge España.

Me complace que se haya mantenido la misma política que el número anterior respecto a la portada, es decir, sin titulares que oculten el tema principal de la misma. En este número, Edge saca su particular oráculo para intentar contarnos qué nos traerá el futuro de los videojuegos: jugadores más adultos, hardware gradual, contenido creado por el usuario, juegos serios y distribución directa son algunas de las tendencias que Edge adivina como promesas de futuro. Como toda especulación, debe ser cogida con pinzas.

Sean acertadas o no las predicciones de Edge, el reportaje sobre avatares, al menos desde el punto de vista del diseño y la psicología, me ha parecido mucho más interesante. La forma y el comportamiento del personaje principal de un videojuego, del personaje que será controlado por los jugadores, no es un tema baladí. Recurriendo a mi querido Rules of play, hay varios niveles de significado en la relación que establece el jugador y su avatar: el avatar es el jugador, y también es una herramienta del jugador, todo ello de manera simultánea.

Ha habido algo de polémica respecto a las notas que ha puesto Edge en este número. A este respecto, me gustan bastante las notas que pone Edge, aunque suele ser bastante implacable con las segundas partes que no aportan nada nuevo a la saga. De nuevo, a pesar de que la nota de cada análisis aparece casi escondida al final del artículo, sin apenas destacar, hay gente que sigue usándolas como baremo para valorar la calidad de las revista. Además, parece que hay juegos que han nacido para llevar una determinada nota, y cuando Edge discrepa, se arma revuelo.

Por lo demás, ha sido un número bastante anodino. La edición británica de Edge no está pasando por un buen momento, pero espero que mañana pueda encontrar en el kiosko el número 14.

Videojuegos 2.0

2007-05-22T11:44:00.000+02:00

Hablamos de web 2.0 refiriéndonos a aquellas páginas web en las que el usuario es el protagonista. Antes que un conjunto de tecnologías, la web 2.0 se puede definir por las siguientes dos características:

El usuario construye un espacio propio dentro de la web 2.0. Lo construye para sí, en su propio beneficio. Lo amolda a su gusto, con las herramientas de que la web dispone.
Mientras el usuario construye su espacio, participa en la construcción de un espacio global. Así, el usuario se beneficia de lo que ofrecen el resto de usuarios de la web.

Estos son los principios que rigen sitios web como Flickr y del.icio.us. También podemos enmarcar los blogs dentro de la web 2.0, pero antes de que los blogs se convirtiesen en un fenómeno masivo de la red, ya estaban por ahí los foros como sitios en los que poder compartir tus aficiones y dar tu opinión sobre cualquier tema. Las tecnologías que hacen hoy en día posible la web 2.0 tienen nombres tan rimbombantes como javascript, xml o rss, pero son sólo eso: tecnologías.

Dos características que pueden tener más o menos fuerza dependiendo del espacio web del que tratemos, pero que terminan por generar comunidades de usuarios. Las comunidades de usuarios refuerzan el comportamiento participativo de los sitios web 2.0, son fundamentales para su funcionamiento. Los usuarios construyen su espacio, pueden participar en la construcción del espacio de los demás y el beneficio es mutuo.

Los videojuegos también crean comunidades. Lo hacen de manera tan natural como cualquier otra actividad humana: como lo hacían los gremios hace varios siglos, como lo hacen ahora los clubes de aficionados. Los videojuegos pueden dar un paso más y adoptar también la filosofía 2.0.

Más allá de microtransacciones, juegos por capítulos y publicidad ingame, creo vislumbrar una tendencia en el futuro a crear comunidades de jugadores más participativas. No es del todo un invento nuevo, desde hace muchos años muchos videojuegos tienen asociados grupos de personas que amplían la experiencia del juego en sí: clanes, modders, etc.

Pero un paso más allá es participar jugando. Se trata de que todos los jugadores participen inevitablemente en la experiencia global del juego, de la misma manera que todos los usuarios de una web 2.0 construyen el espacio global de esa web. Los MMORPGs han iniciado este camino, demostrando que es posible que miles de jugadores jueguen juntos en un mismo espacio. Sin embargo, los MMORPGs no permiten a sus jugadores alterar demasiado el espacio de juego, y mucho menos construirlo completamente... o no.

¿Podemos considerar exponente de la tendencia 2.0 el juego Second Life? Es cierto que los jugadores de Second Life pueden crear su propio contenido. Sin embargo, el sentido de «comunidad que comparte» se ve aquí envilecido debido a las transacciones comerciales con dinero real que tienen para conseguir contenidos. Los jugadores de Second Life construyen cosas para luego venderlas, otros se conectan para comprarlas y después enseñárselas a los demás en el enorme escaparate virtual que Linden Lab ha montado. Y el invento funciona amparado principalmente en la publicidad que ha recibido en los medios de comunicación.

Los videojuegos 2.0 son un lienzo el blanco compartido donde cada jugador se reserva un pequeño espacio junto con un pincel y una paleta de colores. Un buen ejemplo de lo que puede suponer un videojuego 2.0 está aún por llegar, y tendrá el curioso nombre de Spore. En este juego los jugadores diseñan su propia raza, controlan su evolución y pelean por la supervivencia en el universo contra otras razas de criaturas, que han sido diseñadas por otros jugadores y están almacenadas en un servidor central.

Spore no es MMOG, pues los jugadores no necesitan estar necesariamente conectados para jugar ni combaten unos contra otros. Spore es un juego construido por sus jugadores. Un sistema de cartas coleccionables animará a los jugadores a explorar otros planetas del universo de Spore y descubrir nuevas razas.

Little Big Planet puede considerarse como otro ejemplo de esta filosofía. Durante su presentación en la Game Developers Conference se mostró un vídeo de su editor de niveles. Hasta cuatro jugadores pueden construir en equipo un nivel de juego y posteriormente colgarlo en la red, donde el resto de la comunidad podrá probar y evaluar el nivel (hasta se mostró un ranking mundial de niveles construidos por los usuarios). Construir el nivel es parte del juego de Little Big Planet. Aunque no de forma tan automática como en Spore, los jugadores participan en la construcción de una experiencia global de juego.

Parece que se abre un nuevo campo en el mundo de los videojuegos. Queda por saber si esta filosofía tendrá realmente éxito y creará escuela. Creo que una vez más la industria vuelve a mirar a Will Wright con atención.

El precio de algunos videojuegos

2007-05-15T21:40:00.000+02:00

Hay muchas cosas en este mundo realmente difíciles de entender: el precio en tienda de algunos videojuegos es una de ellas.

Hace unas semanas pagué cerca de 40 € por el Phoenix Wright, un juego de Nintendo DS realmente brillante. Tiene una duración de 10-15 horas; es decir, que me ha costado cerca de 4 € la hora de juego. Hace dos años mi hermano pagó cerca de 40 € por el Civilization IV, un juego de PC realmente brillante. Tiene una duración casi infinita; es decir, que lo que mi hermano ha pagado por una hora de juego al Civ4 es inapreciable comparado con lo que yo he pagado por Phoenix Wright.

Sí, las comparaciones son odiosas, pero lo que voy a contar a continuación es aún más sangrante. ¿Cuánto le ha costado a Capcom el desarrollo de Phoenix Wright? Tiene un buen guión y bonitos dibujos, sí, pero no es más que una aventura conversacional salpicada de torpes animaciones (muy expresivas, eso sí, no las cambiaría). ¿Cuánto le ha costado a Firaxis desarrollar Civilization IV? Estamos hablando de un complejo juego de estrategia que se ambienta en un gran mundo tridimensional estupendamente diseñado y animado. Ni punto de comparación.

Si cogemos la vara de medir que se utilizó para poner precio a Phoenix Wright, mi hermano debería haber pagado unos 1000 € por Civilization IV, y puede que me quede corto. La cosa empeora si además tenemos en cuenta que el Phoenix Wright de DS no es más que una reedición de un juego que había aparecido para Gameboy Advance, con algunas mejoras y un nuevo caso.

Los videojuegos son productos de lujo, son piezas de software, ergo, son caros. Pero algo malo ocurre cuando juegos como Phoenix Wright valen tanto como un Civilization IV: como no me creo que 2K Games pierda dinero con cada Civ4 vendido, tengo que llegar a la conclusión de quien quiera que distribuya Phoenix Wright (¿Nintendo quizás?) me está timando con total impunidad.

Lejos de rendirme a la piratería, prefiero usar este blog para lanzar un sonoro ¡Protesto! contra estas deshonestas prácticas (y si no, que venga alguien a justificarme el precio de Phoenix Wright). Quizás sea cierto: la culpa es nuestra por comprar juegos con un precio injustificable. Pero luego van las distribuidoras y nos amenazan con que no traen juegos a España porque no hay quien los compre. Claro, a ese precio...

23 de abril

2007-04-23T23:19:00.000+02:00

23 de abril, día de Sant Jordi.
Es día del libro en la ciudad.
Libros. Rosas. Bolsas del Fnac.

Ha pasado un año desde aquel día
en que paseaba solo por las calles
entre libros, rosas y bolsas del Fnac.

Bajan por las Ramblas
vendidos en Catalunya
miles de libros y rosas
en bolsas del Fnac.

Es día del libro en la ciudad.

Edge nº12

2007-04-14T14:06:00.000+02:00

Un año ya cumple Edge en España. Aitor Urraca, director de la revista, hace un breve repaso en a todos los logros de la versión española de Edge en este tiempo; sería una tontería que yo me extendiese en ellos. Hablaré de las cosas que a mi juicio aún quedan por pulir, pero eso será al final de esta entrada.

Primero quería comentar algunas cosas del número 12 de la revista que, embutido en un ruidoso plástico, ha llegado a nuestros kioskos con la portada prácticamente idéntica a su homónima inglesa. Un diseño tan fresco como el del pasado mes se lo merecía, desde luego.

Los creativos de la industria de los videojuegos suelen estar subyugados a las empresas editoras. Por una parte es lógico: ellas son las que, en teoría, más arriesgan. Por otra parte, esto resulta contraproducente para un negocio que sufre una crisis de nuevas ideas. Por fortuna, parece que los tiempos están cambiando: Nintendo inventa nuevas formas de jugar, EA se abre a experimentar con nuevas franquicias, Microsoft abre su bazar de Xbox Live! a los indies que descubren el poder de XNA, y nacen editoras como Gamecock, pensadas por y para los desarrolladores. Reportaje de cuatro páginas para los excéntricos Mike Wilson y Harry Miller, fundadores de esta nueva editora; os recomiendo echar un vistazo a los títulos que están preparando. Puede que también la locura barroca y oscura construida bajo el cielo de Metrónome necesite a gente como estos dos soñadores para salir adelante.

La estrella de este número son los muñequitos de trapo de Little Big Planet. Lejos de la fanfarria de Final Fantasys y Metal Gears que alimentan la expectación de los fans de la Playstation 3, esta pequeña gran idea (junto con la Playstation Home) ha sido un gran golpe de efecto de Sony en la pasada Game Developers Conference. El fantástico uso de la física y el modo multijugador tanto en el diseñador de niveles como en las propias fases en sí mismas sirven de base a la jugabilidad más divertida que he visto en un juego de PS3 hasta ahora. Por fin parece que Sony reacciona.

Un poco más adelante tenemos una entrevista con Dave Perry (creador de Earthworm Jim), que sigue en activo a pesar de haber salido casi apaleado de su juego basado en la franquicia Matrix. Actualmente dirige tres empresas y cinco MMO, mientras prepara un concurso de diseño de videojuegos a nivel mundial. Lo de este concurso es una completa locura: consiste en una especie de operación triunfo de jóvenes diseñadores, donde todo el mundo puede participar para construir entre todos un MMO. Digo yo que si en nuestro proyecto para el Máster de Creación de Videojuegos fue difícil ponernos de acuerdo cuando éramos tan sólo cuatro las voces cantoras, un coro de varios miles de personas participando en la dirección de un juego debe de ser una pesadilla.

Otro proyecto interesante de Dave consiste en crear una especie de ebay de inversores. Game Investors consistirá en un servicio donde los desarrolladores venderán sus proyectos y los inversores apostarán su dinero por ellos. Es una cosa bastante rara y habrá que esperar a ver cómo se implementa. Cambiando de tema, me llamó la atención la idea que tiene Perry de la publicidad en los videojuegos: ¿vosotros veríais bien que Coca Cola os regalase una espada de repente en vuestro MMORPG favorito? Dave sí.

Bueno, se me alarga el artículo, así que voy terminando con un último comentario sobre este número. Hay que quitarse el sombrero ante el nivel que están cogiendo las cartas que llegan a la redacción de Edge. Pero lo más divertido son los comentarios extraídos de su foro online, siempre con ese humor tan ácido que despierta más de una sonrisa.

Pues ya llevamos un año con Edge en España. Pero a pesar de todo este tiempo, persisten aún algunos errores de traducción/redacción en bastantes artículos de la revista. No son como los del primer número, pero siguen siendo inaceptables. El tratamiento que se hace de la industria española está bien, pero se echa en falta alguna columna de opinión de ámbito más nacional. Cambiar las notas otorgadas a algunos juegos por la versión inglesa es un grave error, sólo justificable si el juego hubiera sido reanalizado por otra persona. Y por último, la sección de cartas de los lectores es demasiado corta. Por lo demás, que Edge siga así por otros 12 números más.

Vale la pena esperar

2007-03-31T23:23:00.000+02:00

Sí, vale la pena esperar. Vale la pena mantener guardada nuestra tarjeta de crédito, salir a dar un paseo, dejar aparcado nuestro coche en el garaje. Sí, vale la pena hacer todo eso antes que comprar ahora una consola de nueva generación.

Una semana después de que los medios de comunicación españoles hayan convertido el lanzamiento de Playstation 3 en nuestro país en un evento nacional, voy a hablar un poco de las sensaciones que se respiran respecto a cómo van las cosas en la nueva generación de consolas y de por qué aún es demasiado pronto para comprar alguna de ellas.

Empiezo con Wii. Tras la excelente salida el año pasado, que ha servido a Nintendo para colocarse hoy con cerca de 4 millones de consolas vendidas en todo el mundo, se comenta aquí y allá que la Wii está perdiendo fuelle. Es normal que tras la salida de una consola haya un bajón en la calidad de los títulos que salen a los pocos meses, pero a día de hoy el futuro de Wii se presenta aún lleno de incertidumbre y, lo que es peor, oscuro para los jugadores más hardcore que hayan adquirido una el día de lanzamiento. ¿Qué superproducciones tiene Wii en el horizonte? Super Mario Galaxy y Metroid, cuya fecha de salida aún no ha sido fijada. El catálogo de Wii, mientras, se llena de party games, refritos de la generación actual y alguna pequeña joyita que puede estar bien para pasar un rato corto, pero por la que pagar 60 € puede ser demasiado.

Y si Wii tiene un futuro oscuro, el de Playstation 3 está completamente nublado. Sony ha perdido la confianza de muchos usuarios y de la prensa en general, y hemos tenido que esperar hasta la pasada GDC para vislumbrar algún rayo de luz en su política comercial. Los 600 € establecidos como precio tampoco han ayudado a disparar las ventas, precisamente. En este contexto, PS3 parece la bestia dormida que en teoría debería superar en potencia a su rival directa Xbox360, pero que la terca realidad se empeña en despertar lo contrario. No se sabe si existe o existirá algún estudio capaz de despertar el presunto potencial oculto de la bestia, pero mientras, semana a semana, Sony pierde exclusivas que hasta hace poco se daban por hechas. Con los nuevos sistemas de compresión de megatexturas y de vídeo, uno se pregunta si de verdad necesitamos el Blu-Ray (o el HD-DVD). Pero si lo que sobre todo debemos mirar de una consola es su catálogo, a pesar del tiempo transcurrido, el de PS3 a fecha de hoy no es tampoco para tirar cohetes.

De todas las consolas de nueva generación, aquella cuya compra podría estar más justificada es la Xbox360. Con un año de antigüedad en el mercado es la que presenta un catálogo más sólido, y unas perspectivas de futuro bastante halagüeñas. Pero ha jugado con la ventaja de haber salido bastante antes; ahora es cuando empieza la carrera de verdad, cuando Microsoft debe demostrar que su consola vale realmente lo que pone en la etiqueta. Ya se ha convertido en el ojito derecho de muchos jugadores hardcore, pero su catálogo es aún algo monótono. Se podrá argumentar que con Xbox Live! la variedad de títulos es muy extensa, pero personalmente no pago 450 € para luego jugar al Geometry Wars. Y a pesar de la seguridad que muestran los directivos de Microsoft en sus declaraciones, la noticia de una nueva revisión de la X360 (la versión Elite), que será lanzada en breve en EEUU, parece indicar que aún no tienen demasiada confianza en su producto.

Aún hay que darle tiempo a la nueva generación. Antes de decantarse por una consola u otra y luego llevarse una desagradable sorpresa. Fui uno de los primeros en comprarme la PS2 cuando salió en España, y posteriormente acabé arrepentido de haberme adelantado tanto. Las consolas tardan en arrancar y el mercado es impredecible. Si esperamos un poco, podremos decidir en base a catálogos mejor asentados y estrategias mejor definidas. Y entonces, si realmente tenemos ganas, quizás sea el momento de pasar a la nueva generación.

EDITO: Corrijo un error gramatical.

Edge nº10 y nº11

2007-03-29T00:13:00.000+02:00

Pues sí, que se me echan las Edges encima, y ya voy con dos (si no contamos la de este mes) de retraso. Como no tiene mucho sentido analizar las revistas a fondo (a quienes no las hayan leído lo que pueda decirles les importará más bien poco, y los que sí las hayan leído, probablemente, también :)) creo que lo mejor es que aproveche un poco para añadir mis propios comentarios sobre algunos de los artículos que me han llamado la atención.

Comenzamos con el número 10, que tiene una portada realmente preciosa. Claro que el mérito no es todo de Edge, sino de los artistas que trabajan en Square-Enix. Final Fantasy XII es tema de portada por ser uno de los ganadores de los premios Edge, que selecciona a los mejores videojuegos del año. Por cierto, si prestáis atención a la portada, veréis que la gente que camina al fondo no proyecta sombra en el suelo. Curioso.

Ganador absoluto a mejor juego del año: Final Fantasy XII. Se quedan a las puertas Okami y Twilight Princess. Como siempre, los ganadores son discutibles. El problema que creo que ha tenido este Final Fantasy XII es que llevamos mucho tiempo esperándolo (casi desde Final Fantasy X), y se ha acabado creando demasiada expectación, con lo cual es difícil que cualquier juego esté a la altura. Se pueden criticar muchas cosas de FFXII (que si la historia no profundiza en los personajes, que su desarrollo flaquea a mitad de partida, etc), y probablemente, no sean críticas desencaminadas, pero debe quedar claro que FFXII es un juego sobresaliente: la historia es buena, la ambientación es excelente, el sistema de batalla es una apuesta arriesgada —dentro de lo que es la tradición Final Fantasy y todavía más en la tradición de RPGs orientales (con sistemas por turnos por veces realmente ominosos)— y muchas otras cosas que pesan más que los puntos negativos que tiene el juego (cuya producción no estuvo exenta de dificultades).

De todas formas, va a ser difícil un Final Fantasy supere algún día al tan sobrevalorado Final Fantasy VII, sobre todo porque la gente, cuando habla del juego protagonizado por Cloud y compañia, no habla del Final Fantasy VII que salió en las tiendas en 1997, habla del Final Fantasy VII que recuerda, edulcorado por la nostalgia de la niñez y por nuestra mala memoria. Prácticamente es lo mismo que le ha pasado a Zelda Twilight Princess: muchos esperaban con ansia un nuevo Ocarina of Time y no han sabido apreciar este nuevo Zelda en todo su esplendor. Mi consejo: por favor, dejad descansar a los clásicos.

Bueno, paso ya a hablar un poco del número 11. Con portada y reportaje dedicado a la saga Metal Gear Solid, no ha sido un número especialmente reseñable.

El primer artículo realiza un repaso de cómo ha ido la industria el año pasado, y me ha llamado la atención una de las cosas que se mencionan en una columna lateral, hablando de los MMOG. Concretamente, donde habla de World of Warcraft, es interesante saber que:

Uno de los mitos que siempre se cuentan en este contexto es el hecho de que World of Warcraft, que concentra alrededor de la mitad del mercado de suscripciones MMOG, es un negocio que produce mil millones de dólares. Un rápido vistazo sobre las cifras financieras de su propietario, Vivendi Games, sugiere lo contrario [...].

La razón de que no se cumpla la simple regla de multiplicar los 7,5 millones de jugadores por los 12 euros al mes que cuesta la suscripción es que más de la mitad de jugadores de WOW está en la China. No sólo pagan una tarifa mucho más reducida (alrededor de 2 céntimos de euro por hora), sino que pagar una tarifa por hora tiende a reducir la duración del juego.

Hay también un par de artículos dedicados a XNA, plataforma de desarrollo amateur de videojuegos. Creo que merece la pena aunque sea echarle un vistazo; es lo que tengo pensado hacer yo en cuanto termine el desarrollo del juego para el concurso de Nae (si lo logro terminar, que ahí le ando). Y aprovecho para decir que el que quiera colaborar conmigo, que por mí no hay problema, sólo hay que aprender algo de Fénix y echarle ganas (aviso de antemano que la idea básica del juego, ya está bastante decidida y no creo que haga más cambios).

Por cierto, Edge está prestando bastante atención a distribuidores y productores españoles, incluso también al propio concurso de Nae, del que aparece una reseña al final en la sección de cartas Fórum. Pero antes de llegar a las últimas páginas de la revista, están las columnas de opinión. Jeff Minter, en El progreso de Yak, se ha unido a las críticas que recibió el número de Edge dedicado a la PS3, ya que el tema le tocaba bastante de cerca (él y su empresa crearon las visualizaciones de la X360). Aunque no tengo muy claro a qué se refiere con "visualizaciones" (imagino que son los skins de los menús de la consola), llama bastante la atención que un columnista muerda un poco la mano que le da de comer, por así decirlo. Está claro que el Sr Biffo no es el único que no se corta :).

EDITO: Cambio el título a cursiva.

Microsoft University Tour 2007

2007-03-18T22:09:00.000+01:00

Este jueves tuvo lugar una conferencia del Microsoft University Tour 2007 en la Escuela Técnica Superior de Ingeniería de la Universidad de Santiago. Como el evento estaba centrado en .NET, en el trabajo nos recomendaron ir. En esta entrada os contaré mis impresiones, pero aviso ya de antemano: voy a ser un poco técnico.

El salón de actos donde se celebró la conferencia se hizo demasiado grande para las 40-50 personas que fuimos allí. Aunque habían prometido camisetas y CDs al final de la conferencia, la asistencia no fue demasiado alta.

En la primera media hora de la conferencia, una evangelista de Microsoft se dedicó a describirnos por encima las bondades de .NET. Lo de evangelista es una profesión que suena un poco fuerte, pero creo que es algo más común en Estados Unidos. No es más que un nombre rimbombante para alguien que se dedica a dar conferencias e intentar venderte un producto.

De esta primera charla, me sorprendió la parte en la que explicaban lo que no era .NET. Según ella, .NET no pretende comerse a Java, .NET no pretende acabar con Linux y, aún más importante, .NET no es un instrumento de Bill Gates para dominar el mundo. Con esto me quedó claro que Microsoft es consciente de todas las críticas que recibe desde la comunidad de software libre y que, en esas lides, va un paso por delante de ellos.

La estrella central de .NET es Visual Studio 2005, quizás uno de los mejores programas de Microsoft y un excelente IDE de programación. Está tan integrado con .NET que es difícil entender .NET sin la ayuda de Visual Studio, lo cual es, en mi opinión, un arma de doble filo.

Tras un repaso por encima de la plataforma .NET, un representante del Club .NET de Albacete (¿o era Oviedo?) se extendió hablándonos de la parte de .NET dedicada a la creación de páginas y aplicaciones web: ASP.NET y AJAX. El hombre se enrollaba como una persiana, tanto que acabó comiendo tiempo al resto de las conferencias.

La gracia de ASP.NET es que permite construir páginas web prácticamente como si fueran formularios de Windows (como se haría en un editor de GUIs) e, incluso, programar el comportamiento de cada elemento de la página web (denominados controles según la terminología de Microsoft) en C#. Posteriormente, el servidor ASP.NET traduce el código C# a javascript cuando se carga la página por primera vez (nos hizo una demostración programando en unos cinco minutos una etiqueta embebida en una página que mostraba la hora del sistema).

La integración de ASP.NET con AJAX es poderosa, y por ello, potencialmente peligrosa y confusa. En uno de los ejemplos que nos mostró en directo creó una clase con un único método que devolvía sencillamente un string. Por otra parte, programó un control en una página web que llamaba al método de esa clase y mostraba el contenido del string en una etiqueta. Todo esto sin abandonar C#, con lo que finalmente resultaba muy difícil saber qué había realmente por debajo. De hecho, quise cerciorarme y se lo pregunte al hombre, que no parecía querer entrar en detalles: como suponía, se genera un código javascript en la página web que hace una llamada remota al método de la clase almacenada en el servidor ASP.NET. Toda este mecanismo queda oculto (incluso diría que ofuscado) cuando se está programando, y no me parece bien.

La siguiente parte de la conferencia versó sobre la creación de interfaces 2D y 3D utilizando Windows Expression Tools y la nueva arquitectura Windows Presentation Foundation (que ha aparecido junto a Windows Vista, pero también se puede utilizar sobre Windows XP SP2). Dos eran las principales novedades de WPF: se han reducido el número de controles (widgets) a lo más básico (botones, menús, etc) y ahora se puede embeber de manera sencilla cualquier elemento multimedia (fotos, vídeos, audio, 3D, etc) dentro de un widget.

Crear botones animados es bastante sencillo, así que como decía el compañero de trabajo que tenía al lado, preparaos para ver dentro de poco interfaces de lo más horteras que pueda haber —quizás venga bien un poco de caos para que finalmente el diseño de las interfaces esté definitivamente en manos de diseñadores gráficos (o de gente que tenga un mínimo de gusto estético)—. Los planes de Microsoft, además, consisten en extender WPF a las páginas web y a otros sistemas operativos.

La penúltima charla trataba sobre aplicaciones móviles, el problema es que apenas hubo tiempo para hablar de nada. Nos hicieron un par de demostraciones triviales (como "construye un navegador web arcaico en cinco minutos") y nada más. Dado que ahora mismo es mi ámbito de trabajo, no vi nada que me pareciese realmente innovador.

Para terminar, la parte de la conferencia que más me interesaba, XNA, la herramienta de programación de videojuegos de Microsoft para amateurs, fue sólo un corto resumen muy por encima. Nos mostraron algunos vídeos de juegos que se han hecho o se están haciendo con XNA (había uno de carreras que bien podría colar por un juego nex-gen), nos hicieron un pequeño ejemplo con una nave moviéndose por un escenario 3D vacío y poco más. Todo muy fácil, todo muy fácil, hasta que de verdad te pones a ello. De todas maneras, XNA me ha llamado bastante la atención y un día de estos tengo que ponerme un poco más en serio con él.

En resumen, .NET es una excelente plataforma de desarrollo de software, siempre y cuando uses productos de Microsoft para trabajar con ella. La integración entre las herramientas Microsoft es tan transparente que a veces me parece incluso contraproducente, dado que no puedes ver con claridad cuál es la magia negra que mantiene todo unido y funcionando. Como comentaba hoy mi tío, la idea de Microsoft es crear un framework donde puedas construir aplicaciones mucho antes que en cualquier otra plataforma, aunque después funcionen como funcionen.

Diseccionando English Training

2007-03-02T16:11:00.000+01:00

Uno de los tipos de artículos que quería colgar en el blog eran análisis de videojuegos. Más que análisis propiamente dichos (con descripción de características y nota al final), pensaba más bien en escribir algunos comentarios sobre algunos juegos que me habían llamado especialmente la atención desde el punto de vista de diseño de videojuegos.

He decidido llamar a esta serie de artículos «Diseccionando...». Es quizás ambicioso por mi parte decir que voy a diseccionar (léase, tratar con detalle) cada uno de los videojuegos que pase por esta sección: para realizar un análisis tan completo me llevaría mucho tiempo y, además, no tengo el bagaje suficiente como para ponerme a ello. Lo que quería expresar con «Diseccionando...» era más bien que me voy a centrar en ciertos puntos de cada juego que son claves a la hora de construir una experiencia jugable.

Comienzo, pues, esta serie de artículos con English Training (para la Nintendo DS). Algunos consideran que estos juegos, en la misma línea que Brain Training y similares, no son juegos, o son no-juegos. Sin embargo, he podido observar que English Training sigue de manera elegante los principios básicos de diseño de videojuegos.

English Training se vende como un juego educativo para practicar y mejorar inglés. En realidad, las limitaciones técnicas lo convierten en un producto adecuado únicamente para practicar listening, pero desde luego no para aprender inglés desde el cero. English Training apenas trata alguna de las otras partes que suelen entrar en el típico temario del inglés, como speaking, reading o grammar. Por tanto, si no sabes inglés, English Training no te servirá para nada; si estás aprendiendo inglés, English Training puede ayudarte a mejorar tu listening; en cualquier caso, es una buena excusa para mantener contacto diario con el inglés.

La mecánica del juego consiste básicamente en realizar transcipciones de frases o palabras que nos dicte la consola. El jugador escucha la frase y después intenta escribirla en la pantalla inferior letra a letra, mientras la pantalla superior muestra cómo la frase se va completando. English Training utiliza el reconocimiento de escritura como pieza fundamental de un juego de adivinación que pueda ser fácilmente asimilable por cualquier persona (¿quién no ha jugado nunca al Ahorcado?).

Cada ejercicio individual del juego se divide en dos partes: dictado de una palabra y, posteriormente, dictado de una frase con esa palabra. El dictado de la palabra sirve para preparar, de forma sutil, un contexto que, aunque mínimo, ayuda considerablemente a la comprensión de la frase que vendrá a continuación. En este sentido, podemos hablar de una aproximación a cómo funciona el mecanismo de interpretación auditiva y filtrado de ruido que utiliza el cerebro durante la comunicación oral.

Al terminar un ejercicio, English Training ofrece dos tipos de respuestas: cuando el jugador acierta, recibe una felicitación bastante efusiva, como por ejemplo, «Wow!» o «You're clever!» (sic). Por contra, cuando el jugador ha sido incapaz de resolver el ejercicio y ha tenido que pulsar el botón de «pista», recibe al final un sonoro abucheo. Podría considerarse que esta forma de implementar el mecanismo de acción-respuesta (base de toda jugabilidad) como exagerada e, incluso, cómica, y en cierto sentido, así lo es. Pero el sistema funciona excelentemente: es díficil no sentirnos más inteligentes cuando completamos un ejercicio con éxito, o algo culpables cuando no tenemos más remedio que pedir una pista —afortunadamente, English Training volverá a insistir en los ejercicios que hayamos fallado pasado un tiempo, dándonos la siempre bienvenida oportunidad de resarcirnos.

Para que el jugador observe sus progresos, English Training pone a su disposición gráficas donde se muestra la evolución de los ejercicios completados a lo largo de los días. Además, cuando el jugador termina los ejercicios del día, coloca un sello en el día del calendario. Estos dos elementos recrean muy bien la ilusión de progreso, que sirve como elemento adictivo para jugar un día sí y otro también.

Muchos videojuegos suelen tener enemigos poderosos y terribles conocidos como jefes o bosses. English Training no es menos: se denominan exámenes. Son una serie de ejercicios de dificultad elevada que se realizan contrarreloj. Al final (cuando toque la campana), tendrás una nota que indicará tu «nivel de inglés». El hecho de que al cargar la partida todos los jugadores puedan ver cuál es la nota de cada uno actúa también como un buen revulsivo para seguir practicando.

Para evitar la monotonía, English Training sorprende de vez en cuando al jugador con ejercicios que se salen del estándar del juego, más como divertimento que como auténtico valor didáctico. Además, English Training está provisto de un surtido de minijuegos relacionados (cómo no) con la práctica de escribir palabras en la pantalla inferior —minijuegos que se van liberando según avanzamos en el modo normal de juego.

Lo verdaderamente sorprendente de English Training es su habilidad para construir un videojuego sin la necesidad de crear su propio lenguaje, sino tomando diversas ideas y conceptos presentes en la cultura popular. El ahorcado, los ejercicios, los exámenes, las felicitaciones, los abucheos, la campana, las gráficas, etc son, a fin de cuentas, mecánicas y signos que cualquier persona conoce. No hay personajes, ni enemigos, ni escenarios, ni puntuaciones (al menos, a primera vista), ni fichas que se mueven por un tablero, ni ningún otro elemento que pueda ser habitual para el jugador medio. No es necesario haber jugado antes para coger el juego y empezar a disfrutarlo. Ésa es la belleza de English Training: cómo ha conseguido utilizar y convertir elementos de lo cotidiano para diseñar un videojuego accesible para todo el mundo.

Edge nº9

2007-01-28T23:23:00.000+01:00

Dispuesto a batir el récord de artículos en mi blog publicados en un mes, termino enero hablando del número 9 de Edge, publicado en diciembre del año pasado. Hay varios puntos que destacan bastante en este número, pero uno más que los demás.

Playstation 3. A estas alturas, la redacción española de Edge estará ya acostumbrada a que cada vez que en la revista se pone un comentario que hable bien de la nueva consola de Sony, sus ecos reboten por todos los foros españoles de Internet dedicados a los videojuegos, sirviendo de alimento a las constantes riñas del tipo «mi consola es mejor que la tuya» en las que tanto gustan participar esos jovencitos que ahora llaman fanboys. Estas riñas suelen terminar, por cierto, con un «se te ve el plumero». Aunque muchas veces también empiezan con un «se te ve el plumero». Al final, digas lo que digas no sirve nada porque siempre «se te ve el plumero».

Era de esperar pues, que un artículo entero dedicado a la Playstation 3, hablando bien de Playstation 3, no sólo retumbe por toda la «foroesfera», sino también que se convierta en un terremoto de grado 7, con cataclismos y maremotos de posts a porrillo. Al final, tampoco fue para tanto. Se cayó el servidor de Meristation durante una semana, pero no está claro que Edge haya tenido alguna culpa.

«Bueno, Julián, déjate de chorradas y dinos de una vez: ¿Es el artículo de Playstation 3 tendencioso?» Je je. La gente, en general, opina que sí. ¿Y qué opina el autor de Garthofismos al respecto? Bueno, tras leer el artículo dos veces, yo digo que las acusaciones han sido algo exageradas. Quizás el error de este artículo ha sido plantearlo como una comparativa PS3 vs. Xbox 360 en la quedara mejor PS3, antes que hablar de la PS3 a secas.

Hay otros artículos que merecen la pena de destacar, como el dedicado al juego multijugador y a la animación. El primero hace un repaso a cómo han implementado algunos juegos el modo a dos o más jugadores; en el segundo me ha sorprendido saber que Andy Serkis (conocido por sus papeles como Gollum y King Kong) tiene su propio estudio especializado en captura de movimientos.

Para terminar este comentario, Edge incluye al final de la sección de cartas un pequeño cómic, llamado Crashlander. En los últimos números ha criticado bastante a Sony. El de diciembre no es menos, pero esta vez me ha parecido bastante divertido.

EDITO: Corrijo algunos errores.

Heart of Darkness

2007-01-27T15:46:00.001+01:00

Hoy voy a ponerme las pilas nostálgicas de ion-litio (por cierto, blog que recomiendo) para rendir un pequeño homenaje a uno de esos grandes videojuegos que han pasado con más desgracia que fortuna por el mercado. Me estoy refiriendo al gran Heart of Darkness.

Estamos en el año 1998, final de milenio. Commandos se ha convertido en el juego estrella en España por derecho propio, los motores 3D empezaban a florecer, llegaba a las estanterías el reconocido Unreal y Playstation era ya la reina de las consolas (en dura liza con Nintendo 64). Los plataformas 2D son cosa ya del oscuro pasado.

Entre tanto bombo y platillo, con Prince of Persia 3D e Indiana Jones and the Infernal Machine a la vuelta de la esquina, entra en escena sin hacer demasiado ruido Andy, un chavalín inventor con las suficientes agallas como para penetrar el mundo de la oscuridad y recuperar a su querido perro Whiskey. Se trata de Heart of Darkness.

No podía pasar que un título legendario como este viniese al mundo sin cierta polémica. Bueno, podía haber pasado, pero no ha sido el caso de Heart of Darkness. Amazing Studios invirtió ~~cuatro~~ seis años para desarrollar esta obra maestra —y luego desaparecer, todo hay que decirlo—. No es de extrañar que Virgin perdiera la paciencia y desistiera de apadrinar el título, lo cual dio una oportunidad a Interplay e Infogrames (conocida ahora como Atari) de publicarlo —tras una disputa entre distribuidores.

¿Quién está detrás de Heart of Darkness? Pues nada menos que Éric Chahi, el creador del también legendario Another World, y que de un tiempo a esta parte ha estado preparando una edición especial del juego para celebrar el 15º aniversario de su publicación. Ese estilo tan particular que Éric Chahi imprimió en Another World también se respira en Heart of Darkness.

Y en cierta manera, Éric Chahi tiene un lugar importante en la historia de los videojuegos. ¿No está Flashback claramente inspirado, tanto en estilo como en mecánica, en Another World? ¿Y los dos primeros juegos de la saga de Oddworld, Abe's Oddysee y Abe's Exoddus —¡qué grandes fueron!—, no comparten también ese mismo espíritu?

Dejemos atrás la introducción histórica para hablar del juego en sí, empezando por el envoltorio. Como podéis observar en la foto, la caja sigue el antiguo modelo de cartón de los juegos de PC, pero con muchísima elegancia. El estuche incluía además unas gafas 3D para poder revisionar el vídeo final del juego en tres dimensiones, a la usanza de aquellas películas que ponían en los cines en los 70/80.

Durante la instalación del juego se nos van explicando cómo funcionan los controles. Esto me da pie a explicar uno de los puntos débiles del juego: tiene un control muy exigente. Por eso, recomiendo encarecidamente usar un pad para jugar a Heart of Darkness.

El juego comienza con una intro, que si bien técnicamente ha quedado un poco desfasada, está muy bien llevada y dirigida. Descubrimos que Andy es un niño muy imaginativo pero que tiene miedo a la oscuridad. Una tarde, durante un eclipse de sol, el perro de Andy, Whiskey, es secuestrado por unas oscuras formas. Nuestro protagonista no pierde un minuto y decide emprender un largo viaje para recuperar a Whiskey, un viaje a un mundo hostil donde habitan las sombras, un viaje hacia el Corazón de la Oscuridad.

La mecánica del juego consiste en ir llevando a Andy a través de numerosas pantallas situadas en los más típicos entornos de los videojuegos: cavernas, volcanes, selvas, cuevas submarinas, etc. Hay dos tipos de pantallas:

Las que están llenas de enemigos, donde Andy tendrá que usar todas las armas que tenga a mano para deshacerse de ellos. Destacan aquí la cantidad de enemigos (principalmente sombras) que aparecen simultáneamente en pantalla y las múltiples y variadas animaciones que realizan cada uno de ellos. Por cierto, las sombras que atacan a Andy recuerdan mucho a aquellas que tantos problemas le daban a aquel par de críos que deambulaban por un enorme castillo buscando una salida (me estoy refiriendo a Ico).
Aquellas que tienen puzles a vida o muerte. Estas pantallas se resuelven principalmente mediante ensayo y error. Algunos puzles se reducen a pulsar el botón correcto en el momento adecuado y otros requieren ciertas dosis de ingenio, paciencia y observación. El problema aquí es que los errores que cometamos casi siempre suelen costarle la vida a Andy y nos obligarán a reiniciar la pantalla. Esto, unido a una dificultad bastante elevada, exasperaba con bastante facilidad al jugador y se convirtió en otro de los puntos negros del juego.

En lo que a gráficos respecta, son preciosos pero se dibujan a muy baja resolución (640x480), y para colmo sin ocupar el total de la pantalla. Tampoco importa demasiado porque la jugabilidad es totalmente absorbente. En cuanto a animaciones, los animadores se han recreado especialmente con Andy y con las sombras, con una calidad y variedad muy elevada. Es una pena, sin embargo, que el juego se mueva a una tasa de frames por segundo bastante baja.

Para terminar con el apartado técnico, hablaré un poco del sonido. Aunque hay muchos efectos de sonido y de bastante calidad, estos quedan eclipsados por la impresionante banda sonora, interpretada por la Orquesta Filarmónica de Londres. Así es, Heart of Darkness fue uno de los primeros juegos en los que su banda sonora ha sido grabada íntegramente por una orquesta, y suena de lujo. En cuanto a los diálogos, el juego está traducido y doblado al castellano, con algunas voces de dobladores conocidas; aunque choca un poco que no hayan doblado los gritos que hace Andy de vez en cuando durante el juego.

Heart of Darkness es, en suma, un juego brillante, pero quizás su compleja y por veces exasperante mecánica le haya hecho bastante daño como para poder triunfar en el mercado. Disfrutar de Heart of Darkness requiere tranquilidad y compromiso, dos cualidades que (para bien o para mal) ya no están presentes en muchos de los jugadores de hoy en día. A pesar de su inicial aspecto infantil, el juego destila humor negro y satírico por muchas de sus partes, en absoluto destinado a los para niños. Puede que esta contradicción entre el estilo visual y la temática real hayan influido en el escaso éxito que tuvo Heart of Darkness cuando salió a la venta.

Aquellos que estén dispuestos a aceptar el desafío que propone Heart of Darkness no se sentirán en absoluto defraudados. La odisea que Éric Chahi construye alrededor de Andy no es una aventura cualquiera, es una valiente inmersión en ese rincón oscuro del corazón donde guardamos los miedos y temores de aquel niño que una vez fuimos.

Computer Gaming World. Edición española. Números de julio y agosto de 1998.
Artículo de la Wikipedia dedicado a Heart of Darkness.
Página web de Éric Chahi. Permite descargar Another World.

EDITO: Corrijo un error en el título de la entrada.
EDITO: Según esta reciente entrevista, el desarrollo de Heart of Darkness no duró 4 años, ¡¡sino 6!!

Ya tengo trabajo

2007-01-22T22:04:00.000+01:00

Pues para los que no lo sepáis, hoy he empezado a trabajar en el Instituto de Investigaciones Tecnológicas de Massachu... estooo, de Santiago de Compostela, en calidad de becario/bolseiro. Seguiré viviendo en Coruña, lo cual quiere decir que cada día me echaré entre pecho y espalda unos 150 km de viaje entre ires y venires.

En principio, el grupo del área de sistemas en el que me encuentro está trabajando en un proyecto para los PDAs que utilizan los guardias de los aparcamientos urbanos de La Coruña y Orense (la famosa O.R.A., los aparcamientos de líneas azules). Esto significa que tengo que aprender C# y el .NET Compact Framework, aparte de saber manejar Visual Studio .NET 2003. Menos mal que C# es parecido a Java. Y en ello estoy, esta semana y puede que la siguiente estaré en fase de aprendizaje para luego poder entrar a trabajar ya en serio en el proyecto.

¿Significa esto que me he olvidado de los videojuegos? En absoluto. Sigo atento a las diversas ofertas de trabajo que aparecen y seguiré trabajando para tener un lugar en la industria, ahora o más adelante. Entrar en la industria de los videojuegos no es fácil, como programador no conozco los entresijos de C++ ni del API de DirectX, como artista 3D estoy aún muy verde si me comparo con aquellos que ya llevan años dedicándose al diseño gráfico y como diseñador de juegos (que es lo que me gustaría ser), bueno, aún me falta experiencia en el desarrollo de juegos. Pero sigo intentándolo, y aprovecharé que Nae me da una oportunidad para demostrar que yo también puedo. Esperemos que no quede en agua de borrajas :D.

37 entradas

2007-01-14T14:29:00.000+01:00

Hoy mi blog cumple un año. El 14 de enero del 2006 aparecía mi primera entrada, de manera un tanto vacilante, he de admitir :D. Y con esta, hoy ya van 37 entradas. No son muchas entradas, lo sé, pero sí las suficientes para que seguir escribiendo aquí esté de alguna forma justificado —al menos durante otro año más ;).

¿Ha salido el blog tal y como yo pensaba que saldría? Pues no exactamente. Cuando inicié este proyecto, pensaba escribir entradas más cortas y publicar una a la semana. El resultado es que el ritmo de publicación ha sido del todo irregular, y con entradas muy largas. Y sé que esto va un poco en mi perjuicio pues no es precisamente la mejor manera de atraer público al blog. En general, suele llevarme como mínimo una hora de media escribir y maquetar una entrada. Es mucho tiempo, lo que hace que suela pensármelo dos veces antes de escribir algo en el blog —hay entradas que me han llevado mucho más (llegando incluso a las tres horas)—.

Por todo ello, tomé la decisión de colocar al menos una imagen en cada artículo, porque entiendo que hace más ameno el texto, ayuda a descansar la vista y queda realmente muy bien. Desde hace unos cuantos artículos las imágenes que cuelgo están licenciadas bajo Creative Commons, porque entiendo que no puedo pedir que respeten la licencia CC a la que está sujeta mi blog si yo mismo ando rompiendo las normas poniendo fotos con copyright. Para encontrar imágenes me es especialmente útil este buscador que os enlazo aquí.

En cuanto a los artículos que he escrito, los hay mejores y peores, lo reconozco. Quizás, creo que con el que he quedado más contento ha sido con el De privacidad va la cosa, con el que supongo que he conseguido más visitas de lo habitual por eso de que me enlazó Topopardo —no tengo forma de saberlo exactamente, dado que no las cuento—, pero lo imagino :D. También me ha gustado ¿Y por qué no juegos de mesa? y Perdidos en el valle de los extraños. Me fastidia cuando me paso casi una hora escribiendo algo y no queda bien; ha sido el caso de Sí, ya está aquí, la entrada en la que hablo sobre el E3 y Wiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii!!!!!! —sí, cuando el nombre de la entrada es algo desafortunado, mala señal :P

Por último, quería hablar un poquillo de Blogger. Llevo ya un año con él, así que creo que tengo el suficiente bagaje como para poder opinar un poco. Primeramente, comentar que para la forma en que yo lo uso está bien, sobre todo después de la Beta. En serio, si eres un powerblogger probablemente Blogger se te quede corto, pero si sólo te preocupa escribir tu entrada y publicarla Blogger te da el resto del trabajo ya hecho: eliges una plantilla de diseño para el blog y ya puedes empezar.

La nueva versión de Blogger permite además tunear un poco el diseño sin tener que toquetear el código como en la antigua versión. Además, el hecho de poder usar mi cuenta Google con Blogger es para mí una gran ventaja (para otros puede que no).

Sin embargo, hay cosas que hecho de menos. El editor WYSIWYG de Blogger está bien, pero es un poco limitado. Tenía la esperanza de que lo mejorarán en la nueva versión, pero nada. Está muy bien, que conste, pero no es el Word, desde luego. Blogger tampoco da soporte a trackbacks, lo cual me parece un fallo importante.

Pero bueno, a ver si algún día lo ponen. Han puesto las etiquetas, lo cual ya en sí es una delicia. Habrá por ahí gestores de contenidos mejores y peores, pero mire usted, a mí Blogger me vale.

Y para acabar por fin esta entrada,

¡Feliz cumpleaños, Garthofismos!

Edito: Corregido el enlace de la foto.

¿Vemos lo que queremos ver?

2007-01-08T23:41:00.000+01:00

Eduard Punset es uno de los divulgadores científicos más conocidos aquí en España. Aparte de su programa Redes, que creo que se sigue emitiendo a horas intempestivas, escribe también artículos en la revista XLSemanal y tiene su propio blog.

Precisamente leí un artículo suyo muy interesante en el XLSemanal en el que trataba el tema de la percepción. Varios de los puntos que comenta más o menos ya había llegado yo a concluirlos en alguno de esos momentos cuando estoy a solas y me pongo a filosofar ;D. Me ha gustado mucho la cita que hace del neurólogo Richard Gregory y que me atrevo a incluir aquí también:

Las percepciones son ilusiones controladas.

Todo lo que vemos es fruto de nuestra imaginación. Por ejemplo, los colores, como comenta Punset, no existen en realidad, no son más que diferentes longitudes de onda que nuestro cerebro interpreta como rojo, azul o verde. Así, existe una realidad que emite señales que nosotros percibimos e interpretamos para construir una idea del mundo.

Una idea del mundo, por tanto, inevitablemente sesgada, subjetiva. Comparativamente hablando seguimos dentro de la famosa caverna, viendo las sombras que se dibujan en una pared, sólo que alguien ha cerrado la puerta con llave y no podemos salir. Diréis que hoy en día existen máquinas capaces de captar señales que no podemos sentir por medios naturales, bueno, eso es casi como mirar por el rabillo del ojo ;)

Tenemos tendencia, además, a pensar que nuestra idea del mundo es la realidad. Tanto es así que cuando no percibimos algo, directamente pensamos que no existe. Es un poco como aquel acertijo que dice: «Si un árbol cae en medio del bosque y nadie puede oírlo, ¿suena el árbol al caer?»

Podemos responder que sí, que claro que suena, pero tras pensarlo un poco, desde el punto de vista científico, creo que la respuesta más acertada es que no, dado que el sonido sólo existe dentro de nuestro cerebro (lo que hay fuera no es más que aire vibrando). Entonces, cuando no percibimos algo y por tanto pensamos que no existe, ¿no estamos verdaderamente en lo cierto?

Para terminar, si la realidad no es más que una idea que nosotros generamos, un espacio de sensaciones en el que estamos situados en el centro, no parece del todo erróneo pensar que podemos alterar esa idea de realidad para satisfacer nuestra propia idea de la misma. Está claro que cada uno ve el mundo a su manera, pero puede que además creo que nosotros actuamos y percibimos, quizás inconscientemente, el mundo para satisfacer esa idea que ya tenemos de él.

Quizás te preguntes por qué siempre que sales a pasear y llevas el paraguas porque crees que va a llover, no llueve. ¿No será que realmente sabes que no va a llover, pero necesitas satisfacer esa idea que tienes del mundo según la cual cuando sacas el paraguas a la calle no llueve?

5 cosas que probablemente no sabes sobre mí (o sí)

2007-01-05T00:15:00.000+01:00

Nacho, acabas de mandarme un meme muy cotilla. Yo, que trato de guardar mi privacidad en la medida de lo posible, me veo ahora entre la espada y la pared. ¿Qué hago? ¿Finjo que no lo he visto y paso de responder, o me atrevo con ello...?

Bah, venga, te respondo, pero ya que has hecho algo de trampas (porque un par de puntos ya me los conocía), yo redoblo las trampas XD:

Estudié en un colegio público.
Soy miope.
No sé escribir con estilográfica, y lo he intentado :(
Si me meto en cama con calcetines, estaré sin dormir pensando en los calcetines, hasta que finalmente termine por quitármelos.
Me disgusta conducir, pero saqué el carnet a la segunda :P. Lo raro es que me gusta Gran Turismo, que alguien me lo explique.

Como ves, me he inspirado en ti :P. Y eso es todo. El que quiera seguir el meme y pueda con ello, aquí lo tiene.

¡Feliz Navidad 2006!

2006-12-22T16:28:00.000+01:00

Hay ciertos momentos de nostalgia en que echo de menos aquellos tiempos de niñez donde el mundo parecía más sencillo. Por un lado, había buenos y malos y, yo, obviamente, estaba de parte de los buenos, que siempre ganaban. Aunque he de reconocer que los malos tenían su encanto, en especial porque podían hacer lo que les daba la gana: reírse en la cara del superhéroe, hacer explotar edificios y crear planes tan locos como geniales. De pequeño, me gustaba hacer de malo cuando jugaba con mi hermano, y a él le gustaba hacer de bueno, así que sobre eso no había discusión —discutíamos por otras muchas cosas :).

También en mi niñez pensaba que los mayores complicaban demasiado las cosas, que todo era mucho más sencillo y que, en cierta manera, cuando creciese todo sería un camino de rosas. De tal guisa, el mundo giraba entorno a mí y yo era el más listo del mundo...

A pesar de ser tan egocéntrico por aquel entonces —los niños suelen serlo—, afortunadamente he cambiado. Quizás a mi pesar, no lo tengo claro, también he dejado atrás aquella inocencia de aquel entonces. Ahora sé que el mundo seguirá girando aunque yo le diga que pare.

Creo que debemos aprovechar estas fechas para seguir mirando al mundo con ojos de niño. No de aquel niño solitario que miraba al mundo como si fuese a comérselo, pero sí como aquel niño inocente que podía confiar en los demás.

Queridos amigos y lectores,

Y próspero Año Nuevo.

Edge nº8

2006-12-20T19:16:00.000+01:00

Llegas a tu kiosko habitual con la mirada anodina, pensando a ver qué traerá la Edge de este mes. El kioskero tenía la revista ya guardada para ti; y cuando ves que en la portada aparece un viejo escudo, gastado, curtido en cientos de batallas, con sencillos relieves y con la marca de los tres triángulos dorados labrada en su centro, no puedes evitar sonreír, y en tu mente vuelve a sonar aquella preciosa melodía...

Esta pequeña entrada, épica y a la vez ficticia, me sirve para presentar el número de noviembre de la revista Edge, con portada dedicada a una saga que es prácticamente en sí una leyenda en los videojuegos, La leyenda de Zelda. Quizás ésta sea la portada más bonita de todos los números de Edge publicados en España. Comento ahora algunos de los reportajes que más me han llamado la atención de la revista.

Empiezo con el del Tokio Game Show, que justamente en su décimo aniversario pasa por horas bajas. Condensar en dos páginas todo lo ocurrido durante el evento puede parecer quizás prepotente. Que nadie se lleve a engaño: lo es :P De todas formas, el artículo está muy bien y me ha hecho reír un poco, sobre todo por la forma de meterse con Sony. Al hilo del anuncio de la base de datos que Sony pretende crear donde se recogerán y se dará acceso a contenidos generados por los usuarios y desarrolladores para evitar posibles atascos en la industria actual (juegos, farmacéuticas, etc), comenta:

Fue frustrante que hubiera pocas referencias a la inminente aparición de PS3 [...]. Los que estaban siguiendo el discurso reaccionaron con risitas, miradas, cejas levantadas y también había quien pensaba, sin duda, que si Sony es capaz de resolver crisis monumentales como estas con tanta habilidad, debería olvidarse de los juegos y ponerse a buscar una cura para el cáncer.

Y, minutos más tarde, llegó. En agosto ya se anunció que Sony invertiría en el proyecto Folding@Home de la Universidad de Standford, que aprovecha los tiempos muertos de la CPU de ordenadores voluntarios para trabajar en la estimulación intensiva de desarrollo de proteínas.

Me alegra saber que el género de aventuras gráficas aún no está muerto del todo, en parte gracias a Jensen (creadora de Gabriel Knight) que comenta en una entrevista que está preparando un nuevo juego basado en la mecánica de point-and-click llamado Gray Matter. A mí los juegos de terror psicológico no me van mucho, pero tienen su nicho de mercado. De todas maneras, la Nintendo DS también parece un buen para desarrollar una aventura gráfica, a ver si los desarrolladores se animan.

Pasemos ya a hablar del corazón de la revista, los reportajes. Cómo no, el de este mes dedicado a la saga Zelda. Buenísimo el reportaje, hace un repaso bastante completo a todos los títulos publicados, que han encandilado a varias generaciones de jugones. El artículo termina con un breve análisis de las primeras horas de juego de Zelda: Twilight Princess, que no he leído para que el día que lo tenga pueda disfrutarlo al completo en todo su esplendor.

Más adelante aparece un reportaje de Wii, tratando algunos aspectos de esta consola. Me ha parecido encontrar algún que otro error técnico en lo referente a la barra sensora. Que a mí me conste, la barra sensora tiene de sensora sólo el nombre, pues en realidad no es más que un trozo de plástico con cuatro leds (dos en cada extremo) que emiten en infrarrojo, y se utiliza para que el usuario pueda apuntar con el mando a la pantalla.

En cuanto a análisis, este número habla sobre Okami, juego sobresaliente por el que se ha montado una plataforma para que venga traducido al español. El que sí no ha salido muy bien parado en su última aventura ha sido George Stobbart, protagonista de un Broken Sword que ya no es lo que era:

Los puzles, los enigmas tienen soluciones extrañas e impredecibles. Cecil acaba perdido y ofrece un resultado basado en ensayo y error. Peor aún, algunos sólo se resuelven si tiene lugar una estricta secuencia de acciones y diálogos.

Para quien no lo conozca, Charles Cecil es el director de esta emblemática saga. Ey, ¿no era eso de lo que se quejaba Ron Gilbert, creador de Monkey Island, cuando nos explicaba porque las aventuras gráficas apestan?

Llegamos al Fórum, o lo que es lo mismo, la sección de cartas de los lectores, y comprobamos que siguen las críticas a la revista. El lector de Edge es exigente, y hay alguna carta que está realmente bien. Que Edge continue.

¿Y por qué no juegos de mesa?

2006-12-11T15:06:00.000+01:00

Según el Corte Inglés y demás centros comerciales, ya estamos en Navidades. Llega la época de las reuniones familiares, las cenas y los regalos. A la gente de mi edad, que ya no le damos tanto a los juguetes (en general), suele ser una buena opción regalarnos algún que otro videojuego. Y no me parece mal, pero aquí voy a hablar de otra opción perfectamente válida: los juegos de mesa.

No me gusta generalizar, pero tengo la impresión de que en España no somos muy dados a jugar a juegos de mesa. Quizás sea porque los que se venden mayoritariamente suelen ser el Monopoly, el Trivial Pursuit, el Pictionary, el Scattergories, el Party & Co., etc que prácticamente todos tenemos en nuestra casa. Sin embargo, existe un universo de juegos de mesa mucho más enorme, no necesariamente enfocados a un público infantil, con mecánicas lo suficientemente adictivas como para que unos amigos puedan pasar una tarde entretenida.

Devir es una editorial española afincada en Barcelona que tiene un buen surtido de juegos de mesa con mecánicas alejadas de los juegos tipo parchís —o sea, de dar vueltas alrededor de un tablero—. Podéis consultar su catálogo aquí. Mencionaré dos que me han llamado la atención y que aparecen además también en el catálogo del Corte Inglés:

La fuga de Colditz. Se trata de una reedición del clásico de los años 80 que había sido publicado por la ahora extinta editorial NAC. Cada jugador controla un equipo de prisioneros encerrados en una cárcel de máxima seguridad durante la 2ª Guerra Mundial, mientras que otro jugador controla al equipo de guardias encargados de impedir que los prisioneros se fuguen. La mecánica del juego consiste en que los jugadores van moviendo sus piezas por el tablero para consiguir cartas y objetos que les permitan lograr la fuga de algún prisionero y los guardas intentando frustrar cualquier plan de los demás jugadores.

He tenido la oportunidad de echar una partida, y la verdad es que me ha gustado. Quizás su mayor problema es que inicialmente es un poco complejo y la acción de verdad tarda bastante en arrancar, mientras los jugadores no sitúan sus piezas en lugares estratégicos y consiguen el equipo adecuado. Puede parecer además que el jugador que juega como nazi tiene mucha más ventaja que los demás; esto es cierto, y es por ello que los demás jugadores deben aliarse para conseguir fugar a los prisioneros —aunque tampoco deben olvidar que están compitiendo entre ellos para intentar fugar al mayor número de prisioneros.

Vamos, aunque no he podido probarlo demasiado lo recomiendo. Mi mayor temor con este juego es que al final no sé si a base de jugar partidas los jugadores acabarán descubriendo estrategias que siempre funcionan —a pesar del fuerte componente aleatorio del juego que proporcionan las cartas y los dados— y que esto acabe haciendo las partidas algo monótonas. Tengo que decir que, por las críticas que he leído, no parece que sea así. Igual mi mayor problema es encontrar suficiente gente para echar una buena partida :)
Colonos de Catán. Me interesé por este juego porque aparecía en el catálogo de juguetes del Corte Inglés al lado de La fuga de Colditz. Se trata de un juego bastante famoso según parece, originario de Alemania, y es lo más parecido a un Civilization que he visto nunca fuera del ordenador. Los jugadores, antes de empezar la partida, construyen una isla situando los diferentes tipos de tierra que producen distintos tipos de recursos. Al comienzo de la partida, cada jugador coloca dos poblados en la isla. Cada poblado proporciona a sus dueños cartas de recursos dependiendo de los tipos de terreno adyacentes al poblado y de una tirada de dados. Estos recursos pueden ser usados para comerciar con jugadores, obtener cartas especiales o construir carreteras, poblados o ciudades. El jugador que haya obtenido 10 puntos de victoria, determinados a partir del número de poblados o ciudades que posea el jugador y otras condiciones especiales, gana la partida. Si tenéis interés, os recomiendo seguir este tutorial interactivo (necesita javascript) para entender mejor la mecánica.

El juego me ha interesado por varios motivos, entre ellos está el hecho de que el tablero se construye al azar, con lo cual no hay dos partidas iguales, y que un jugador no puede destruir a otro (puede fastidiarlo, eso sí). No he tenido oportunidad de probar una partida de verdad, pero a ver si lo cojo en el Corte Inglés y si tal ya lo comentaré con más detalle más adelante.

Me ha llamado también la atención que Devir tenga también en su catálogo el juego El Señor de los Anillos, más que nada porque su creador, Reiner Knizia, habla de su juego en el libro de diseño de juegos que estoy leyendo, Rules of play, y me he quedado con las ganas de probarlo. La mecánica está interesante: si no recuerdo mal cada jugador mueve su ficha por varios tableros que representan la Tierra Media intentando llevar el anillo al monte Destino (siguiendo el argumento de los libros de Tolkien); pero además hay otra ficha que también se mueve: se trata de Sauron, que no está controlado por ningún jugador y que intentará corromper a los demás jugadores para que no puedan llegar hasta el final. La idea de que los jugadores jueguen, no contra el tiempo ni contra los demás, sino «contra el destino» (representado por la ficha de Sauron) me pareció bastante interesante y, en cierto sentido, es bastante fiel a la idea del libro.

Otro juego que me ha llamado la atención, lo comentaban en el podcast Gaming Steve Episode 48, es Ticket to Ride. Muy someramente, el juego consiste en crear rutas comerciales entre distintas ciudades aprovechando las vías de ferrocarril que aparecen en el mapa (echadle un vistazo pinchando aquí). Todos los comentarios que hacían sobre el juego en el podcast me gustaron, sin embargo creo que aún no se ha publicado en España (y no sé si lo hará algún día). Si alguien viaja fuera de España y lo ve, que le eche un vistazo: tiene buena pinta.

Bueno, es posible que en este país quizás haya cierto rechazo social a los juegos de mesa que no sean el tute y el mus. Pero, la verdad, no tiene por qué ser así. Hay juegos de mesa buenísimos, con un diseño (visual y a nivel jugable) excepcional, divertidísimos, y que pueden ser un regalo estupendo para estas Navidades. ¿Alguien se atreve a añadir alguna propuesta en los comentarios?

ACTUALIZACIÓN: Afortunadamente, tengo que retractarme de una de las cosas que he comentado en este artículo. Me he enterado por el fantástico blog Juegos de Mesa (Eurogames) que Ticket to Ride sí ha sido publicado en España. La editorial Edge Entertainment lo ha publicado con el nombre de ¡Aventureros al tren! y fue nombrado juego del año en 2004.

En la página web del juego (por cierto, con bastante Flash) podéis ver que han salido dos ediciones básicas (una ambientada en Europa) y una expansión, y parece que próximamente van a lanzar una nueva expansión. También podéis seguir una explicación interactiva de cómo funciona el juego y si os gusta, comprarlo en la tienda online. Hala, ya no hay excusa para que no os subáis al tren :P

EDITO: Corrijo un error gramatical.

Nos discriminan (pero positivamente, eh) ... En fin :-/

2006-12-08T13:01:00.000+01:00

Hoy toca post social, y algo incendiario. Agarraos al asiento ;).

Estos últimos días se han sucedido una serie de noticias muy relacionadas con el feminismo y la discriminación. Por cierto, yo siempre había entendido el feminismo como lo contrario al machismo; así, si al machismo le dicen "actitud de prepotencia de los varones respecto de las mujeres" (RAE dixit), pues pensaba que el feminismo sería "actitud de prepotencia de las mujeres respecto de los varones"; pero resulta que no, que el feminismo pretende la igualdad de derechos entre hombres y mujeres (y lo dice la RAE, segunda acepción). Así que como solución, se ha empezado a utilizar el término «hembrismo», que la RAE aún no acepta y a mí, de momento, tampoco me termina de gustar.

La primera noticia que comento es ese intento del Instituto de la Mujer por introducir nuevos «palabros» que permitan que la lengua nos representen por igual (eso dicen). Según la directora de dicho instituto, quien habla únicamente de «miembros» excluye en su discurso a los miembros femeninos —a las mujeres, vamos—, así que propone en su lugar usar «miembros y miembras» (entre otras alternativas). Nos cargamos así por las buenas el género neutro, heredado (si no recuerdo mal) del griego, pues parece ser que para la presidenta del Instituto de la Mujer no cabe otra cosa que pensar que los nombres acabados en o son masculinos por antonomasia. No dice nada esta señora acerca de añadir también «palabros» al diccionario como «tenisto» (¡qué listo!), «atleto» (¡cateto!), etc. En este remolino de lengua al que nos ha arrastrado la repugnante corrección política, no sé yo si al final acabaremos hablando del estilo: «Los niños y las niñas buenos y buenas juegan con sus papás y sus mamás que los y las quieren mucho y mucha (¡ups!)».

Por otra parte, la violencia de género, o violencia doméstica, o como la quieran llamar, es uno de los temas más usados por los medios de comunicación hoy en día. Existe, se trata de casos muy graves y serios, y se nos ha impuesto una ley para intentar remediarlo. Más tarde, me entero en Menéame la otra cara de la realidad. Para quien no conozca Menéame, se puede definir como un lugar de marujeo acerca de Linux, la SGAE y Windows Vista :). Pero de vez en cuando salen noticias interesantes a portada, como ésta, en la que se nos comenta que muchos hombres no son capaces de superar una separación matrimonial y terminan suicidándose. En los divorcios, las mujeres tienen mucho más poder que los hombres. Y esto es así porque hay la ley las ampara más que a nosotros. Cito directamente del blog Alas Negras:

[...] Es muy fácil para una mujer desgraciar la vida de un marido incluso de un novio o solo un conocido. Basta una denuncia verbal, ni siquiera tienen que presentarse en comisaría y enseñar un moretón… les basta el teléfono para que la policía busque al hombre, le tome declaración y le encierre un día entero en un calabozo. En ningún otro país de Europa existe algo similar…

Os recomiendo leer la entrada entera porque es muy interesante. Parece que estamos pasando de una sociedad machista a una completamente hembrista (¡ay, no me gusta este término!). Una cosa es el clásico tópico de la mujer superinteligente y el marido estúpido. Lo vemos constantemente en la tele (bueno, yo ya veo poco la tele): mirad los anuncios de juguetes en los que se ve a la familia jugando a algo, veréis como el padre casi siempre hace de tonto... Lo vemos también en los Simpsons y en otras muchas series familiares: las mujeres son listas, educadas y limpias y los hombres estúpidos y violentos. Este tópico es todo un clásico y no es que esté mal (da mucho juego a cuentacuentos y publicistas), pero el problema viene cuando la sociedad empieza a creérselo.

Me atrevo a sugerir, por la cuenta que me tiene, la creación de un Instituto del Hombre, que nos «defienda» un poco de todo esto. A fin de cuentas, si las mujeres con su instituto pueden chupar del bote, ¿por qué no nosotros? Me imagino al director del Instituto del Hombre increpando con vehemencia a la RAE por no haber incluido en la última edición de su diccionario un término tan políticamente correcto como «persono» (para poder hablar con propiedad de personas que no son mujeres), presentando informes concluyentes pagados por nosotros acerca del predominio de la cultura «hembra» en los videojuegos, o promulgando la necesidad de que el Gobierno cree alguna que otra ley que discrimine a las mujeres, positivamente, claro. Y así, ya tendríamos el esperpento al completo, señores. Y señoras.

EDITO: Corrijo un pequeño error ortográfico.
EDITO: Corrijo un error de redacción.

Edge nº7 y... ¡Xtreme!

2006-11-25T00:42:00.000+01:00

Con el número 8 recién salido a la calle, procedo a dar mi valoración sobre el número cuya portada está dedicada a Viva Piñata. Me he retrasado en parte por aquello de que quería analizar conjuntamente este número con el (de momento) suplemento Xtreme que viene junto con la Superjuegos y que ha empezado su andadura hace poco.

Comencemos con la Edge, este número me ha resultado bastante interesante. Quizás en tema de reportajes me ha llamado la atención especialmente el de Viva Piñata —la extraña apuesta de Rare muy en la línea de Tamagotchis evolucionados (captura tus piñatas, críalas, no te olvides de cuidar el jardín, etc)—, no sólo por el contenido sino que también por su maquetación y por ese toque tan tutti frutti que rebosa cualquier captura del juego; realmente, entrañable.

Pero si hablamos de maquetación, realmente hay que quitarse el sombrero (si lo llevara puesto) ante el reportaje de Spore. Sospecho que el artículo pertenece a algún número más antiguo de la Edge original, pero ¡quién tuviera un póster gigante con la imagen que aparece en la primera página del reportaje! Hablando de Spore, tengo mis dudas de que este juego realmente llegue a triunfar —demasiado complejo, demasiado grande, demasiadas opciones, ...— pero el señor Will Wright es quien está detrás de este invento y tiene plena confianza en él. Mientras tanto, admirad este vídeo de la Game Developers Conference del 2005 y pensad que es probable que el año que viene ya esté en las estanterías —espero.

La sección A fondo habla ligeramente de 3ds Max y Maya, antiguos rivales que ahora conviven bajo un mismo techo (Autodesk). Ya lo he dicho antes: que estaría bien que para la próxima versión de Max decidieran no añadir ninguna característica nueva, pero a cambio hacer el programa más estable. Sencillamente, porque lo que ha ocurrido con la versión 8 (antes de sacar los parches) es casi de vergüenza —aunque entiendo que Max es un programa complejo.

Pasemos ahora a hablar de la Xtreme. Sentí curiosidad por este suplemento que en algún foro calificaron como mejor que la Edge. Así que fui al kiosko y cogí el número 169 de la Superjuegos para comprobarlo yo mismo personalmente. El suplemento en sí viene grapado en el interior de la propia Superjuegos, pero no sé si a día de hoy ya se vende como revista independiente.

La Superjuegos, sigue en su línea: mucha imagen, poco texto. Xtreme, por contra, es ciertamente todo un contrapunto, mucho más acertado desde mi punto de vista. Un diseño más limpio, con artículos curiosos que da gusto leer. Quizás le pierde un poco algunos dejes un tanto vulgares que aparecen de vez en cuando como herencia de la Superjuegos, así como su (cuanto menos) estrambótica contraportada. Me ha gustado especialmente una sección denominada Try again, que habla de grandes joyas que «han pasado desapercibidas a los ojos del gran público» —siguiendo el tópico—, el de este número dedicado a Psychonauts.

Por lo que he visto, sí, es mucho mejor que la Superjuegos, pero no, no es mejor que la Edge. Es loable, sin embargo, este intento de evolucionar y de atraer a los lectores habituales de Superjuegos a algo más que al típico mundo comercial que suelen tratar otras revistas del sector. El camino que les queda por recorrer es largo, y espero que les lleve a buen puerto.

Hablemos de inmersión

2006-11-14T00:44:00.000+01:00

Hablamos de inmersión en los videojuegos cuando el jugador olvida completamente el entorno físico que lo rodea y termina por creer como real el entorno virtual representado en la pantalla del ordenador. Los momentos más intensos de inmersión han sido denominados por el psicólogo Mihaly Csikszentmihalyi como estados de flujo.

El estado de flujo se encuentra a medio camino entre la ansiedad y el aburrimiento, estados por el que todo jugador experimentado habrá pasado alguna vez en su vida. Si los retos que propone el videojuego superan con mucho la habilidad del jugador, el resultado es una experiencia negativa e intimidatoria (ansiedad). Por contra, un juego incapaz de proponer retos que no estén al nivel de la pericia del jugador provocará en él puro y llano aburrimiento. El equilibrio entre los retos del juego y la habilidad del jugador conducen a una experiencia placentera, al estado de flujo.

En los cortos momentos en los que el jugador alcanza el estado de flujo, sufre una pérdida de autoconsciencia a favor de disfrutar de una experiencia mucho más intensa. El jugador se convierte en parte misma de la experiencia, es decir, en una parte más del juego. Durante breves instantes puede decirse, aun a riesgo de ser pedante, que el jugador es «uno con el juego».

Hoy en día, en los inicios de una nueva generación de videojuegos, los estudios de desarrollo tienden cada vez más hacia el hiperrealismo. Son varias las causas que alimentan esta tendencia, pero quizás la principal sea que el público así lo pide, convencidos de que este hiperrealismo conduce a experiencias mucho más inmersivas, por tanto, a alcanzar el estado de flujo más fácilmente. Es probable que muchos desarrolladores compartan también esta manera de ver las cosas.

Parece ser, pues, que la palabra clave que justifica toda la evolución gráfica que se ha ido produciendo en la historia de los videojuegos a lo largo de las seis o siete generaciones que llevamos ya de videoconsolas es inmersión. Sin embargo, yo no considero que la inmersión esté asociada necesariamente al realismo gráfico.

El hombre lleva experimentando estados de flujo desde hace mucho tiempo. El estado de flujo no es propio únicamente de los videojuegos, se produce también en otras actividades que no tienen nada que ver con los juegos. Y si consideramos que también es posible en los juegos de mesa, cuanto menos también tenía lugar cuando la gente jugaba a aquel primer Pong, o al Breakout o incluso al Tetris. Por esto, no es necesario acercarse al realismo para inducir momentos de inmersión.

Es decir, que para conseguir inmersión no hace falta diseñar un motor gráfico potente; tampoco el juego necesita de un argumento elaborado o de personajes más o menos carismáticos. Basta con plantear una experiencia jugable que entretenga al jugador. El estado de flujo es posible porque el jugador llega a una especie de «acuerdo tácito» con la representación física (visual, sonora y táctil) que ofrece el juego: hace el esfuerzo inicial de creerse lo que sale por pantalla —lo que equivale a aceptar y entrar en el círculo mágico del juego— a cambio de la experiencia de entretenimiento que espera encontrar.

Ocurre lo mismo mientras vemos una película: mediante algún mecanismo semiautomático de nuestro cerebro, aceptamos por momentos que lo que sale en pantalla realmente es real, que ocurre ante nuestros ojos de verdad, y ni los cambios de cámara, ni el hecho de que estemos en una sala a oscuras rodeados de gente que miran atentamente una gigantesca pantalla iluminada por un proyector, ni siquiera los efectos especiales que desafían las leyes de lo común consiguen romper la ilusión de que aquello es sólo una película.

Volviendo a los videojuegos, puede decirse que los estudios de desarrollo se equivocan de camino. Tampoco esto es totalmente cierto. Hasta aquí creo haber demostrado que se puede conseguir tanta inmersión jugando al parchís como al más reciente Gears of War, pero en absoluto olvido que la evolución tecnológica es buena, en el sentido de que cada nueva generación abre más el abanico de posibles experiencias jugables. Los diseñadores de hoy en día no cuentan con las limitaciones creativas que imponían la tecnología de los años 70-80, y los jugadores ya podemos vivir nuestras propias aventuras en bastos mundos que evolucionan a lo largo del tiempo. Incluso el auge del juego online implica que cualquiera puede compartir su experiencia con alguien que vive en el otro lado del globo. Y quién sabe en esta nueva generación que ya está aquí lo que viviremos (quizás motores de física más potentes, quizás IAs más convincentes —que no más inteligentes, que conste—, quizás miles de personajes no jugables en escenarios inabarcables, quizás controles más físicos, etc).

Es curioso, pero el excesivo realismo gráfico puede ser en ocasiones incluso contraproducente para lograr la anhelada inmersión. Ya he hablado antes del «contrato tácito» al que llegan el jugador y el juego. Entiendo que cuanto más parecidos a la realidad son los gráficos, más exigente es el jugador con lo que espera encontrar en el juego. Es decir, en los escenarios de Gears of War (uso este juego porque acaba de salir hace poco y es hasta la fecha la cima gráfica de Xbox 360) encontrar un objeto pobremente modelado o texturizado rompería inmediatamente la ilusión. En los primeros juegos en 3D se aceptaba como normal que el personaje atravesase algunos objetos del escenario, hoy en día ver esto en un juego sencillamente echa para atrás. ¿A qué conduce esto? A que los estudios de desarrollo dediquen más tiempo a solucionar cualquier glitch gráfico en lugar de dedicarlo a otras cosas que pueden ser más importantes.

Por último, tengo la impresión de que muchos diseñadores olvidan con facilidad que lo realmente importante de un juego es su jugabilidad. Son tantas las posibilidades que puede ofrecer un videojuego —que van mucho más allá de lo que puede dar de sí un juego de mesa— que es normal que un diseñador se sienta perdido. Mientras este medio, que bebe (y mucho) de otras artes como el cine y la literatura, sigue creciendo, resulta difícil poner un límite entre lo que es aceptable para un videojuego y lo que no. Una vez más, los árboles no dejan ver el bosque.

Documentación:

KATIE SALEN, ERIC ZIMMERMAN. Rules of Play. Game Design Fundamentals.The MIT Press, 2004.

Esos atajos de teclado...

2006-11-03T15:54:00.000+01:00

Antes de nada, los que leéis este blog en un lector RSS o similar quizás hayáis observado que las entradas que ya habíais leído os han vuelto a aparecer como si fueran nuevas. Bueno, todo esto es debido a que hace poco que he migrado a la nueva versión de Blogger, que está en fase beta, y que ayer mismamente actualizaron para dar soporte al idioma castellano. Como no llevo un control del feed del blog, pues hace lo que le da la gana (cosas de la beta, supongo, que tengo pensado comentar algún día).

Bueno, al meollo: Hay una cosa que me fastidia mucho de algunos programas, tipo 3ds Max o Photoshop, y es que casi todas las teclas del teclado hacen algo. Sé que los atajos de teclado son muy útiles y potentes y permiten al usuario experto trabajar muy rápido, pero tienen dos grandes problemas:

Hay que aprendérselos de memoria. Sí, es cierto, muchos son obvios o fáciles de recordar, otros son comunes en casi todos los programas (abrir, cargar, guardar, etc) los demás y sueles irlos aprendiendo según vas usando la herramienta. Pero la curva de aprendizaje está ahí y tarda en crecer.

Para colmo, no son intuitivos, es decir, no suelen estar a la vista del usuario. El teclado está a la vista, pero lo que hace cada tecla no. Por tanto, mientras no conoces los atajos, son completamente inútiles y, como explicaré a continuación, incluso molestos.

Todo esto viene a cuento de que si coges un programa cargadito de atajos de teclado, puedes tener serios problemas. Me pasa a veces, que pulso sin querer una tecla y cambio alguna opción que luego no sé bien quitar; o bien creo que estoy pulsando otra tecla y en realidad estoy tocando una distinta que no sé lo que hace. Cuando pulso una tecla sin querer y no pasa nada, siempre me quedo en la duda de si esa tecla servirá para algo o no (por si acaso, vuelvo a pulsarla otra vez, porque de todos es sabido que si al pulsarla activo algo, al volverla a pulsar se desactivará, ¿no? :S). Aún es peor cuando pulso varias veces seguidas una tecla porque creo que no me está haciendo caso, y resulta que era que estaba pulsando la tecla equivocada, ¡ouch!; entonces me asaltan terribles dudas del tipo: «¿Cuántas veces he pulsado? ¿Un número par o impar? ¿Habré activado algo o no?»

Estos dos días lo he pasado fatal con el 3ds Max. De repente, cada vez que movía la cámara en la escena, los objetos desaparecían y en su lugar aparecía una bounding box —la caja más pequeña que rodea completamente a un objeto—. Probé a cerrar y abrir el programa, nada. A reiniciar el ordenador, nada. A reinstalar el Max, nada. A desinstalarlo y luego instalarlo de nuevo, igual. Desesperado, buscaba en las opciones (inmensas) y en la ayuda a ver si conseguía encontrar algo, pero tampoco, nada. Empezaba a sospechar que el driver de la tarjeta gráfica estaba funcionando mal, y ya estaba poniendo verdes a los programadores de ATI cuando se me ocurrió buscar en Internet... Y, efectivamente, en algún foro de por ahí, encontré a alguien que había tenido el mismo problema; la solución era simple y llanamente pulsar la tecla «O». Brrrr...

Creo que sería interesante en estos programas que el usuario pudiera consultar un historial con todos los atajos de teclado que ha pulsado. Así, si yo pulsase una tecla que no sé lo que hace, podría consultar el historial y ver al lado para qué sirve esa tecla. Me permitiría deshacer aquello que no quise hacer e incluso me ayudaría mucho a aprenderme los atajos poco a poco. No sé si hay ya algún programa que mantenga un historial así, pero si no, ¿qué hacéis que no vais corriendo a patentar esta idea? ;)

¡Liberad a Wii!

2006-10-22T23:51:00.000+02:00

A principios de este mes, poco después de conocerse que la próxima consola de sobremesa de Nintendo vendría con protección regional (es decir, que la versión europea sólo podrá ejecutar juegos publicados en Europa), varios usuarios indignados decidieron montar una plataforma para defender la libertad regional en la Wii.

Como en un principio tengo pensado adquirir la Wii (a ver si puedo aguantar estas navidades sin ella :P) pues tampoco me agradó la noticia, así que decidí colaborar con la causa y añadí mi firma a la petición online que colgaron aquí. A día de hoy puede verse que han superado más de 5000 firmas, así que imagino que ya habrán enviado una carta formal a Nintendo expresando el malestar de unos 5000 usuarios.

La plataforma Pro-Wii Region Free propone también una serie de medidas muy al estilo de otros movimientos que tuvieron en su momento éxito: camisetas, envío masivo de e-mails, banners, etc. Cuentan con el apoyo de numerosas webs y con la «bendición» de CutterSlade23, promotor de la exitosa plataforma para la reedición de Ico en España y de quien ya había hablado en esta entrada.

La política que Nintendo ha tomado al respecto de este tema parece más caprichosa que otra cosa. Tanto PS3 como X360, consolas que compiten directamente con Wii por la supremacía del salón de casa, vienen sin protección regional de raíz (queda a elección del distribuidor activarla o no según sus intereses). Puedo entender que a Nintendo le interese mantener el control de los tres principales mercados en los que se mueve (Asia, América y Europa) para evitar competir consigo misma, pero me parece a día de hoy una medida exagerada: son pocos los usuarios que compran juegos fuera de su mercado, así que el daño que éstos pueden hacer es mínimo.

La protección regional nos afecta muy en especial a los europeos debido a que siempre somos el mercado peor tratado por las distribuidoras, y la cosa sigue sin visos de cambiar. La libertad regional (que sí está presente en la portátil Nintendo DS) permite a muchos usuarios disfrutar de aquellos títulos que nunca serían publicados en nuestro país, y hubiera sido un detalle que fuese una característica también de Wii.

¿Tendrá éxito esta plataforma? La verdad, albergo mis dudas. Tengo la sensación de que Nintendo aplica una especie de despotismo ilustrado de cara a sus clientes, algo así como «todo para nuestros clientes pero sin nuestros clientes»; es decir, que no escucha lo que piden los consumidores. Aunque nunca he importado un juego —sí he jugado a juegos no publicados aquí gracias a la emulación—, les doy desde aquí todo mi apoyo y espero que Nintendo les haga caso, aunque sea por una vez ;).

EDITO: Había un problema con la imagen.

Meme musical

2006-10-09T23:17:00.000+02:00

Nacho me manda un meme musical, consistente en responder a un cuestionario utilizando títulos de canciones de un determinado autor. Para la ocasión he escogido Mike Oldfield y he decidido restringirme a aquellas canciones que he escuchado. Veamos cómo sale:

¿Eres hombre o mujer? Our father (Light+Shade)

Descríbete: The inner child (Tubular Bells III)

¿Qué sienten las personas cerca de ti? Resolution (Light+Shade)

¿Cómo te sientes? Closer (Light+Shade)

¿Cómo describiría su anterior relación sentimental? Secrets (Tubular Bells III)

Describe tu actual relación con tu novio/a o pretendiente: Liberation (The Millenium Bell)

¿Dónde quisieras estar ahora? Far above the clouds (Tubular Bells III)

¿Cómo eres respecto al amor? First steps (Light+Shade)

¿Cómo es tu vida? Only time will tell (The songs of distant Earth)

¿Qué pedirías si tuvieras sólo un deseo? Peace on Earth (The Millenium Bell)

Escribe una cita o frase famosa: Let there be light (The songs of distant Earth)

Me ha costado, pero creo que he salido más o menos bien del paso :P. No hagáis mucho caso a todas las respuestas y portaos bien :D. Paso el meme a cualquier bloguero que lea esto y quiera seguirlo.

EDITO: Corrijo una falta de ortografía.

Edge nº6

2006-09-28T23:50:00.000+02:00

Bonita portada la que se han marcado los de Edge para este número 6. Está dedicada a LucasArts, compañía de la cual la revista nos ofrece un curioso reportaje, haciendo un repaso rápido a su historia y cómo pretende renacer de sus cenizas. Me ha gustado el interés que tienen en LucasArts por seguir siendo una compañía «pequeña» (al menos, todo lo pequeña que pueda ser una compañía que tenga a George Lucas detrás).

En cuanto al resto de reportajes, hay uno dedicado a las «chicas en los videojuegos», que no me ha gustado especialmente. Por contra, el reportaje sobre los estudios desarrolladores en Francia sí que me ha parecido muy bueno; no conocía la expresión «toque francés», apelativo que recibían muchos juegos desarrollados en el país de los quesos que estaban a la vanguardia de la tecnología, pero que jugablemente eran deplorables.

La redacción española ha realizado una entrevista a James Armstrong, consejero delegado de Sony en España, donde se habla obviamente tanto de PSP como de PS3. Quizás para no levantar suspicacias se adjunta al final un recuadro donde se anuncian también futuras entrevistas a responsables nacionales de Microsoft y Nintendo. Resulta irónico ver cómo Armstrong habla de que, para el lanzamiento en noviembre, tendremos aquí (o en Europa, no queda claro) unas 100.000 unidades y, a continuación, pasar página y ver en otro recuadro adjunto el siguiente texto:

A cierre de este número de la revista, Sony anunció el aplazamiento de la Playstation 3 en Europa (territorio PAL) a marzo de 2007, cinco meses después de la última fecha indicada —17 de noviembre—. La razón que aporta la compañía es el retraso en la producción de blu-ray. En Japón el lanzamiento será el 11 de noviembre y en Norte América el 17 del mismo mes.

En fin... La sección Creadores está dedicada al estudio español Digital Legends (¡ey, Nacho, no sales en la foto! :P). Por último, la sección de cartas sigue con su reducido tamaño, aunque esta vez abundan las cartas con alabanzas hacia la revista y en defensa de las críticas aparecidas en los números anteriores. Bueno, parece que ya no hace falta que yo les mande una carta para animarles :).

De privacidad va la cosa

2006-09-27T01:59:00.000+02:00

Aprovecho que Topopardo ha hablado del tema, aunque sea un poco de lado, para tratar aquí un tema al que ya le he dado vueltas hace tiempo. Cuando el «adalid del software libre» (sin acritud :D) dice en su artículo que:

¿Es google un peligro para la privacidad? Obviamente. ¿Alguien cree que en, digamos, 10 años, va a quedarnos la más mínima privacidad en la red? En absoluto. Nos la han quitado en la calle, en los lugares públicos e incluso en nuestras casas. En ciertos países los gobiernos han reclamado información a Google o han bloqueado ciertas búsquedas. ¿Se puede hacer algo al respecto? Ojalá. Ojalá se pudiera.

Me temo que, sin lugar a dudas, tiene prácticamente toda la razón. Pero no se trata sólo de Google, la lista de culpables de que los usuarios estemos perdiendo nuestra privacidad (consciente o inconscientemente) incluye también a del.icio.us, Bloglines, los blogs, los foros, ¿la web 2.0?, etc.

Bueno, y ¿qué es la privacidad? La Wikipedia sale al rescate:

La privacidad puede ser definida como el ámbito de la vida personal de un individuo que se desarrolla en un espacio reservado y debe mantenerse confidencial. El desarrollo de la Sociedad de la Información y la expansión de la Informática y de las Telecomunicaciones plantea nuevas amenazas que han de ser afrontadas desde diversos puntos de vista: social, cultural, legal,...

¡Atentos ya al primer párrafo del artículo! Volvemos a ver la privacidad en peligro. Desde luego, se trata de un tema con la suficiente relevancia como para que al menos paremos a pensar sobre él unos minutos. Por ahí adelante hay artículos mucho mejores que tratan mejor este tema (véase la Wikipedia para más referencias), lo que desde aquí puedo ofrecer es más una experiencia/reflexión personal.

Creo que empecé a preocuparme un poco más seriamente de la privacidad cuando me puse a trastear en del.icio.us, el famoso gestor social de marcadores. En general, uso del.icio.us para apuntar no sólo aquellos enlaces que me interesan a mí, sino que también pueden ser interesantes para la comunidad de del.icio.us. Al rato de investigar los enlaces que habían almacenado otros usuarios, me di cuenta de que más o menos podía hacerme una idea de cuáles eran sus gustos, sus intereses, etc. Del.icio.us, que hasta el momento me había parecido tan sólo una herramienta útil pero inocente —y, por cierto, un interesante motor de búsqueda—, se convirtió en un agujero para mi privacidad.

Coged y mirad ahora los enlaces públicos que tengo en del.icio.us pinchando aquí. No hace falta ser demasiado observador para ver que tengo interés en mejorar mi habilidad con el Photoshop, estoy interesado en los videojuegos, me gusta Mundodisco, las ilusiones ópticas, los artículos de Pérez-Reverte, siento curiosidad por las teorías conspiratorias, etc. Ciertamente, ahora soy más cauto a la hora de colocar un enlace en del.icio.us.

Pasemos a otro servicio web: para consultar los feeds de los sitios a los que me he sindicado, utilizo Bloglines. Para quien no conozca Bloglines, se trata de un servicio que me avisa si otros blogs o páginas han colgado contenido nuevo, sin que yo tenga que visitarlas una por una. Mirad mi perfil público en Bloglines pinchando aquí. Podéis ver los blogs y sitios a los que me he suscrito, y observar que mis intereses van desde la ciencia y blogs variados hasta los videojuegos, en especial lo relacionado con el desarrollo de los mismos. Una vez más, cualquiera puede hacerse una idea de qué persona hay ahí detrás de tanto feed.

Ah, y si habéis sido observadores, habréis visto que utilizo como nombres de usuario Auron y Garthof. Éste último es bastante único (vamos, hasta ahora no he encontrado ningún otro Garthof por ahí), ¿qué os impide ahora bucear en diversos foros de Internet, recoger todos los mensajes que dejo con ese nick y conocer mis opiniones sobre un determinado tema? Al utilizar un nick tan único para escribir mis opiniones en los foros, he dejado la puerta abierta a que los demás puedan identificarme con facilidad.

Por supuesto, también está este mi blog, de carácter prácticamente personal. Cuando lo creé, ya sabía que obviamente iba a tener que ceder parte de mi privacidad, pero que por otra parte eso me serviría para escribir lo que a mí me gustaría leer (básicamente, lo que hacen casi todos los blogs) y, puede, que también le guste a alguien más :).

Conscientemente, os he mostrado varios sitios donde podéis conocer más cosas sobre mí, y casi parece como si hubiese tirado piedras sobre mi propio tejado. El tema no está en que vosotros, estimados lectores, curioseéis con mayor o menor interés en las cosas que voy dejando por ahí; está en que cualquiera puede hacerlo: gente malintencionada o empresas privadas.

Y no se trata sólo de mi perfil público. Utilizo Gmail y Yahoo! Mail como gestores de correo web. A pesar de las supuestas garantías de privacidad que me ofrecen, en sus manos está todo el correo privado que he recibido desde hace mucho tiempo. Y así, millones de usuarios confían su privacidad (sus correos, sus datos personales, sus números de tarjeta de crédito) a cientos de empresas con oscuros intereses económicos; y nadie nos asegura que el día de mañana no venderán nuestros datos al mejor postor (si no lo han hecho ya...)

Sin embargo, no soy tan pesimista como Topopardo, y espero que no llegue el día en que la privacidad sea un tesoro que debamos guardar como oro en paño, o pagar para no perderla. Creo que aún puedo mantener cierta privacidad en casa, mientras sigo atento a cualquier decisión que tomen los gobiernos del mundo que nos acerque a 1984. Y con la máxima en mente de que «nada de lo que hago en la red es completamente privado», seguiré navegando por Internet intentando mantener el frágil barco de la privacidad a flote, esquivando las cada día más grandes corrientes que lo arrastran hacia la profundidad las fosas oceánicas de la tiranía —pues considero que mi privacidad es fundamento de mi libertad.

Y el día que la libertad se termine en la red, es probable que desconecte el ordenador del router y me retire a un monte a vivir como programador ermitaño. Buscadme allí si queréis.

Imagen de San Pablo, el ermitaño.

Edge nº5

2006-09-02T00:11:00.000+02:00

Y ya van cinco. Debo decir algo, cuando Edge se publicó en España, pensé que no llegaría más allá de este número. La verdad, no esperaba que tuviera mucho éxito y que acabaría desapareciendo al igual que Última Generación, TheGame.Mag y otras tantas...

Francamente, no sé si el mes que viene tendremos el número 6 ó no, pero hay un par de cosas que no apuntan demasiado bien:

Me ha tardado mucho en llegar. En la tienda donde había comprado el número 4 no les había llegado, y tuvieron que pedirla a la editorial. Al parecer, habían repartido pocos números.
Este número (y el anterior también) tienen menos páginas que los anteriores.

Todo esto puede estar justificado en que el número se ha publicado en verano y, bueno, hay menos ganas de trabajar. Espero que el número de septiembre venga con renovadas fuerzas.

En cuanto al número que nos ocupa, no me ha parecido especialmente brillante. A destacar el reportaje sobre Crash Bandicoot y el análisis retro a Alpha Centauri. El artículo sobre propiedad intelectual prometía ser interesante, pero francamente, no lo he entendido :S.

Me ha preocupado que la sección de cartas de los lectores ha sufrido un recorte drástico. Esta sección es una de mis favoritas en cualquier revista, y tres páginas no me parecen suficientes. En esta ocasión, no han puesto cartas de los lectores de la Edge inglesa, que yo creo que no hacían daño.

¿Habrá número 6? Espero que sí, aunque sólo sea por llevarme la contraria :P.

Viñetas desde o Atlántico

2006-08-19T00:16:00.000+02:00

Casi todos los años procuro no faltar a mi cita de agosto con la feria del tebeo (o cómic, según gustos) Viñetas desde o Atlántico, que se celebra en mi ciudad, La Coruña. Obviamente, no es la Comic-Con ni el Salón del Cómic de Barcelona, pero hay que reconocer el mérito de los organizadores y el ayuntamiento por todo el esfuerzo que supone traer a artistas más o menos reconocidos a que den charlas, expongan sus obras y firmen autógrafos.

A lo largo de los jardines de Méndez-Núñez se sitúan las casetas de venta de cómics. Como no soy muy lector de tebeos, nunca sé si arriesgarme a comprar algo nuevo o no. Este año he tirado por conocido y me hecho con tres libros de Roco Vargas y, mira tú por dónde me llamó la atención un libro titulado Anatomía para dibujantes de fantasía, así que también me lo he llevado.

Para quien no conozca Roco Vargas, decir que es una especie de aventurero que se mueve en un futuro que curiosamente conserva la estética de los años 50 (si no meto la pata), creado por el español Daniel Torres. En cuanto a Anatomía para dibujantes de fantasía, lo he comprado principalmente por sus ilustraciones, que espero poder usar de referencias en posibles trabajos. De todas formas, le he echado un vistazo y no está mal, quizás le falte ser algo más técnico (no sé, puede que comente el libro más adelante cuando lo haya mirado más en serio...)

Para terminar de valorar la feria de este año, debo decir que la he notado algo escasa. Recuerdo que otros años había más casetas de venta, sin embargo hoy el recorrido por las mismas se me ha hecho corto —también es cierto que en muchas casetas venden lo mismo—. En cuanto a la exposición en el Kiosco Alfonso, a mí me ha gustado (salvo algún detalle) pero mi percepción artística no es tan buena como para decir si ha sido más floja que otros años o no.

Bueno, espero que este pequeño declive haya sido la excepción y el año que viene Viñetas desde o Atlántico vuelva con renovadas energías. Que no decaiga.

Actualización: En uno de esos repasos que hago de vez en cuando, he descubierto un error tipográfico.

Edge nº3 y nº4

2006-07-23T13:13:00.000+02:00

Bueno, el número 3 de Edge no lo comenté en su momento por falta de tiempo y ganas, así que aprovecho ahora que me acabo de terminar el número 4 (correspondiente a julio) para hablar un poco de él.

En primer lugar, decir que el número 3 ha levantado mucha polémica, a mi modo de ver quizás demasiado injusta. De acuerdo, Heavenly Sword no ha sido "el mejor juego del E3" (como pone en la portada), pero quizás sí el juego revelación.

Sin embargo, el artículo que trae sobre el E3 me ha parecido bastante acertado. Algún sector radical lo ha tachado de "sonyer" (reciente neologismo muy usado en los foros), pero señores, Edge no es el único sitio donde he leído que el stand de Nintendo estaba hábilmente diseñado para crear colas.

Pasemos a hablar ahora del número 4. Aunque dedicar una portada a Wii no termina de convencer a los más fanáticos de la orientación bastante independiente de la revista, éste es a mi parecer el mejor número de todos los que se han publicado en España.

La revista hace un repaso a todos los juegos del E3 que los redactores de Edge han podido probar. E insisto en lo de probar, porque no aparecen por ningún lado Final Fantasy XIII, ni el último Metal Gear Solid, ni Halo 3 ni tantos otros de los que sólo se han mostrado vídeos. Y, bueno, hay impresiones para todos los gustos, como siempre.

A destacar el acertadísimo análisis que hacen de New Super Mario Bros. Dado que tengo el juego, puedo decir que realmente lo han clavado. Atentos también al análisis retro que hacen de Gran Turismo y a la columna de opinión Jeff Minter, que ofrece su particular punto de vista de la feria de videojuegos de Los Ángeles.

La verdad, es que con todo, este número se me ha hecho muy corto. Y, vaya, aún queda mucho para el siguiente...